OBSESIONES

Reseñas de cine con carácter crítico.

12/26/2009

LOS ABRAZOS ROTOS

Publicado por Carolina Pardo Delgado |





Obsesión.
Esa es mi palabra predilecta. El sólo hecho de escucharla me perturba fuertemente el corazón. Desde aquella primera vez que vi a James Lipton presentando en la pequeña pantalla “Desde El Actor’s Studio” (la más selecta academia que existe en Estados Unidos para actores) y realizar a su invitado, el Questionaire de Bernard Pivot.

¿Cuál es su palabra favorita? Obsesión. (Fue lo primero que llegó a mi mente y desde entonces, no se ha ido de mí.)

Fue así como desde hoy en la madrugada he permanecido más obsesionada de lo que ya estaba con Almodóvar.

Ya comenzaba a perder la ilusión por él desde que me decepcionara con La Mala Educación (2004) o Volver (2006). Por lo cual, no era de mi total agrado ver su última producción, así que con el mayor escrutinio y desinterés, decidí verla.

Almodóvar ha regresado.


Esta es la sinopsis extractada de la Wikipedia: “Un hombre escribe, vive y ama en la oscuridad. Catorce años antes sufrió junto a Lena, la mujer de su vida, un brutal accidente de coche en la isla de Lanzarote.

Este hombre usa dos nombres, Harry Caine, lúdico seudónimo bajo el que firma sus trabajos literarios, relatos y guiones y Mateo Blanco, su nombre de pila real, con el que vive y firma las películas que dirige. En la actualidad, Harry Caine vive gracias a los guiones que escribe y a la ayuda de su antigua y fiel directora de producción, Judit García y de Diego, el hijo de ésta, secretario, mecanógrafo y lazarillo.

La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de amour fou, dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa.”

Esta vez el objeto del deseo de dos hombres es encarnado por Penélope Cruz, quien se ha mantenido como una de las inspiraciones más férreas de Almodóvar, entre Carmen Maura, Lola Dueñas, Victoria Abril, entre muchas otras. A Penélope la percibí, como es acostumbrada en la visión española, naturalmente apropiada en su rol, intrigante, dulce, apasionada e hipnótica. Le sirve más su estadía en este terreno que en el hollywoodense, debido a su baja comprensión del lenguaje corporal inglés.

A Blanca Portillo (Judith), la aprecié fuerte, punzante y magnética, siempre sin el más mínimo deseo de esquivar el melodrama con tintes teatrales, aunque le luce terriblemente.
A Luis Homar (Mateo Blanco-Harry Caine) lo advertí en una actuación equilibrada, aunque falla por momentos en su comprensión de la ceguera. Dicho anteriormente, eso sólo lo puede hacer brillantemente Al Pacino.

Como es usual hay que destacar la brillante labor en la dirección de arte, la extraordinaria y cautivante estética visual que Almodóvar sabe posicionar como nadie. Como siempre, el rojo hace su aparición como simbolismo de la ambición, pasión y lujuria, pero al mismo tiempo, como el color de la tragedia, la sangre, y del inevitable advenimiento de eventos desafortunados a posteriori. Esta vez pude apreciar el intercambio de colores entre el rojo y el verde en la pareja conformada por los roles interpretados por Penélope Cruz y Luis Homar.

En la composición musical repite el español nominado a varios premios internacionales, Alberto Iglesias, quien le otorga a las cintas de Almodóvar como siempre, esa particularidad angustiante y a la vez, liberadora y catártica.


Es un film basado enteramente en muchas obsesiones: la obsesión de dos hombres por una mujer, la obsesión de un hombre por realizar un film sin importar las condiciones, la obsesión de una última mujer por interponerse entre una pareja. Obsesiones, que, por ser elevadas a un contexto cinematográfico nos parecen irreales, pero que están más cerca de lo que logremos advertir.

Aquella obsesión es la que más sobresale entre las demás, donde el personaje de Penélope es reafirmado como la diosa de las pasiones irrefrenables de dos hombres, tal como la visualicé en “Elegy” (2008) junto a Sir Ben Kingsley de Isabel Coixet (Un doblemente Must-see). Nos demuestra que aquellas intensas fijaciones ocultas en la vida real resultan siendo un abismo en la lucha interna de cada quien por querer parecer más “equilibrado” en la sociedad.

Ya he perdido la cuenta de cuantas veces expresé la palabra “obsesión” en este escrito. Me disculpo por ser tan obsesionada en mi terrible obsesión de obsesionarme por las obsesiones.


Una tarea para usted: Cuéntelas. No le daré un premio. Pero se dará cuenta del nivel de Obsesión que puedo alcanzar.

12/18/2009

AVATAR

Publicado por Carolina Pardo Delgado |


Sin palabras. Son las 11 de la noche y no quiero estar aquí. Quiero regresar a Pandora. Quiero ser una alienígena azul y quiero medir tres metros.

Ha pasado una hora. Es media noche. No puedo ir a Pandora. Todavía no soy una alienígena azul y es casi imposible medir tres metros.

Gracias James Cameron, otro deseo imposible más al cual no puedo hacerle check en mi lista. (Sarcasmo).


PANDORA:

Locación: Una luna de Polyphemus, un planeta gigante de gas orbitando la estrella Alpha Centauri A. A 4.4. años luz de la tierra.

Ambiente: Parecido a la tierra. Pero los humanos no pueden respirar su aire sin una máscara especial. (Exopack)

Habitantes: Los Na’vi, una raza muy inteligente de humanoides con una sociedad Neolítica.

Recursos: El único recurso conocido es el Unobtanium, un superconductor vital para la economía de la Tierra.

No me pregunte como llegar ahí. Pandora no existe. Según Lisa Kaltenegger, astrónoma de la Smithsonian (Un instituto localizado en Estados Unidos de educación e investigación que además posee un complejo de museos asociados), se podría estudiar vida cercana en una estrella como Alpha Centauri A (que sí existe) del sistema estelar Alpha Centauri, si pudieran encontrar agua, Metano, Dióxido de carbono y Oxígeno.

Este film apareció ante mi ojos como exuberante, breathtaking, visualmente orgásmico, brillantemente ejecutado, como la máxima potencialización de efectos visuales que haya percibido. Por nada Cameron mantuvo la historia en espera por más de 15 años y en el 2006, decide que todavía falta tiempo en tecnología para lograr su objetivo. Y, a partir de la tecnología creada con Gollum, personaje de El Señor de Los Anillos, Cameron supo que ésta ya comenzaba a dar forma para su film.


No pudo haber un casting mejor, encabezado por el casi desconocido en Hollywood Sam Worthington, -un australiano al quien desde ahora, según mi criterio, parece ser un digno sucesor de Russel Crowe-, quien le otorga a su personaje Jake Sully gran dosis de realidad, conmoción y empatía emocional. Un punto grande a favor: la falta de una fracción de movilidad corporal no le resta fuerza a su personaje, al contrario, le ayuda a extrapolar las emociones.





Y que decir de las chicas fuertes de Hollywood, Sigourney Weaver como la brillante Grace Augustin, (a quien debieron darle más escenas de acción). Aparece como la gran madre del proyecto. Y la siempre ruda Michelle Rodriguez, interpreta a Rudy Chacon, una piloto retirada de la marina quien con su brillante carisma para el humor sarcástico y encarnación de la fidelidad fraternal nos entrega aunque una instancia corta, muy bien personificada.

Giovanni Ribisi, (Parker Selfrige) lo encontré con una actuación muy equilibrada. Sin faltas ni exageraciones. Creo que es de las primeras actuaciones donde representa al “malo” del film. Salió airoso.

El casting general de los nativos estuvo adecuado, ya que utilizaron su fisonomía para crear las CGI (Imágenes Generadas por computador). Y las voces transmiten fielmente la narración. Excelente.

Esta es la sinopsis extractada: “En el futuro, Jake, un veterano de guerra parapléjico, es trasladado a otro planeta recién descubierto, llamado inicialmente Alpha Centauri B-4, y posteriormente Pandora. Es un mundo lleno de una increíble diversidad hermosa y mortal que respira amoniaco. Está habitada por el Na'vi, una raza humanoide con su propia lengua y cultura. La raza humana se encuentra en guerra con los indígenas. La mente de Jake y otros soldados es trasladada a los cuerpos de unos Na'vi creados genéticamente, para que así puedan infiltrarse en las líneas enemigas.”

Se me asemejó a dos films. El primero Danza con Lobos. Desde que vi al personaje principal ingresar al “mundo” Pandora, me trasladé a Kevin Costner en el año 1990 en la forma en como domestica a los Ikran (aves grandísimas). Y finalmente a Matrix, por el traslado genético del mismo personaje hacia otro cuerpo. Aunque no esté precisamente en otra dimensión.





La dirección de arte es elevada a su máxima expresión con un festín de colores exquisito por Todd Cherniawsky, un canadiense del que no sabía nada hasta ahora y ha trabajado como asistente de director de arte en Beowulf y War of the Worlds. Aplaudo la armonía cromática genialmente desplegada en los animales, específicamente en los Ikran.

Presumo que es una buena candidata al Oscar, ya que hace gala de un mensaje dirigido hacia el cuidado de la Tierra. Así como vimos el año pasado en el aparte de películas animadas codiciando la estatuilla dorada estuvo Wall-E, que poseía un mensaje símil. Apreciamos una vez más que el principal destructor de la Tierra es el hombre, y que al encontrar vida en otro lugar también sueña con la extracción de minerales sin importarle la destrucción del mismo.

Son las dos de la mañana. Tengo el cuerpo azul, mido aproximadamente tres metros y me ha crecido una cola que no me deja sentar en esta silla. Es hora de ir a Pandora. Desde allá escribiré mi próximo post.


I see you!!!

P.S. ¿Habrán cines 3D en Pandora?




12/12/2009

2 DAYS IN PARIS

Publicado por Carolina Pardo Delgado |






Escribir sobre amor nunca me ha parecido un tema fácil. A mi parecer es más simple escribir sobre radiación nuclear o sobre si hay vida en Marte o no. No hay que ser un poeta de tiempo completo para corroborar lo que he mencionado.

Por ello no es simple que Julie Delpy haya escrito una sagaz comedia romántica y que además la haya dirigido, actuado, editado y compuesto la banda sonora.


No había tenido la oportunidad de ver a Delpy desde “Before Sunset”(2004), la que sería la segunda parte de “Before Sunrise”(1995), a decir verdad, no me llamó la atención ninguna de las anteriores debido a la baja y casi inexistente química que había visionado entre Ethan Hawke y ella. Es que Ethan Hawke, como opinión muy personal, solo estuvo hecho para “Great Expectations” (1998), la novela adaptada por Alfonso Cuarón. Así que Delpy tenía argumentos muy válidos para transmitir acerca de las relaciones hombre/mujer. Aunque el actor no tuviera la fuerza necesaria para concentrarlos y extrapolarlos.




Y apareció Adam Goldberg y todo cambió. Goldberg añade ese toque de chispa, humor, frescura, diversión y, simultáneamente, de verdadera tensión emocional que se había extraviado en los intentos anteriores de Delpy. Goldberg en representación de un estereotipo de novio hipocondríaco, celoso, desconfiado (Jack), nos adentra junto a una Marion, (interpretada por Delpy), relajada, extremadamente confiada, descuidada e hilarante en una comedia romántica con un punzante sabor a drama. Y entre ambos y sus interacciones se nos olvida ver a París. La química entre ambos termina siendo tan fuerte que se nos olvida el exterior.

Y esta es la sinopsis tomada de la página Hoy Cinema: "2 Días en París" sigue a una pareja afincada en Nueva York durante una estancia de dos días en París. Ella es Marion, una fotógrafa francesa, y él es Jack, un decorador estadounidense. En un intento de volver a infundir romanticismo a su relación, acaban de pasar varios días en Venecia, pero el viaje no ha tenido el efecto deseado ya que Jack ha pillado una gastroenteritis. Tienen todas sus esperanzas puestas en París. Sin embargo, los pesados padres de Marion, que solo hablan francés, una serie de ex novios con ganas de ligar, la obsesión de Jack por fotografiar todas las tumbas famosas de la ciudad y su absoluto convencimiento de que los condones franceses son pequeños solo añaden leña al fuego. ¿Conseguirán salvar su relación? ¿Volverán a hacerlo algún día? ¿O conseguirán perfeccionar el arte de la discusión?”.

Si desea ver una sinopsis más amplia esta es la página exacta para el propósito. http://www.golem.es/dosdiasenparis/.




Esta cinta ha sido señalada como fiel seguidora a la trayectoria de Woody Allen, impulsador entrañablemente inquisitivo de las historias de relaciones entre pareja desde la década de los 70´s. Mi favorita: Match Point. Un must-see. Aunque no soy fan de Allen, cabe aclarar.

Apareció ante mis ojos un film relevante para esta época donde las dinámicas entre pareja han tomado nuevas formas de comprensión, que comienzan muchas veces por el final y terminan en el principio. Reflexionando así que la presencia de una comunicación incisiva y sin tapujos puede y debe guiar si no al éxito, por lo menos a una relación más sana y madura. Y me alegra que este film tenga la firmeza de señalar aquellas fallas en las interacciones intimas en las que le tememos darnos a conocer tal y como somos. En las que protegemos intensamente nuestro YO con mayúsculas gigantes y orgullo.

Y me identifico tan forma cruda con uno de los dos personajes principales que me hizo pensar y repensar, y repensar hasta que me quedé vacía.

La variable del choque cultural del film, (Jack no sabe francés), es sino chistosa, un buen motivo para que quede perdido en la traducción, también se constituyó en una forma de alejarlo de la realidad que acontecía.

Lo que más adoré: La escena final. La banda sonora del film en general es exquisita y apropiada. Muy a lo “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”.


Tal vez no se necesiten Dos días en París para iniciar a evaluar las interacciones en las que día a día estamos inevitablemente expuestos, sino románticas, de todo tipo. Tal vez no necesitemos a París para que nos enseñe que está mal o que está bien, o porque camino tomar. Porque, como me señaló hace poco alguien muy cercano: “El corazón lo sabe todo y lo siente todo”. Pero, ¿y quien le traduce a Él que no necesita a París? Tal vez lo único que necesite sea una tarde decembrina y un cappuccino en Juan Valdez.

12/10/2009

JULIE AND JULIA

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



¿Quién carajos quiere ver a la única actriz que ha tenido 15 nominaciones al Oscar (el mayor número de candidaturas) cocinando?

¿Quién en su sano juicio iría a ver a Meryl Streep cocinando?
Yo.

¿Quién se atrevería a escribir un blog sobre cocina?

Yo no.

Pues, sé que tardé mucho en auto-convencerme en ir a verla, para ser honesta. Tuve que revisar críticas y tráiler, pero ni aún así lo lograba. Aunque pudo más el deber que siento como blogger. Y fue así como me auto-arrastré (si es que eso es posible).
Desde la primera vez que vi “Como agua para chocolate” (1992), quedé fascinada con el tema de la cocina. Porque retrata fielmente como es la empatía con los alimentos, la interacción con los mismos y cómo el estado de ánimo personal influye en la manera en el resultado final de las comidas. Para mi ésta es la película más artísticamente orgásmica sobre la cocina que he visto.
Y luego vendrían el resto a hacerle compañía, un poco más debajo de su trono, Chocolat, No Reservations, Ratatouille, etc…


Más arriba había comentado que no quisiera hacer un blog acerca de cocina. Pues a pesar de que no tengo un talento innato para ello, para mi se convierte en una herencia, en una forma de interactuar con mi familia. Y así me gustaba desde niña y, todavía me parece atractivo, convertirme en el “Sous chef” (Término francés para referirse al segundo al mando en la cocina) de mi madre y de mi hermana Pola, (Si. Ese es su nombre. No. No es un Nick name). La cocina termina siendo un arte, porque es la capacidad de extraer de los alimentos el mejor sabor, color y apariencia que sea posible. Así que aprendí la cocina criolla de mi madre junto a la cocina internacional de Pola. (Aunque en éste último me quedé en el primer nivel). Lo acepto. Que soy una chef frustrada.



Algo que me llamó poderosamente la atención era ver en escena nuevamente a Meryl Streep junto a Amy Adams, luego de observarlas juntas en “The Doubt”. Ambas nominadas al Oscar. Ambas en una de las más profundas y desgarradoras actuaciones de sus carreras. Un must-see.
Aunque luego me di cuenta de que eran historias paralelas, estilo “The Hours”, ambas entrelazadas por la misma pasión pero en épocas disímiles.


¿Qué puedo decir de Meryl Streep que nadie tenga conocimiento, ni que se haya dicho ya? Que si algún día llegara a conocerla me temblarían las piernas, pero aún así le hablaría. Espero estar a menos grados de separación cada vez más. Puedo decir que está en el momento de su carrera en que podrían darle el peor guión del universo y aún así, lo ejecutaría brillantemente.

Por ello, no me sorprende que su papel como Julia Child sea flawless (sin falla alguna), que su acento y forma de hablar lo odié durante los primeros 10 minutos. Tal vez sea porque estoy acostumbrada y fascinada de verla en roles que exigen una mayor fortaleza. Y que haya estado acompañada de Stanley Tucci, quien parece no forzarse en lo más mínimo para lucir siempre una elegancia, cordura y un extremo sentido de la verdad en sus roles.




Amy Adams, se encontró con el casting perfecto debido a su carácter dulzón e inocente. La creación que su personaje, (Julie Powell) hace de un blog sobre cocina en el cual se propone realizar todas las recetas del libro de cocina de la famosa Julie Child durante un año. Sentí una identificación muy fuerte debido a que relata la forma en la que crea su blog, las expectativas que tiene hacia el, la seriedad que le imprime. Sus preguntas terminan siendo las mismas mias: ¿Y quienes me leen? ¿Y quién comentará? ¿Y los que no comenten que pensarán de lo que escribo?
Si usted es un blogger que sólo comienza o que está en vísperas de comenzar, aunque la cocina no sea su mayor motivación, este film aparece como una forma divertida de aprender y seguir en el camino.




La dirección de arte no puede ser mejor.Brilla la decoración de las locaciones por su relevancia de la época.

Aunque el film a veces se sienta como largo, no llega a ser tedioso. Apareció ante mi como una comedia algo light para sentir el gusto por la cocina y señalarnos el menosprecio que por momentos le otorgamos a la dedicación de las personas que nos preparan las comidas en el día a día. Tal vez no tengamos la oportunidad de tener chef franceses en nuestras cocinas o lugares cercanos al trabajo/estudio todos los días. Tal vez nuestros paladares estén atiborrados de los platos locales. Es así como lo convido a usted querido lector no para hacer 524 recetas como las de Julie, con una sola que haga con el mejor escenario musical, una receta en la que coloque todo su corazón y alma. Verá que probará el más exquisito de los manjares.


Yo haré lo mismo. Ya les informaré. Lo llamaré:


“The Julie and Julia and Carolina Project”.



12/06/2009

WHITEOUT (Terror en la Antártida)

Publicado por Carolina Pardo Delgado |


Presumo que es mejor ver acompañado este film, no sola (como yo lo hice), sólo por el hecho de que tendrá usted a quien culpar de haberlo llevado a rastras a ver semejante decepción.
El pasado Viernes me dirigí hacia el cine con la certeza de que no iba a ver la mejor película. Ya había visto críticas desfavorables en páginas web muy selectas. Y como algo diferente en mi ruta cinéfila, me encuentro nuevamente con otros amigos a quienes no veía hace algún tiempo. Rápidamente indagaron hacia dónde me dirigía. Les comenté con gran simpleza: “Voy a ver Terror en la Antártida y creo que es mala”. Me imagino que pensarían por las expresiones de sus rostros: “¿Y esta loca va a ver una película a sabiendas de que es mala?”. Así que no quise ser mala amiga y arrastrarlos a algo que no disfrutarían.


¿Por qué fui a ver una película de esta naturaleza? Porque el Viernes no tenía corazón. Me sucede pocas veces en el año. Y sabía que iba a haber algo de sangre rodando por ahí (si no iba a ser más de la apropiada para mí). Aunque, al comenzar el film, me pregunté por qué carajos no los arrastré. Me dije a mi misma que si veía cuerpos mutilados o algo por el estilo, saldría corriendo.


Mi primer pensamiento de la actriz principal fue: ¿Por qué escogieron una actriz tan dulce para el papel de un alguacil que reside en la Antártida? Léase bien, que no soy misógina. Soy una fuerte promotora de que los papeles fuertes para mujeres son excelentes, Uma Thurman como la novia de Kill Bill, Meryl Streep en “The Manchurian Candidate” o “The Devil wears Prada”, o sin ir más allá, de las mujeres de Almodóvar. Su constitución física para el papel demanda más. Creo que no le habría venido mal una transformación parecida a la de Demi Moore en G.I. Jane, para hacer más creíble la historia. Todo el tiempo estuve avistando como era posible que con su frágil cuerpo podría verse ruda.

En términos de actuación Beckinsale estuvo término promedio. Aunque a decir verdad, ella representó acorde la carga de la historia con los elementos que pudo, pero ni siquiera ella pudo sola. De igual forma, el guión apareció ante mis ojos y mi mente literalmente traído de los cabellos. Aunque usted lee la sinopsis: “Carrie Stetko (Kate Beckinsale), miembro de los U.S. Marshal, investiga el primer asesinato ocurrido en la Antártida justo cuando el sol esta a punto de ponerse durante seis meses. Ella debe atrapar al asesino antes de que abandone el hielo, o quedarse atrapada con él durante seis meses.” Luego ve el tráiler y se dice: Esto debe ser de lo más emocionante. Rodarán cabezas por doquier. Pamplinas. No se deje engañar así de fácil.




El asesino de la historia es risible. Nunca se dio a entender su motivo. A saber todo asesino que se respete, - como las buenas películas de asesinos en serie- tienen una razón de ser, manejan un patrón en los asesinatos producidos. Ya sea que esto sea producido de manera inconsciente por ellos. Un hombre tonto con un hacha en la mano daba miedo hace 10 años. Pero este personaje me inspiró lástima. Qué pésima labor de creación de personajes.





Debo destacar que me impresionó la dirección de arte, en cuanto a manejo de la ambientación. Es la primera vez que observando una película producida en el polo me otorga la posibilidad de sentir el frio que a fiel manera representan los personajes. Buen punto a sobresalir.

En términos generales este film no merece que usted pierda las valiosas dos horas de su vida viéndolo. Lo que más me duele es que millones de espectadores continúen asiduos a este tipo de cintas. Es una razón para que los grandes estudios sigan invirtiendo una suma de 40 millones de dólares en historias que usted olvidará a los 20 minutos de haber salido de la sala. Y pensar que con ese presupuesto se pudieron haber hecho más de 100 films independientes con productores que están esperando una oportunidad. Y quedé congelada de la decepción…

12/02/2009

PREMIO BLOG FANTASIA

Publicado por Carolina Pardo Delgado |

Este es mi segundo mes en el mundo blogger cinéfilo, y llevo mi segundo premio. Y quien más para otorgarlo que mis lectores- compañeros de cinefilia. !Cómo me hace de feliz! Es un honor entrar a sus espacios virtuales y que podamos seguir soñando con la posibilidad de admirar y, por que no? deconstruir y construir al mismo tiempo nuestras más raudas apreciaciones del séptimo arte. Y qué delicia saber que no estamos solos. Gracias a todos por dejarme continuar con mis Obsesiones sin enloquecer en el intento. Muchas gracias a Iradai del blog "Rebuscando la peli" por otorgarme este premio.

Estas son las reglas del premio:

1. Mencionar y enlazar a quien lo concedió: Muchisimas gracias Iradai!!!

2. Explicar de que se trata el premio : Como dice el nombre del premio, me imagino que se referirá a la fantasía, a aquello que nos impulsa a escribir y a crear nuestros pequeños mundos en la red para compartir lo que nos gusta. (Definición de Iradai).

(Mi definición )Es el premio destinado a aquellos quienes ven en la palabra y la imagen, la mejor forma de expresión. La fantasía deja de vivir en el interior de cada uno de nosotros para ser extrapolado al exterior. Qué mas fantasía que poder pintar con palabras e imágenes (en movimiento o no) en el mundo virtual, donde todo es posible!!!

3-Elegir y enlazar cinco blogs para continuar el premio.


4-Anotar las reglas.


5-El diseño y reglas del premio son inalterables.

Y ahora aquí estan todos los premiados, así que muchas felicidades a todos (Se me hizo muy dificil elegir):


1. A Oscar Torrado, de "El Portal del Celuloide", un blog excelentemente construido, me impresiona la rápidez de sus actualizaciones, la cantidad de información que le imprime al blog sin que se vuelva caótico, es sencillamente exquisita! Aparece ante mi, como mi rol model entre los blogger-cinefilos. Junto con Antara, creo que es de los pocos de este grupo reducido que residen en la ciudad de Quilla. Espero tener la oportunidad de conocerles, a ambos.

2. A Alejandro Angel, de "Armadillo", por la inenarrable pasión que le imprime a la imagen en movimiento "sobre todas las cosas". Por la visión tan fresca, audaz y espontáneamente auténtica de sus "narrativas visuales", como él le suele denominar. Todo lo anterior sin desmeritar sus escritos llenos de imaginación macondiana, que hace algunos meses ha dejado de producir y extraño. Además, fue uno de los primeros quien me impulsó a la escritura como una forma de catarsis. Les recomiendo su blog. A ojo cerrado. Un Must- see.

3. A Dialoguista, de "Dialogos Cinéfilos", por el humor mordaz que le otorga a sus reseñas. Además de lo especificamente puntual y veraz en sus comentarios. Por la construcción muy legible de su blog, además del avatar tan genial que tiene. Siempre quise disfrazarme de Gatubela... Por la diversidad de temas que maneja, y la pertenencia de los mismos. Porque la tengo en mi top of mind, es de los bloggers que más comenta...Gracias. Este premio va para ti. Un must-visit.

4. A Marguie de ""Insensatos en Moria City", porque cada vez que reviso su blog está leyendo un libro diferente. Por ser más que una ávida lectora. Por tener la capacidad de titular de forma llamativa y mordaz. Refiérase a: "Paranormal Activity, o porqué ayer dormí con mi hermana y las luces encendidas". Es una de las primeras que visitó mi blog, y porque sus redacciones son espontáneas y actuales. Si usted es un blogger-cinefilo, o sólo blogger, éste es un Must-see.

5. A Major Reisman, de "Blog dedicado al cine bélico e histórico City", porque es el único que he revisado de los blogger- cinéfilos que ha delimitado su campo de enfoque, y he tenido la oportunidad de leer sus apreciaciones de cine de más data, como Casablanca. Major, gracias por tu blog que nos regresa a donde partimos. A apreciar las grandes joyas del cine. Esas que se produjeron cuando nacía mi bisabuela. Un verdadero conocedor del séptimo arte debe comenzar desde los inicios. Y allí es a donde tu nos diriges. Otro Must-read.

11/30/2009

NEW MOON

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



Yo confieso que… Tengo una terrible confesión por hacer. Tal vez me haga perder credibilidad, pero me gustó Twilight y desde que la vi estaba esperando impaciente el estreno de New Moon. Que no es una obra de arte. Lo sé. Aunque, como escritora de poesía en prosa desde muy temprana edad, me sentí fascinada por los diálogos que Stephanie Meyer había producido. Creo que en eso básicamente se concentra el éxito de Meyer, en la posibilidad de recrear la posibilidad de juntar dos mundos solo para el deleite del amor, y tener las palabras precisas para eso.

Pero, ¿Existe algo más que haya llevado al éxito estas historias? La imposibilidad del amor porque una de las partes es un vampiro, lo convierte en otro factor llamativo. Aunque el factor de éxito para mi, más inequívoco es la androginia que caracteriza al clan de los vampiros. La belleza extrema de la palidez, ojos de colores intensos, y labios sonrojados es lo que más atrajo a Bella de Edward. Según Wikipedia, “Androginia es la cualidad de las personas cuyos rasgos externos no son propios ni del sexo masculino ni femenino, entrando así en un término medio.” En la adolescencia, las jóvenes tienden a buscar un lado más suave del compañero, una fisonomía más cercana a ellas en la etapa de fuerte vulnerabilidad donde se encuentran, las hace sentirse más seguras. Agregándole además la capacidad de fortaleza, protección e incondicionalidad que representa el ser “no humano”, al final, estos factores terminan confluyéndose en la tan anhelada “perfección masculina”.

A Robert Pattinson, pude apreciarlo más sobreactuado, con una química forzada hacia Kristen Stewart. Estaba más preocupado por lucir “hermoso” todo el tiempo que enfocado en realizar su papel.

Kristen Stewart, convence por momentos, a veces se le dificulta las escenas junto a Pattinson, no obstante, no termina por convencerme. Lo que hizo en la primera entrega, esta vez no lo pude percibir.

Jacob Black, (Taylor Lautner) es inmensamente simplón y aburrido. A pesar de la belleza física, sus dotes actorales como antagonista no rindieron ningún fruto. El lobo diseñado con efectos especiales hace gala de una expresión facial más puntual que él mismo. Por más que trató, la química entre él y Stewart brilló por su ausencia.

El cast de los Cullen (la familia de vampiros de Edward), es promedio. Sobresalen el papel de Alice (Ahsley Green) y Jasper.(Jackson Rathbone).





Lo más acertado para esta entrega es el cast de Dakota Fanning, como Jane de la familia de los Volturi para mi considerada como la Shirley Temple de nuestra época. Por alguna razón desde temprana edad estuvo muy ligada a los mejores actores, (Denzel Washington) o por lo menos a los que más están ligados a los Blockbusters (Tom Cruise). En los diez minutos aproximados que aparece en pantalla, se le nota la presencia y fuerza actoral.




Michael Sheen, (Aro de la familia de los Volturi) sencillamente encantador e hipnotizante. A pesar de su larga carrera, solo lo sigo desde que hiciera el papel del Primer Ministro de Gran Bretaña Tony Blair en el film, The Queen(2006). Un must see recomendado.
Esta segunda entrega termina por ser decepcionantemente extensa y aburrida, con ausencia de puntos de giro ni un buen elaborado romance. Presumo que tuvo que ver con el cambio de director.

Puntos a favor: 1. La escena de Jasper en la que se abalanza hacia Bella con el objetivo de beber su sangre. (Por los efectos especiales).
2. (Por la misma razón). La escena de lucha entre Edward y los Volturi.
3. La banda sonora, sencillamente exquisita, aunque la de Twilight fue suprema, "Supermassive black hole" y la escena del partido de beisbol, excepcional.


Muy pocos elementos rescatables en esta segunda entrega. Presumo que lo único que me alegra es que se proyecten la creación de historias dirigido a un público específico: los adolescentes, donde prime el amor y que vaya apartándose cada día más el cine Gore. Y que frases como: “Tú me das todo con solo respirar” sean extrapoladas hacia el mundo real. Y que el romanticismo se vaya propagando como el mejor de los virus, como aquel que dejamos un día en la mesa de noche en una carta de amor mancillada por el recuerdo.

11/27/2009

DEFIANCE

Publicado por Carolina Pardo Delgado |


Me permito abrir el post de hoy con mi más sincera auto-felicitación: ¡FELIZ CUMPLEAÑOS! Lo celebro, con lo que más me gusta, hablar de cine.

Si observas que una parte de la historia es reiterativa en las narrativas visuales del séptimo arte, lo primero que te inclinas a pensar es: “¿Otra vez lo mismo? Qué jartera.” Así que a la primera oportunidad lo desechas, y como hay tantas, pero tantas opciones de donde escoger que termina siendo un absurdo, reviso en otros lados y prefiero ver un capitulo de Los Simpsons totalmente resquebrajado en mi memoria, o cualquier comedia romanticona tonta en la que no tenga que pensar, antes que regalar mis horas de tal manera. Aunque, decidí darle la oportunidad a Edward Zwick que me impresionara como ya lo había hecho en Leyendas de Pasión, El Ultimo Samurai y Diamantes de Sangre (en la que convirtió por fin a Dicaprio en un actor maduro).

Zwick. Me decepcionaste. A pesar de que tenías una visión de un episodio en especifico y excelentes actores, ambos, a tu servicio.


Todavía no logro comprender a gran escala que no funcionó. A veces, estar tan sumergido en las buenas actuaciones de los actores, te guía a que olvides el complejo narrativo, tanto en su producción visual, como en la técnica. Lo que más caracteriza este film es la longitud y la ausencia de puntos de giros que le otorguen cierta movilidad tanto al film como al alma del espectador, los cuales lograron hacer su entrada hasta el final, cuando ya era muy tarde, tanto para la historia, como para el público. Si. Tengo en cuenta además de que es una historia basada en la vida real. Y que insertarle modos alternos solo servirían para alterar la historia.


Continúo tratando de dilucidar con el mayor objetivismo que puedo. Presumo que tuvo que ver con el casting principal. Craig tiene una fisonomía de tipo rudo, no de un judío que ayuda desinteresadamente a sus congéneres para salvarlos del exterminio nazi. No convenció como James Bond y no me convence ahora. No tiene que ver con sus actuaciones, porque es excelente. Es un problema de casting.

Luego tenemos a Liev Schreiber, quien me dejó atónita desde que lo vi en el remake del Candidato Manchurian. Sencillamente genial. El necesitaba otro actor diferente en el cual apoyarse. Aún así, fue lo mejor del film, le brinda una intensidad emocional al intransigente, Zus (su personaje) elevándolo a otra dimensión que difícilmente olvidaré.

Esta es la sinopsis: “La película está basada en un hecho real ocurrido en Polonia en el año 1941. Tras la invasión de Hitler al país, muchos polacos y judíos fueron perseguidos por el régimen Nazi. Los hermanos Bielski decidieron vengar la muerte de sus vecinos y familiares, asesinando a los responsables alemanes. Tras huir de Polonia, se refugiaron en los bosques de Bielorrusia, donde se encontraron con parte de la resistencia soviética que luchaba contra el ejército nazi.”


Reflejar la importancia del arduo trabajo que hiciesen los cuatro hermanos Bielski en la protección de alrededor 1.200 judíos a los cuales terminan salvando del temible holocausto es lo que Zwick nos invita a revisar. A pesar de unas cuantas escenas que se elevan y que finalmente te hacen saber por que estás viendo una película más de este período, no llegó a satisfacerme tanto como lo harían sus films anteriores. Porque si algo sabe Zwick es de cine bélico.


Zwick. Me decepcionaste. Y en mi cumpleaños. No hay párrafo final para esta película. Ya no más holocausto para mi. Solo esperaré a ver “Las cartas desde Iwo Jima”, que la tengo extendida desde hace tiempo. Y no más.

11/26/2009

PREMIO PRINCESS

Publicado por Carolina Pardo Delgado |


Este premio me ha hecho muy feliz, porque mi incursión en la blogosfera es reciente, de hace dos meses. Lo hice por motivaciones externas y porque de alguna forma aparecía en mi ese sentimiento sempiterno de hablar de cine, saber de cine, tanto, que se me terminó convirtiendo en una obsesión en la que pocas, (por no decir ninguna) personas me acompañaban.

Por eso agradezco encontrar aunque sea en una distancia fisica, en una cercanía virtual, a estos seres extraños, como yo. Y que delicia es poder seguir con mis Obsesiones!!!



Reglas:

1) Darle las gracias a quien te lo otorgó: Gracias a Antara Adachi del blog 4:3/16:9 y Pabela de La Cinerata.

2) Decir el autor que te encanta: Federico Andahazi y últimamente, Angela Becerra y Hector Abad Faciolince.

3) Nombrar al autor que más detestas: No detesto a ninguno en especial.

4) El librito que más te encanta: Un mundo feliz de Aldoux Huxley y El Perfume de Patrick Süskind.

5) Qué te emociona siempre: Una película bien realizada, una excelente actuación, que me regalen dulces, que me sorprendan con detalles.

6) Algo que odies: El egocentrismo exacerbado, las calumnias,

7) Otorga el premio a 7 blogs: Le otorgo el premio Princess a...


1. Antara Adachi de 4:3/16:9, me encanta su blog, porque actualiza tanto que es imposible creerlo, tiene una pasión tan fuerte con las series, aunque soy muy impaciente para seguirlas. (solo 24 con Kiefer Sutherland). Es la blogger-cinefila mas amiguera que conozco.
2. Pabela de La Cinerata, por además de ser la comentadora número uno de este blog, junto a Antara, por lo bien construido de su blog, además de la fotografía (los backgrounds que escoge), son para mi deleite visual.
3. Calila de Solocalila, quien fue mi primera seguidora, además de ser mi prima,me dio todas las instrucciones para el comienzo de mi blog, lo cual le agradezco infinitamente. Pues no tenía la menor idea de nada... Por la forma bordaz en como aborda sus escritos este premio va para ella...
4.Marguie de Insensatos en Moriacity, lo primero que me llamó la atención fue su avatar, pues también me encantan los gatos, y el diseño de su blog es parecido al mio. Me gusta su afición intensa a la literatura. Recomendado.
5. Vane de Cinecritico de Vane, la conozco reciente. Su diseño es el mas estructurado que he visto hasta ahora. Cinco estrellas por eso!

11/25/2009

BLINDNESS (Ensayo sobre la ceguera)

Publicado por Carolina Pardo Delgado |

Adaptar un libro a cine no es una tarea fácil. Más aún, si el escritor se rehúsa a este hecho. Más aún, si ese escritor del que hablamos es José Saramago. Esta es otra señal inequívoca de que tengo que leer Caín, su última novela, después de que un amigo me la recomendara fuertemente. Ya había dicho que me encantan las señales?

¿Qué otro elemento me puede llevar a observar un drama, después de que la vida es lo suficientemente fuerte para ver más drama? Tienen nombre y apellido. Julianne Moore y Mark Ruffalo, junto al director Fernando Meirelles. Me dije a mi misma: No se diga más. Esto hay que verlo. Y en el instante.

Como toda adaptación literaria, lo más importante termina siendo el guión. Ya que, queriéndolo o no, se torna en una gran responsabilidad del adaptador encaminar las ideas principales del autor sin modificar la esencia. No podría aseverar que tan bien Don McKellar, (el adaptador) estableció su trabajo, desde que no tuve la oportunidad de leer el “Ensayo sobre la ceguera” de Saramago. Un gran error. Y leerlo ahora, no serviría de nada, pues ya tengo los personajes físicamente grabados en mi mente y, la literatura, se trata precisamente de eso, de otorgarnos la capacidad imaginativa de crear los personajes en nuestra memoria a partir de las descripciones que el autor realice y de las que no…

Les regalo la sinopsis: “La novela relata cómo una extraña epidemia de ceguera azota todo un país. Un pobre hombre que espera en su coche frente a un semáforo es el primero en padecerla y a partir de entonces se extiende cada vez más rápidamente entre la población. Los afectados son puestos en cuarentena, pero resulta imposible contener la enfermedad y las calles acaban llenándose de ciegos que son víctimas de este inexplicable mal consistente en una infinita ceguera blanca, como un mar de leche.” Wikipedia.

Julianne Moore, nos entrega una actuación sin tachas. Deliciosamente implacable. Teniendo en cuenta que es la única persona que no es infectada por la epidemia, termina convirtiéndose primero en un líder silencioso, que al final termina erigiéndose como una figura no moral, aunque una abanderada de la justicia. Otra vez, sentí miedo por mí, al avistar que estaba celebrando su venganza. (Cuando trato de asumir con la mayor de las fortalezas que el karma es una fuerza del universo que gira por si sola, y que al final, cada quien recibirá lo que siembre). Celebraba que pudiera tomar la justicia y voltearla para su beneficio y el de sus compañeros. Cuando la percibí con las tijeras en las manos, no pude más que brincar de la alegría y alabar la sangre del malhechor.

Mark Ruffalo, como siempre, es excepcional. Es el actor más sereno y ligado al sentido de la verdad como ningún otro. Es fácil terminar creyéndole absolutamente todo lo que exprese. A pesar de que el casting inicial iba dirigido a Daniel Craig (el más reciente James Bond), no puedo sentir más compenetración con el. Sencillamente fascina. Tal vez sea su voz pausada y roncona que invita a la familiaridad instantánea con el espectador. (Véase Zodiac, 2007).



Gael García Bernal, el único al que no terminé creyéndole mucho. Cuando se goza de la belleza física y se explota artísticamente de esta forma, interpretar al “malo” se convierte en una tarea quijotesca. Y, a pesar de que el personaje se le suaviza, porque en el libro éste se caracteriza por la maldad per se como su motor principal de abuso, Bernal, no dio muestra de maldad que me motivara a odiarlo.


La epidemia de la ceguera refleja un simbolismo que puede verse ya sea como la pérdida de la visión, es decir como una condición netamente física, o, como más la aprecio, como la posibilidad de saber que somos ciegos en otras áreas. No vemos la realidad como deberíamos. Podemos padecer de una ceguera mental, emocional, conductual, interpersonal, etc. Puede ser aplicada de distintas formas. Presumo que Saramago la delimitó a un contexto físico, porque es el que más vemos y al que más le tememos. Estamos tan invadidos de las otras clases de ceguera que ya se nos convierte en el pan de cada día. La inclusión de un líder, precisamente está reflejada en que es la única persona que “puede ver” y la que nos guía. Sociológicamente hablando es una visión perfecta de nuestro mundo y de las relaciones que manejamos. Por ello se confirman como líderes, para guiar a los “ciegos”.

Lo más fuerte de este film es la cuarentena a la que son sometidos las personas infectadas. Precisamente aquí se coloca a prueba la capacidad egoísta del ser humano, dirigiéndolo a un temible proceso de selección natural en el sobresalen los más fuertes y la especie más débil es excluida y aniquilada.


Punto y aparte, la dirección de arte es exquisita. La iluminación se convierte en un elemento esencial para percibir el horror de la ceguera. Aunque, confieso que terminé un poco mareada después de ver tanto esas imágenes blancas, tal cual como las perciben los personajes.
Lo único que este film no tiene a su favor es la ausencia de credibilidad que les otorgo a todos los personajes en la habilidad de manejarse como personas que acaban de perder la vista y no saben manejarse a través de los espacios. Algo extremadamente difícil de llevar a cabo. Eso solo lo puede hacer brillantemente Al Pacino.


Fernando Meirelles sigue consagrándose como el mejor director de cine brasileño, aunque le resulte difícil auto-superarse después de Ciudad de Dios, se convierte en nuestro líder quien nos aparta y nos cuida como una madre de una enfermedad, de la ceguera humanitaria y fraternal, en la que abanderamos un egocentrismo tan exacerbado en la que solo nosotros nos importamos, y utilizamos a los demás como una escalera para llegar más arriba. Solo le pido al de arriba que nos enseñe una forma de ver la igualdad entre todos para que deje de reírse esa ceguera maquiavélica que cargamos a cuestas en el corazón.



11/19/2009

RESEÑAS DE OBSESIONES

Publicado por Carolina Pardo Delgado |
11/18/2009

INGLORIOUS BASTERDS

Publicado por Carolina Pardo Delgado |




Iba en camino a mi encuentro con Tarantino después de revisar atentamente la sinopsis y criticas de su último film. Decidí que por lo captado, tenía que verla cuanto antes. Sé que me tomó algo de tiempo, ya que la habían estrenado hace una semana. Por eventualidades del destino me encuentro con amigos. Ellos me convencen de entrar con ellos a ver 2012. Pero ayer NO era un día para ver efectos especiales y diálogos baratos. Después de mucha insistencia, de que me obsequiaran la entrada, me dije: ¿Por que no? Tal vez encuentre algo decente en esta película. Al fin y al cabo tengo que ver los llamados “Blockbuster” de la temporada. Luego de realizar el previo ingreso, unos vallenatos de fondo musical en la sala atestada de gente ansiosa por avistar el fin del mundo, me percato que la película está doblada al español. Detesto las películas que no están en su idioma original. Me parece un insulto a los realizadores. Me excuso para ir al baño, todavía me estarán esperando a que salga del baño. Acto seguido procedo a buscar los carteles en las otras salas hasta encontrar el de “Inglorious Basterds” pero no lo había. Ninguna sala tenía los carteles! Así que me aproximo hacia un empleado quien se encuentra en la puerta. Me excuso y le digo que se me “ha perdido la sala”. Me imagino que pensaría lo peor. ¿A que clase de tonta se le “pierde la sala”?


La sala estaba vacía. Ingresé y ha sido la segunda vez en mi vida que proyectan una película con mi sola presencia. Quince minutos después llegarían de la nada cuatro personas a dañar mi sueño.

Desde el primer momento en que aparecen los créditos iniciales te das cuenta de que estás por ingresar al mundo Tarantino, sus diseños novedosos aparecen ante nuestros ojos como su “trademark” o marca registrada, sumándole el estilo musical propio de los spaghetti western, a saber: “El spaghetti western es un particular subgénero del western que estuvo de moda en las décadas de los años 60 y 70,se caracteriza por una estética sucia a la vez que estilizada y por unos personajes aparentemente carentes de moral, rudos y duros, haciéndose servir de los clichés clásicos del western estadounidense y de sus mitos para crear un estilo propio”.

A principios tenía mi reticencia por Brad Pitt, creo que para algunos actores probar que se benefician de un talento es más difícil que otros. Más cuando la belleza los persigue. Probar, que además de poseer la gracia física y el talento en unión, es más complicado que probar solo el talento. Y el Brad Pitt que vi se asemeja a ese que me gustó tanto en 12 monos. O más bien, su teniente Aldo Raine me dejó perpleja. Aunque por momentos, Christoph Waltz lo dejó sin competencia alguna. Eso solo lo hace la escuela de Lee Strasberg. Si analizamos el resto de actuaciones, no entraré en detalles especiales, aunque el grupo de los bastardos no pudo haber tenido un mejor casting. La única a quien pude observar fuera de lugar fue a Diane Kruger, a quien en una escena se le olvidaba que tenía una bala incrustada en la pierna y por momentos hablaba como si nada. Totalmente absurdo.



El cast del führer no le otorgo ninguna importancia, ya que siendo un film de humor negro, aparece más que como un personaje, como un simple objeto al que hay que aniquilar y nada más.
Aunque algunos críticos tienden a afirmar que el film está lleno de diálogos largos y tediosos, a mi parecer, son justos y necesarios para contar la historia. Van creando una atmosfera de tensión que como sabemos, terminará en acciones físicas de violencia explícita. Asimismo, si tenemos en cuenta que el personaje más degradante (Coronel de la SS. Hans Landa) se confirma como políglota (Francés, Inglés, Alemán e Italiano), su forma de intimidar al enemigo es principalmente a través de su capacidad de transmitir horror a través de la palabra. Y todos sabemos que las palabras exactas muy a menudo suelen ser más hirientes que mil balas.


No pude más que adorar a la nueva heroína de la venganza de Tarantino, a Shosanna, su personaje se asemeja a La Novia de Kill Bill, una mujer aparentemente frágil a quien por azar de la vida, buscar cobrar la muerte de su familia. Y aquella escena donde se encuentra con el asesino, es más que perfecta. La inclusión de la música incidental en ese momento me otorgó el más delicioso de los éxtasis. No puedo más que aplaudir el conjunto de la banda sonora, que en ningún momento se desvía, al contrario, termina siendo un elemento contundente para el relato de la historia.

Pude apreciar una dirección de arte estrictamente cuidada. A pesar de que las locaciones utilizadas para el relato son pocas, aparecen precisas. El manejo de cámara brilla por la exquisita fluidez entre los grandes planos abiertos de cámara y los planos muy cerrados, (siendo éste último otro trademark de Tarantino).


No soy una admiradora de la violencia. Mucho menos de escenas donde la sangre se afirma como la principal atracción. Pero Tarantino no me dio muestra esta vez de que esa sangre era Ad libitum, es decir, solo para alimentar el deseo de sangre per se. Cada personaje demuestra que está relacionado a ella (la sangre), y que es imposible escaparse de ella.

Finalmente, no pude evitar odiar en mi la satisfacción que encontré de que exista en este relato esa ucronía “subgénero de ciencia ficción que podría denominarse como novela histórica alternativa”, de tener la posibilidad de “redimir” aunque sea a manera de fantasía, a una parte de la humanidad en ese absurdo episodio de la historia, en la que Tarantino pudiera aniquilar a los Nazis a su antojo. En aquella época donde a un hombre decidió que provenía de una raza superior y que éste sería motivo suficiente para acabar con sus congéneres. Y decidió pintar con sangre porque la Academia de artes de Viena le negó la admisión. Ahora solo me alegra de que a Tarantino se le brinde la posibilidad de hacer catarsis de su violencia a través de la cámara. Y que lo único que acceda a pintar con sangre sean imágenes de Bastardos sin gloria alguna.

11/03/2009

LA SANGRE Y LA LLUVIA

Publicado por Carolina Pardo Delgado |


No sé por donde comenzar. No dejo de sentirme abrumada por la historia. No dejo de tener fijada a Ángela en mi mente. No dejo de verla. Pronostiqué que esto pasaría. Desde que la observé en una prueba de cámara de Youtube, supe que Ángela se convertiría en uno de los performances que menos olvidaría. Ya tengo uno colombiano.

Bienvenida seas a mi lista.

Siempre he tenido una fascinación por los personajes solitarios, vacíos, inconclusos, errantes, esos que están a punto de explotar la verdad. Porque son capaces de todo para poder sentirse vivos. Son capaces de ingresar en las situaciones más extrañas y atroces y comprobar así, que no carecen de fibras internas que se mueven. Como bien sentenció un personaje del film Crash (2004), una frase que no me deja en paz “…parece que nos estrellamos entre nosotros mismos, para ver si podemos llegar a sentir algo…”. Porque de allí se desprende la capacidad de cuestionarse acerca del significado de la vida y de los porqués de seguir viviendo. Es que cuando alguien comienza a sentir que ya no tiene nada por que vivir, es porque llegó al final del camino y la vida le empieza a resultar insulsa, como esa rutina normal del día a día, y buscan desesperadamente una forma de aferrarse fuertemente a lo que puedes y debes continuar. Ángela encuentra en las drogas y el alcohol, unos ansiolíticos para acallar la voz interna de la soledad que la abruma, mientras Jorge, su compañero de la noche, encuentra en la venganza el ansiolítico para acallar el vacío que le deja la muerte de su hermano.


Este film me deja en el alma un sinsabor, preguntas sin respuestas. Lo mismo que percibí en 1995 cuando vi dos soledades que se encontraban en una noche, en Leaving las Vegas, la que le otorgó un Oscar a Nicolas Cage, por representar a otro personaje sórdido que no sabe como continuar y elige el alcohol para acallar los demonios que lleva adentro, o en “American Beauty” con Kevin Spacey cuando inicia a cuestionarsea si mismo y su ambiente con sarcasmos mordaces e intrépidos en la crisis de su mediana edad.


Jorge y Ángela, terminan encontrándose por aquellas “casualidades”, y es en comillas, porque para mi no existen. Terminan rellenándose el uno a otro de aquella soledad interna. Con simples miradas terminan reconociéndose mutuamente en ese nivel donde las falencias no se juzgan, donde el dolor emerge como común denominador.


La Lluvia sempiterna termina convirtiéndose en un personaje más de la historia. Es el ser omnisciente que llora con los personajes principales las injusticias que les sobreviven. Y es el único que reconoce las que en unas horas les han de venir.


La película ha sido definida por su director como un road movie urbano, “Road movie (literalmente "película de carretera", en
inglés) es un género cinematográfico cuyo argumento se desarrolla a lo largo de un viaje.” Excelentes actuaciones. Exquisita la banda sonora. La dirección técnica brilla por la fluidez de los planos secuenciales. Con una brillante fotografía que deja entrever a una Bogotá fría y sórdida, adolecida por almas perdidas. Lo único que no comparto es el lenguaje soez que se utiliza de manera repetitiva en dos de los personajes. Qué si era necesario? Absolutamente si. Pero hay un punto en que la repetición de estas palabras pierde su efectividad, además de que demuestra la necesidad de un diálogo más preciso.

Creo que el cine colombiano está viviendo su mejor etapa, que no nos de miedo representar la tan criticada violencia que representamos en todo momento, porque al final una historia de “ficción” como la de Ángela y Jorge nos duele menos que ver la realidad, esa misma que ignoramos cada vez que apagamos con desdén el televisor cuando comienza el noticiero. Creo que así evitaremos ver la sangre, aunque la lluvia se quede llorando por usted, por lo que por fortuna, nunca llegará a ver.





10/26/2009

MI PRIMERA VEZ EN LA TERCERA DIMENSIÓN (3D)

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



Lo acepto. Lo primero que sentí fue sensaciones de vértigo con las que escasamente pude llegar a la silla. Y además de eso, llegué cinco minutos tarde. Gran error. Solo que esta vez no hubo una gran de serie de errores, como bien dice un amigo…

Luego de llegar a mi silla como quien finalmente alcanza la cima del Everest, procedo a colocarme las gafas polarizadas, a pesar de no dejar de sentirme un poco extraña y todavía, terriblemente confusa. Debo decir que a pesar de mis esporádicos alegatos en contra de la digitalización, (por aquello de la defensa del actor y las emociones humanas sobre la tecnología) el cine 3D se ha ganado un profundo e irrefutable espacio en mi. Viro la mirada hacia la derecha y veo a mis amigos absortos, estupefactos, uno de ellos, a quien todavía se le dificulta el proceso, alcanza a tomar su liquido con gran dificultad, mira hacia arriba, mira hacia abajo, hacia los lados, en realidad no sé si fueron segundos o minutos en lo que pasó el tiempo buscándolo, cuando estaba a solo unos cms. de él.

Esta vez no entraré en coloquiales pesquisas acerca del film, porque para ser honesta, no me llama, ni me llamó mucho la atención la historia central, o, creo que, inconscientemente se me olvidó “verla”, por fijar la atención más en la técnica, que en otro aspecto. No obstante, lo que se me venía constantemente a la mente era:¿ En que piensa Tim Burton cada vez que crea algo? ¿En qué mundo vive el? ¿Qué clase de enfermedad mental padecerá? ¿O aquella línea delgada que existe entre la locura y la genialidad no existe en su personalidad?. Dicen que la mayoría de los genios del mundo han adolecido de esta clase de alteraciones y Helena Boham Carter, su actual compañera,(quien actúa en la mayoría de sus films)alega de su creencia en que Burton pueda padecer del Síndrome de Asperger, una forma de autismo. No seguiré adentrándome en esto, si desean ampliar de que se trata visiten a mi amiga, la Wikipedia.

3D. Tres dimensiones. ¿Qué es y por que me gustó tanto? Para entender la tercera dimensión hay que comprender la estereoscopía, “La estereoscopía, imagen estereográfica, o imagen 3D (tridimensional) es cualquier técnica capaz de recoger información visual tridimensional o de crear la ilusión de profundidad en una imagen. La ilusión de la profundidad en una fotografía, película, u otra imagen bidimensional es creada presentando una imagen ligeramente diferente para cada ojo, como ocurre en nuestra forma habitual de recoger la realidad.”

Es decir, que cada ojo, puede “leer” una realidad diferente de una misma realidad es así como percibimos, alto, ancho y grueso (profundidad en este caso). Las técnicas utilizadas hacen uso de la superposición de imágenes, trabajo de luz contra sombra, perspectiva, etc.

Y pensar que celebro mi entrada a la tercera dimensión cuando en otros países ya hacen uso de la cuarta… Por ejemplo en el ojo de Londres, (un parque de atracciones), hace ya casi cuatro meses abrieron un cine 4D en el que existen máquinas de viento y nieve, piso vibratorio, burbujas de aire, rayos, así mismo se pueden experimentar olores y estos efectos ya existen hace algún tiempo en otros paises… Bueno… esa sensación va más allá de lo que apenas incursiona en la ciudad.


No pude evitar sentirme un tanto ridícula cuando me encontré saludando a la pantalla, luego de que uno de los personajes se colocara al frente e hiciera lo mismo. Sé que estuve en una silla bastante alejada y no pude concentrarme en observar el film y las reacciones del público al mismo tiempo, lo único que alcancé a percibir fue un niño de unos aprox. 6 años de edad quien se encontraba en la silla de atrás, elevaba las manos hacia arriba mientras brincaba con gran esfuerzo tratando de atrapar la nieve que “salía” de la pantalla. No pude más que alegrarme, y envidiar esa edad en la que la imaginación no es ridícula, como mi saludo.

No sé que sucederá de aquí en adelante con el cine, si podremos interactuar con la película, que el público pueda crear finales alternos, lo ignoro totalmente. Mientras seguiré viendo el film como más me gusta, como cuando era niña, ese que vi miles de veces a través del betamax absurdamente gigante de mi padre.

10/20/2009

EL SILENCIO DE LORNA

Publicado por Carolina Pardo Delgado |


Siempre me han gustado las historias sobre inmigrantes. Desde aquella vez primera en la que la fuerza actoral de Gerard Depardieu me dejó perpleja en “Green Card” (1990), o Paraíso Travel, la colombiana, no obstante, creo que lo que más encuentro atractivo es el encuentro entre culturas, por eso no pude cerrar los ojos cuando me deleitaba con Bill Murray en “Lost in Translation”, quien interpreta a un actor norte americano de mediana edad quien tiene que ir a Tokio para sesiones publicitarias y allí se encuentra con un choque de cultura. O cuando en “The Terminal” un inmigrante de Krakozhia (pais inventado del Este de Europa) llega a Estados Unidos por la promesa que le hizo a su padre fallecido.

Ya era hora de que dejara esa visión suave y poco visceral que por momentos me deja Hollywood en la cabeza, aunque más que todo en el corazón.

Ya dije que siempre me han gustado las historias sobre inmigrantes. Sin embargo, cuando conocí a Lorna, no pude evitar sentir pena por ella. Y mucho más cuando fui cómplice de su silencio, y no pude introducirme en esa pantalla del cine y tomarle del hombro y gritarle que hiciera algo o me saldría de allí. Y aún así. Continué viéndola, con la esperanza fuerte de que reaccionara, con la absurda convicción de que en algún momento de lucidez ella me vería a lo lejos y lo haría…

Para que seguir en estas si todavía no sabe de quien le hablo… Y esta es la historia que me encontré:
“Lorna, una joven albanesa residente en Bélgica aspira a comprar un bar con su novio Sokol, para ello se asocia con Fabio, un mafioso de poca monta. Fabio ha organizado un matrimonio de conveniencia entre Claudy y ella para que así pueda obtener la nacionalidad. Según el plan de éste, Lorna debería casarse más tarde con un delincuente ruso que también pretende adquirir la nacionalidad belga, pero para que este segundo matrimonio sea posible, Fabio planea asesinar a Claudy. ¿Permanecerá Lorna en silencio?” Film Affinity.

Este es el primer film que me introduce a los hermanos Dardenne, quienes ya han tenido una trayectoria de reconocimiento en el Festival de Cannes, y Arta Dobroshi, (Lorna) una actriz quien apenas comienza a darse paso en el séptimo arte. Buscando un poco su filmografía (la de los hermanos) no pude evitar ver que llevan ese hilo de historias desgarrantes con problemas de adicción de todo tipo, marginalidad económica, de supervivencia. Y creo que más que solo una válida forma de expresión, es la catarsis de aquello que percibieron en su país de origen, cuando todavía eran unos infantes y que ahora, con herramientas en las manos se les convierte en una forma de redención hacia los menos favorecidos.

Una película muy densa, con aire a documental, a la que pareció habérsele extraviado totalmente la música instrumental, apareció como una propuesta interesante ante mis ojos. No obstante, en mi humilde opinión creo que sus directores pudieron haberla hecho más magistral mostrando algunas escenas que quedaron en la “obviedad”.

Pero ahora no puedo evitar sentirles mucho odio porque decidieron silenciar a Lorna, la colocaron en un espacio donde “no importa como pero hay que pasar por encima del otro para poder surgir” la acabaron moldeando sin esa ética producto de los sinsabores de la vida, abanderando ese “ojo por ojo y diente por diente”, la encerraron en un mundo de fantasías con personajes manipuladores que terminaron por anularla. Y el único que pudo haberla redimido aparecía como un simple “medio para su fin”.

Lorna aparece como una muestra inequívoca de la profunda capacidad de ambición del ser humano y de lo que podemos llegar a hacer para obtener lo que deseamos. Algunos críticos concluyen en que su final es sombrío, que Los Dardenne debieron haberle otorgado la libertad, tanto física y moral. Creo, que por ser creyente, y tener ese temor de una fuerza superior constante, de ser testigo fehaciente de que el karma nos persigue como el león persigue a la gacela, Lorna debe terminar pagando inevitablemente por su silencio.

A pesar de habérmela encontrado me siguen gustando las historias sobre inmigrantes. Porque anhelo fervientemente de que Lorna represente un mínimo porcentaje en la búsqueda de los sueños por un futuro mejor.

Sé que se puede. Desde aquí escucho la algarabía de mis amigos al otro lado del mundo… en aquel pequeño rincón donde no llega, ni llegará un silencio…

10/09/2009

THE TAKING OF PELHAM 123

Publicado por Carolina Pardo Delgado |


Ya era hora que dejara el drama a un lado. Ya no más tensiones. A veces necesitamos un poco de adrenalina, y como no tenía un paracaídas a la mano, decidí ver una película de acción.


El Rescate en el metro 123 es un remake del año 1974, entiéndase por remake, un “término en inglés que identifica las producciones audiovisuales que reproducen fidedignamente la trama, personajes, ambientación y prácticamente cualquier detalle de una obra anterior.”, y, aunque no podría comparar ésta con la anterior ya que no tuve la oportunidad de verla, hice mi mejor esfuerzo…


Básicamente la sinopsis de este film se reduce a lo siguiente: “Walter Garber (Denzel Washington), controlador del Metro de Nueva York, ve cómo la normalidad de su jornada se ve envuelta en un caos como consecuencia de un osado delito: el secuestro de un vagón de metro a cargo de una banda. Ryder (John Travolta), el cerebro criminal y líder de una banda armada formada por cuatro personas, amenaza con ejecutar a los pasajeros del tren a menos que se pague un alto rescate en el plazo de una hora. A medida que la tensión aumenta, Garber utiliza sus amplios conocimientos del sistema subterráneo en una batalla para intentar burlar a Ryder y salvar a los rehenes…”


Tenemos a dos grandes actores, Denzel Washington y John Travolta ambos en la cima de su carrera, tenemos a Tony Scott como director, véase la obra de arte, Hombre en llamas. Y Brian Helgeland, (Río Mistico, L.A. Confidential) como libretista. Cúal fue el motivo para que no funcionara?


Aquí va el primer error de una gran serie de errores:


1. Colocar a Denzel Washington y Travolta juntos, para un cine de acción no aparece como buena idea. Representan dos artistas top, son dos grandes egos aplastándose entre sí. Por la misma razón que situar a Al Pacino y Robert de Niro juntos por primera vez, casi al final de su carrera no fue la mejor idea en Righteous Kill, resultado, un fracaso.


2. El cast de Denzel como hombre común y corriente que va ascendiendo lentamente en una empresa, con cualidades de ser sumiso y manipulable es falto de credibilidad. En todo momento su fuerza actoral está por fluir. Estamos acostumbrados a verlo en personajes que respiran gran seguridad y control de sí mismo.


3. La típica familiaridad entre secuestrador y negociador es absurda, sin nombrar que la conversación mantenida entre ambos (en su duración representa casi una hora del film) es rebuscada y simplona. Tal vez les haya funcionado en el 1974. En el 2009 después de ver la misma mecánica auto repetirse se convierte en un insulto al espectador.


4. Si me dirijo a ver una película de acción, y la única “acción” que puedo percibir es una imitación barata de Rápido y Furioso, de carros de policías trasladando el dinero de rescate hacia el secuestrador, mejor alquilo las tres versiones de ésta misma y las veo nuevamente.


5. Definitivamente lo único excepcional para mi, en esta segunda entrega de El Asalto al Tren 123, es tener la oportunidad de apreciar una y otra vez (y lo haría mil veces) a James Gandolfini, a quien conocemos como Tony, el jefe de la mafia, en Los Soprano. Recuerdo haberlo percibido en una entrevista desde El Actor’s Studio exhibiéndose como un hombre introvertido, parco, lejano, casi autista, es impresionante que pueda llegar a ser un actor tan versátil y tan lleno de fuerza. Por algo fue lo único rescatable en lo que Julia Roberts Y Brad Pitt convirtieron en otra deplorable película sin sentido, La Mejicana.


No puedo proclamarme como pitonisa, gurú o algo por el estilo, pero cuando terminas observando la misma fórmula año tras año, hay un momento en el que ya nada te parece.


Y quedé con ganas de acción…

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