OBSESIONES

Reseñas de cine con carácter crítico.

12/29/2012

CLOUD ATLAS (EL ATLAS DE LAS NUBES)

Publicado por Carolina Pardo Delgado |

























Debo empezar por decir que al final, entendí menos de lo que entendí al principio. Esta es una adaptación de los hermanos Wachowski  junto a Tom Tykwer en la dirección, reconocidos mundialmente por ser los creadores de Matrix, -ya de ahí se intuye lo que se va a ver-, de un libro escrito por el británico David Mitchell que consiste en seis historias narradas tanto geográficamente como en tiempos distintos, desde el siglo XIX hasta un futuro post apocalíptico en el 2.144 (ya empezaron a extender la fecha de los carros voladores).


Estas seis historias están supuestamente interconectadas entre sí, y no sabría decir si es un error en la escritura del libro o de la adaptación, o de la puesta en escena, pero la interconexión de la historias termina por ser mucho menos que inverosímil. Por lo menos, en relatos como Babel o Amores Perros, se llega un momento en que todo se ensambla, pero aquí, creo que entre más avanza la historia menos se logra captar lo que los autores y directores quisieron expresar. Ahora, puede que muchos de esos fallos residan en la edición del filme. Porque cada una de las historias puede que funcionen de manera unitaria, -incluso me atrevería a apostar por la de Somni 451 y Hae joo chang una pareja muy extraña al principio, pero que luego tienen una excelente evolución, ayudados, claro está, por los efectos especiales-, en cambio, me atrevería a decir que la falta de química entre Tom Hanks y Halle Berry es insoportable hasta el hartazgo, muy a pesar por los intentos de inyectarle una dosis de pasión inexistente.




Llama la atención que la revista Time haya elegido a esta película como “la peor del 2012”, al mismo tiempo que es nominada al Globo de Oro en la categoría de Mejor película de drama. Esperemos a ver que dicen los integrantes de la Academia de los Oscares.

Dueño de un metraje absurdo para su calidad, - casi tres horas-, este filme falla en que no se siente como un todo, sino como un conjunto de pedazos agregados que no encajan, y que, por mucho  que su complejo actoral sea de primera línea, y los múltiples roles otorgados causen una curiosidad extrema en el espectador, termina por parecer un pastiche, entre la conjunción de tanto género fílmico que nunca termina por cohesionar.


Puede que haga gala de una puesta en escena muy audaz, sobre todo en el mundo apocalíptico, pero la aproximación a la narrativa es escasa, y hace que el espectador se pierda constantemente entre una historia y la otra, lo que la hace parecer como un proyecto inacabado y desacertado.  Y líneas un tanto postmodernas, muy de la nueva era, ligados a la palabra “Esperanza” que fue muy redundante en los informerciales políticos el día de la elección de Obama, razón por la cual veo que gran parte del cine Hollywoodense de finales del 2.012 e inicios del 2.013, se está yendo por esta línea de la estimulación hacia buenos valores, líneas como “Nuestras vidas no nos pertenecen, estamos ligados a otros en el presente, pasado y futuro” y con “Con cada gesto amable forjamos nuestro futuro”, no llegan a calar de manera profunda en el espectador, precisamente porque la historia en sí misma no llega a afectar o a mover fibras internas, tanto como nos muestra el tráiler. La premisa acerca de la interconexión del ser humano a través de diferentes épocas y raciocinios no llega al nivel de aprehensión como se supone que debiera.  Y la época futurista en Seul, Corea, -aparte del puente improvisado- no introduce nuevos elementos en los efectos especiales que no se hayan visto en la última década.

Sobresale Jim Sturgess, de 21 Black Jack, One Day, un actor con la presencia física, carisma y sentido de la verdad necesario como para seducir en este filme.

Sinopsis: “El relato se abre en 1850 con el regreso del notario estadounidense Adam Ewing desde las islas Chatham a su California natal. Durante el viaje, Ewing traba amistad con un médico, el doctor Goose, que comienza a tratarle de una extraña enfermedad causada por un parásito cerebral. Repentinamente, la acción se traslada a 1931 en Bélgica, donde Robert Frobisher, un compositor bisexual que ha sido desheredado, se introduce en el hogar de un artista enfermizo, su seductora esposa y su núbil hija. De ahí saltamos a la Costa Oeste en la década de los setenta, cuando Luisa Rey destapa una red de avaricia y crimen que pone en peligro su vida... Y, del mismo modo, con idéntica maestría, viajamos a la ignominiosa Inglaterra de nuestros días, a un superestado coreano del futuro próximo regido por un capitalismo desbocado y, finalmente, a Hawai, a una Edad de Hierro post-apocalíptica que corresponde a los últimos días de la historia”.

Escena para no perderse: El puente de escapatoria de hae Joo Chang (Jim Sturgess) y uno que otro momento de Tom Hanks.

Mi recomendación: Si no disfruta de los flashbacks y flashforwards repetitivos en una historia, no intentar su visionado. Y no espere mucho del filme. Pero, sobre todo, felicítese si entiende al final. Véala en el extremo caso de curiosidad.




Con este filme confirmo que en el año 2012 predominó la exuberancia visual sobre las historias.  Hasta Ang Lee se dejó tentar por la tecnología en 3D y convirtió un proyecto que era considerado “infilmable” en una pieza muy agradable. No puedo decir que es lo que esperaba, porque a decir verdad, al no haber leído el libro y al encontrar un tráiler de un joven adolescente en una barca con un tigre en medio del océano no genera gran poder atractivo en los espectadores.  Aun  así, como está nominado a los Globos de Oro y eventualmente lo estará en los Oscares, decidí que era momento para ver de qué se trataba todo el alboroto alrededor. Y me encontré con una pieza muy Disney-like, con un mensaje virtuoso acerca de la creencia en Dios, en Cristo, en las religiones, en la familia, en la supervivencia. (Muy apropiado para haberla visto el 21 de diciembre). Además, de decir que es interesante que directores no-norteamericanos vayan abriéndose campo en Hollywood en el nuevo lenguaje cinematográfico de la tercera dimensión y salir librados de ellos, sin incluir los horrores que han hecho con película editadas y luego convertidas a 3D, cuyo objetivo ha sido puramente lucrativo, y se convierte en un engaño al espectador y al cinéfilo.

Hay un aspecto que no se le puede quitar a esta película, y es la brillante utilización de la colorimetría en los paisajes, y en el manejo de animales sin que la labor parezca un pastiche. El trabajo de imágenes generadas por computador es tan preciso que parece que el tigre de la barca es absolutamente real.  Según datos de producción, se emplearon cuatro tigres reales para hacer capturas de movimiento y para referencia, así como también para las escenas cruciales, esto forzó al equipo de efectos especiales para hacer que sus tigres se vean lo suficientemente reales para que no se puedan distinguir de los verdaderos.  Pero en la escena donde el tigre salta de la barca y nada es un tigre real. Y cuando está junto al chico, no lo es, precisamente porque es difícil tener un tigre, aunque sea entrenado, junto a un actor.  

Según David Magee, quien realizó la adaptación del libro de de Yann Martel, hasta convertirlo en guión para cine, dice  que el libro  “unía lo profundo y lo enigmático con aventuras épicas y una introspección profunda”. La historia básicamente se reduce a un joven que naufraga con una serie de animales en medio del pacifico, y que luego termina con un temible tigre de bengala. Por momentos me parecía ver una versión más joven de Tom Hanks en El Náufrago, solo que esta vez hay una amigo animado, -no una pelota dibujada con una mano-, y eso le otorga un sentido más humano a la historia, ya que hay dos seres vivos en una barca, y, aunque el tigre no se comunique verbalmente, la compañía del animal finalmente es la que impulsa a Piscine Militor Patel, interpretado por el actor Suraj Sharma a continuar vivo, a pesar de las infrahumanas condiciones de su naufragio. (Esa es una diferencia entre ambas películas y otra, que éste no es un gran comercial de Fedex).

Ahora, aunque visualmente es exuberante, y por momentos es hermosamente monocromática, entre colores como el negro, el azul, el verde y el amarillo, entre otros. El final es temiblemente aburrido hasta el hartazgo, y la edición de la película por momentos destruye la fluidez de la narración. Al igual que no se siente una conexión emocional entre el relator de la historia y el escritor. Creo que aquí falla un poco la dirección de actores, la que se salva en el personaje central joven de la historia.

Según datos de producción Suraj pasó gran parte de la producción en el tanque generador de olas más grande del mundo jamás diseñado y construido para una película. Localizado en Taichung, Taiwán, en un lugar que albergaba un antiguo aeropuerto, el tanque medía 70 metros de largo, 30 metros de ancho y 4 metros de profundidad, con una capacidad de 1.7 millones de galones, lo que les permitía generar a los realizadores una gama de texturas con el agua.

Aunque otros directores como Alfonso Cuaron, M Night Shyamalan, Jean Pierre Junet, fueron inicialmente sugeridos para el proyecto fue Ang Lee quien se atrevió a llevarlo a cabo. La premisa central acerca de la inocencia, el valor, la supervivencia, conforma la increíble aventura de un joven —a ratos emocionante y espiritual; a ratos perturbadora y victoriosa; a ratos divertida e inspiradora.



Finalmente, puedo decir que esta película está a la altura de los Globos de Oro y de los Oscares, pero habrá que ver cuán lejos llega habiendo un biopic (Licoln), y un docudrama (Zero Dark Thirty) e incluso, Argo, de por medio. Pero, poco a poco podrá ingresar dentro de la contienda. Esperemos su evolución en la recaudación económica y en la apreciación de los críticos y cinéfilos alrededor del mundo, pero sobre todo, de la Academia.

Mi recomendación: No vaya con altas expectativas y será medianamente recompensado. 

 Escena para no perderse: Todas donde se encuentre el tigre de bengala y los suricatos!!!





A pesar de no llegar a la altura de sus predecesores, tal como la conocida trilogía de El Señor de los Anillos, Peter Jackson, -su director- se embarca de nuevo en esta aventura de plasmar la literatura fantástica a través de 48 cuadros por segundo en tercera dimensión, duplicando así, el estándar de 24 cuadros. 

La nitidez de imagen creada a partir de este nuevo formato, que ya está ganando adeptos, entre ellos, James Cameron, asemeja a los juegos de video, razón por la cual muchos cinéfilos encontrarán un gran despliegue visual en esta evolución tecnológica que busca eliminar, entre otros aspectos, los flashes creados a partir de la luz estroboscópica y la distorsión de movimiento. 

Renace así mismo, la actuación a través de captura de movimiento que se inició 11 años atrás con el personaje de siniestro aspecto y doble personalidad, Gollum, interpretado por el actor y esta vez, asistente de dirección, Andy Serkis, en una escena algo extendida, pero necesaria para el relato de la historia. 


Con un metraje de casi tres horas, la transpolación de la novela del padre de la literatura moderna de alta fantasía, J. R.R. Tolkien, puede resultar algo tediosa para aquellos detractores de la literatura fantástica, y de manera simultánea, puede significar un gran festín visual para los amantes de la misma, debido a la pormenorizada y detallada atención dirigida hacia la ambientación y el vestuario.




  Por otro lado, puede que algunos manerismos en el actor principal, Martin Freeman, se perciban como algo infantiles y fácilmente captados por el público adulto, lo que podría dar una sensación y un ligero halo de actuación forzada, y asimismo, el desempeño de la compañía de enanos resulte poco creíble llegando a rozar la pantomima, pero se debe señalar que esta es una obra concebida desde sus inicios para el público infantil, razón por la cual, se perdonan estos detalles. 

Como siempre, impresiona la fe y sentido de la verdad del veterano actor Sir Ian McKellen, en interpretación del mago Gandalf el gris. Con elevados tintes de humor y un excelente complejo actoral con esta historia se nos reafirma la posibilidad de seguir creyendo en nuestro niño interior.


Tengo que usar dos tipos de gafas para poder observar el HFR y vale la pena. Eso, y no quise salir del cine con la esperanza de quedarme en el fantástico mundo de Peter Jackson.  Y puede que este filme sea más atractivo para aquellos lectores acostumbrados a la fantasía de la tierra media y a la literatura fantástica  de autores renombrados como George Martin y su septalogía de Canción de Hielo y Fuego. Pero como todos sabemos, con el autor J.R.R. Tolkien se identifica el resurgimiento de este tipo de literatura, por lo cual se le relaciona como el padre de la literatura moderna de alta fantasía.

Uno de los factores que impresiona es la deslumbrante nitidez de la nueva tecnología de 48 cuadros por segundo, como sabemos es usual en el cine, la utilización de 24 cuadros por segundo, esto según he leído, se hace con el objetivo de captar la imagen tal cual como la ve el ojo humano. Según datos de producción y varios videoblogs que se encuentran en la red desde el inicio del rodaje, se puede verificar la inmensa producción y responsabilidad que tanto la película como este nuevo formato requiere, así que viendo las cámaras que se emplearon con dos “ojos” uno para captar el izquierdo y otro para captar el derecho, los cuales se unieron mediante un espejo y voilá, nació la tecnología que incluso el mismo James Cameron ya está pensando en emplear para sus próximos proyectos. Así que para aquellos a quienes les disgusta la idea de usar gafas van a tener que usarlas, porque este es el comienzo del futuro.

Y entramos en el mundo de la fantasía, donde el Hobbit Bilbo Bolsón emprende una aventura junto a 13 enanos y Gandalf el gris con el objetivo de recuperar el reino perdido de Erebor. En términos generales las actuaciones son sobresalientes, teniendo en cuenta que el gran porcentaje del filme fue hecho con la captura de la pantalla verde. De ahí se puede evidenciar el talento de los actores, ya que imaginar lo que no está ahí, como por ejemplos gigantes y enormes paisajes y preparar una actuación a partir de lo que no se ve me parece fascinante y meritorio.  Como siempre, resalta la imponencia y extensa sabiduría de Sir Ian Mckellen –Gandalf el gris-, además de esto, la presencia de actores británicos de tanta fuerza escénica como Richard Ameritage, - Príncipe Thorin- le da un plus muy importante a la compañía de enanos.
Mi foto con Gandalf el gris

De ahí partimos a la historia que en sí es simple, y que como en toda literatura fantástica va unida a una serie de aventuras y viajes que emprenden los personajes con el fin de recuperar el reino de Erebor.  Como siempre, una de las inclusiones que más sorprende y que a gusto personal me pareció terriblemente extendida, tal vez para aquellos quienes quedamos hasta el hartazgo de Gollum,- aquel personaje con dos personalidades tan opuestas como tétricas-, fue el capítulo de las adivinanzas que se me hizo eterno. Creo que hubo falta de edición aquí y en otros pasajes, lo cual puede generar bastante tedio a la audiencia que no está acostumbrada a narraciones épicas. Hay que resaltar que el actor Andy Serkis  trabaja esta vez como director asistente, lo cual me hace saber cuánto Peter Jackson valora el trabajo de los actores.

Asombra el detalle pormenorizado del vestuario, las prótesis empleadas en la caracterización de los personajes, la creación de los escenarios a través de dibujo manual, y subsiguiente, de manera digital.

Mi recomendación: No deje de verla en 3D HFR!!!
Escena para no perderse: La canción interpretada por los enanos Misty Mountain.





11/06/2012

OPERACIÓN "SKYFALL"

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



Resurrección. Es la palabra que más me gustó del trailer. Bond sobrevive en este filme en cuerpo y alma, y es al fin y al cabo, un soldado con cualidades especiales. Y es un elegido al poder resurgir a una nueva vida. 

James Bond es conocido por ser un agente del MI6, un servicio de inteligencia de espionaje de  Inglaterra. Y no tengo nada que decir al respecto, porque obviamente no van a revelar los secretos de inteligencia, espionaje y contraespionaje en una película. Pero por lo menos vemos la esencia del personaje principal, un Bond perturbado, melancólico y oscuro que regresa después de haber recibido un disparo porque busca proteger la seguridad nacional.  Es un hombre, no una máquina que dispara, bebe alcohol para digerir sus penas y vive y respira por el MI6. Es la perfecta combinación entre lo antiguo y lo moderno, utiliza aparatos como una radio pequeña, tal como el pequeño Larousse ilustrado y un arma que solo capta su huella digital, una Walther PPK/S 9.

Su contramaestre -en marinería es el oficial que manda las maniobras bajo las órdenes del oficial de guerra-, es Q, un joven con el cabello desaliñado de quien reconozco a través de la adaptación literaria de El Perfume, Historia de un asesino donde personifica a Jean Baptiste-Grenouille interpretado por Ben Whishaw . Este personaje se encuentra en una galería de arte con Bond mientras admiran un cuadro, el dice que no le importa el arte, pero miente, porque tiene miedo a ser catalogado como demasiado sensible. Interesante la transición de asesino atormentado a hacker alocado.


Es la tercera vez que Daniel Craig encarna al personaje de Bond, y lo que más llama la atención es tanto su penetrante mirada como sus ojos azules que puede que le hagan ver como un simple "hombre bonito" pero respira sensualidad por los poros. Maneja un Aston Martin, proveniente de la compañía Ford que es uno de los carros más emblemáticos de la saga de Bond, con el cual busca parecer "desapercibido" pero le es imposible. Su compañera de trabajo es Moneypenny, una mujer negra, con mucho carisma, convicción y alto sentido de lealtad. Y en representación de Silva, mi villano favorito, que estuvo interpretado por el actor español Javier Bardem, lució una abundante cabellera decolorada, muy parecido al look de los espantapájaros, mientras celebro su homo-escena junto a Craig, quienes parecen haberse divertido mucho haciéndola. Silva es un malo muy malo, con muchos matices en su actuación que van desde la comedia hasta el desequilibrio emocional, pero su deseo de aniquilar a M va más allá del deseo de venganza. Presenta una clara contradicción entre querer matarla y amarla. 


James Bond es generalmente un personaje reservado, amante de las mujeres, pero ellas terminan siendo un propósito para sus misiones, de algunas de ellas se enamora, de otras sencillamente no. Vaya usted a saber a que se debe la química.


Muy interesante me pareció el test psicológico creado por el suizo Carl Gustav Jung, como la asociación de palabras, que también es empleado en el Actor's Studio, una escuela de actuación en Nueva York, como un tipo mini-entrevista y que se le aplica a James Bond durante los exámenes de rigor para ser ingresado en la misión con el nombre de operación "Skyfall". 


Esta vez pude apreciar los colores, en los créditos que semejan una plétora-superabundancia de sangre-, proliferan las calaveras y los puñales.  Bond le dispara a cuatro sombras de él en el piso. Esto podría ser interpretado de muchas maneras. Que le teme incluso hasta a su sombra, que las sombras son sus enemigos. Que proviene de la liga de las sombras. Que son agentes encubiertos... Viste una pijama azul y me pareció interesante el hecho del contraste entre la ternura de su vestimenta porque parecía un oso cuando va a  realizar su examen de disparo y la intensidad con la que lo hace y se aproxima al tablero. Pero también hay que ver el otro lado de la moneda, en la que la canción de Adele titulada igualmente "Skyfall" se refleja como un hombre desconectado de toda emocionalidad. Estas líneas identifican claramente al personaje principal que es un mujeriego, "podrás tener mi número, mi nombre, pero no mi corazón". Porque sencillamente su profesión como matón a sueldo no le permite mantener una relación estable. 

Como figura predomina el círculo, y los cinco elementos, agua, tierra, fuego, madera y metal. Me gustó mucho eso porque lo relacioné con la película "El quinto elemento", protagonizada por el siempre sexy Bruce Willis.

El humor irónico propio de los británicos, e inclusiones de palabras repetitivas como "bloody" -sangriento-  es una jerga que anteponen a muchas palabras, como para darles énfasis, como cuando por ejemplo decimos aqui, "puerco tiro" o "condenado tiro". Bueno, esa es mi interpretación, hay que preguntarle a un británico, cual es el significado verdadero.

Y pues si, hay explosiones por doquier, como pieza fílmica de acción que se respete hay helicópteros con entradas teatrales, tal como le es enseñado a Batman por Rhas Al Ghul, líder de la Liga de las Sombras. Hay destrucciones masivas por donde se le mire. Pero si son justificadas, por qué no hacerlo. Un tren que ingresa a todo timbal me pareció un poco excesivamente largo en su longitud, pero vaya usted a saber si era el mismo tren que rodaron varias veces. O fue un perfecto modelo a escala.

La relación entre M y James es más estrecha debido a que éste le permite ingresar hacia los vestigios del castillo de su padre. Aquí le demuestra confianza. Por otro lado, hay una modernización en la presentación de la lista de agentes descubiertos del MI6 que se hace a través de Youtube lo cual me pareció risible -dudo que podamos ver esas listas por ese medio- pero creo que esto se debe a que están tratando de hacer una inmersión en la cultura joven mientras la frase Piensa en tus pecados aparece de manera reiterativa.

Las locaciones van entre escenarios ficticios de Shanghai, y reales de Inglaterra y Escocia. Varios momentos clichés como Bond ingresando en una especie de plafón a un casino en la mitad del mar con juegos artificiales al fondo me hicieron pensar en la canción de Katy Perry, "Firework".

"For her eyes only" es una frase común en la saga y me pareció muy cute que la incluyeran. Es para avisar que algo es secreto y solo es para una persona en particular. En el libro Carta Blanca de Jeffery Deaver, que confieso, es el único que he leído de la colección, -lastimosamente no he leído los de Ian Fleming, el creador del personaje- alcancé a ver la variación de "For your eyes only" FYEO, me pareció un toque muy unique dentro de la película, porque este acrónimo caracteriza  tanto al personaje como al servicio de inteligencia, le da un toque retro muy chic. De la misma forma me parece interesante la navaja con la que se rasura Bond.

Me pareció interesante el uso de la palabra Omega para significar tres cosas: el fin como la letra griega, el reloj Omega que identifica a James Bond y Omega como el espectro o mapa en el cual se descifran los planes macabros de Silva. Esta palabra quedó como una cerveza Club Colombia.

Hay una relación entre los cuadros utilizados en la película. Son robados. El pintor italiano Modigliani es el autor del cuadro que fue extraído en la realidad, Mujer con abanico, que aparece cuando Bond persigue su rastro en un edificio y según la página se da a entender que tiene forma de S en toda la figura, obviamente la relacionamos con la chica mala, Severine. Pueden verificar en este link http://www.bbc.co.uk/news/10130840. 

Operación "Skyfall" tiene todos los ingredientes perfectos para ser una buena película, pero pienso que pudo haber dado para más. Aunque encontré la simbología alrededor de ella, fascinante. Sobre todo, la nacionalidad exacerbada del MI6. Entre el perro y las ocho banderas. Las piernas abiertas de Craig en una V invertida. Tal vez me falta miles de cosas para analizar, pero se la dejo ahí querido lector. Solo me gustaría hacerle una pregunta de asociación a James Bond. James, AZUL?

Conclusión: No darle agua decolorante de 30 a Javier Bardem. Se va hacia el lado oscuro. 

Escena para no perderse: la pelea entre Craig y un X ahí con el fondo marino. 

Mi recomendación: Por tener un metraje que va más allá de lo necesario, no tome grandes cantidades de líquido. Mejor coma Broccoli.






9/24/2012

TERCER BLOGOVERSARIO

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



Aunque han pasado cuatro días desde la celebración de tres años de nacimiento de mi  blog "Obsesiones", no lo dejo atrás. El para mi siempre irá dos pasos adelante de mi. Y que mejor forma de celebrarlo que con el ultra sexy Spiderman mientras se desplaza sobre un pudin azul. Did i mention is my favorite color? Actually with red....both of them. Enough! Agradezco a mis familiares, a mis amigos del grupo de Cinefilofagotófilos de Facebook por su actutlización de noticias sobre cine, por sus complejos análisis como el de Dialoguista sobre Inception. Way to go girl! Uno de los mejores que he visto. Y me falta celebrar con Rosario Tijeras. pero está un poco tímida en entrar a la foto de Spiderman. Ya veremos porque a lo visto ese pastel es solo de él. Ya lo convenceré que nos ofrezca un poco...... TIC TAC TIC TAC TIC TAC...
Un bello momento para agradecer a la industria cinematográfica porque me permite analizar sus obras, amarlas o despotricarlas. Soñarlas, amarlas y odiarlas, para luego volver a amarlas con mas fuerza que la inicial.
Mi celebración aunque viene tarde, viene cargada de alegría y una sensación maternal hacia mi espacio reflexivo y crítico del séptimo arte. A mi lado, Amelie y Toto....Abrazos para todos y dejen comentarios que gusten!!!!






Las expectativas para el cierre de esta trilogía estuvieron muy elevadas, debido al nivel al que habían llegado las dos entregas anteriores. Parte del descontento un poco generalizado puede recaer en que es casi imposible olvidar al mítico personaje que representara el actor Heath Ledger, en la segunda parte de la saga, El Caballero Oscuro.  Y más cuando, miembros de la academia han sugerido que no hay casi nada “oscarizable” dentro de la cinta.  Pero, puede que llegue a los rubros de efectos especiales y sonido.

Aún así, con ciertas críticas negativas a bordo,  con una tragedia sobre los hombros, El Caballero Oscuro, ascendió y bastante. Sus admiradores más acérrimos han quedado estupefactos ante la espectacularidad de los efectos especiales y han caído bajo los encantos de los nuevos protagonistas, entre ellos, Tom Hardy, Marion Cotillard y Anne Hathaway. Asimismo, Christopher Nolan le ha seguido otorgando ese tinte oscuro, hiperrealista a la saga que a todos nos fascinó desde un principio. Y dudo mucho que alguien se atreva a hacerle un reboot por años venideros.
Ahora si, a lo que nos corresponde, un tercio de la película ha sido filmada en cámaras de gran formato, Imax, por lo cual la película  ofrece una mayor calidad en imagen y sonido, así como la espectacularidad de la proyección se intensifica, por lo cual el espectador siente las emociones con mayor ímpetu, lo que, por consiguiente, genera mayor conexión e identificación con lo que está viendo.


Uno de los puntos negativos es que no vemos mucho a Batman pero vemos más a Bruce Wayne, tal vez, ver menos al héroe enmascarado da la sensación de que el filme se siente con un vacio inexplicable, porque se le da más énfasis a la travesía psicológica de Bruce Wayne, al enfrentamiento con sus miedos internos, y vemos menos pugnas entre el héroe y el villano, en comparación con la segunda entrega, eso nos quedó faltando, no obstante, tenemos que resaltar que los hermanos Nolan, tanto Christopher como Jonathan trataron de respetar lo mayor posible la línea central del nuevo villano. El quiebre de la columna de Batman es primordial en el cómic original, y es más que obvio que necesitaba tiempo para su recuperación, razón por la cual este alter-ego aparece menos cantidad de veces que en la anterior entrega. Aunque en el cómic, la misión de ser Batman le es entregada a otro, Nolan decide eliminar esta parte. Por lo cual, podemos decir que se tomaron bastantes libertades en cuanto a la narrativa original, pero logran mantener la esencia de la misma.

Si bien nos falta un poco de Batman, nos sobran temas actuales debatibles que los Nolan introducen en esta entrega, que si bien no refuerzan todo lo que debieran, logran exponer varios argumentos postmodernos, como la búsqueda de la auto-sostenibilidad de las generaciones futuras a partir de la creación de un reactor de fusión, por ende, la filantropía. He aquí relacionada una de las frases que llamó mas mi atención enunciada por el personaje de Marion Cotillard, Miranda Tate: “Bruce, si deseas salvar el mundo, debes empezar por confiar en él”, no sé si es literal, pero lleva el sentido.



Y si bien nos sigue faltando el alter ego solitario de Batman, aquel personaje que sacrifica sus propios intereses por el bien colectivo –de ahí que algunos no le perdonen a Nolan cierta parte del final-, nos quedan otros y otras, como la Gatubela, con una historia diferente, pero que al fin y al cabo, cumple con la seducción y el engaño características primordiales de su rol.  Como Alfred Pennysworth y su servicio, humildad y carácter paternalista. Y como el comisionario Gordon, uno de los pocos policías que llevan la moral bien puesta y que para encubrir una mentira –el heroísmo de Harvey Dent- es capaz de sacrificar su honor en pro de la seguridad ciudadana, un ejemplar digno de imitar.


Además del quebranto físico de la seguridad de Gótica, se generan otros ataques hacia la bolsa de valores, -para el movimiento ilegal búrsatil de ciertas acciones- ; la destrucción masiva de un estadio de fútbol, y, como si fuera poco, la conversión de un reactor de fusión para generar una bomba nuclear, y, además de eso, un secuestro del avión de la CIA,  sin olvidar el estado apocalíptico en el que deja Bane a Gótica después de hacer explosiones por doquier. La sorpresa para todos, la actriz Anne Hathaway, quien además de su excelente presencia física, eleva el nivel de su actuación, para aquellos quienes la habíamos visto en el filme Rachel Getting married, nos sorprendió poco su buena comprensión del personaje. En este filme independiente se probó como actriz de carácter, lo recomiendo para quienes no lo han visto.
Pero la primera razón por la que vería mil veces este filme se llama Michael Caine, -el mayordomo Alfred Pennnysworth- el ofrece una solemne clase de actuación gratuita. La verosimilitud de su 
personaje me deja sin palabras.


En cuanto a la demagogia de Bane quien subido en un Tumbler, apela a los sentimientos más profundos de los ciudadanos, a través de una retórica persuasiva, lo cual representa una línea central en el discurso narrativo. SPOILER finalmente Bane se diferencia de El guasón porque el primero es un terrorista, quien puede darle cabida a sus sentimientos, en éste caso, se enamora de Talia Al Ghul, pero no puede decirse lo mismo de El Guasón quien es un psicópata que tiene una única motivación: ser un anarquista por el simple gusto de destruir una ciudad. He ahí el descontento de la inclusión de sentimientos en el villano, que por supuesto, lo hacen más débil. FIN SPOILER.  Tom Hardy es el actor del momento, más cuando su fe y sentido de la verdad no tienen límites. De su filmografía, se recomienda ver Warrior (2011) y Wuthering Heights (2009), una de las nueve adaptaciones que se han realizado de la novela de Emily Bronte, su título en español, Cumbres Borrascosas.






Escena para no perderse: El quiebre de la columna de Batman. (no cuenta como spoiler porque está en el cómic). Y las dos escenas finales donde aparece Michael Caine.





Mi recomendación: Véala en pantalla grande. Y no tome grandes cantidades de líquido antes o durante de su visionado. Su metraje es de dos horas, cuarenta y cinco minutos.













7/05/2012

THE AMAZING SPIDERMAN

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



“Un gran poder conlleva una gran responsabilidad” es la frase emblemática que escuchamos hace varios años ya en la primera versión del Hombre Araña y es precisamente, la premisa bajo la cual se sigue alimentando esta adaptación del cómic, aunque la frase no haya sido empleada literalmente esta vez.  El poder del Hombre Araña reside en la capacidad de decisión de si emplear o no, sus dones super humanos para ayudar a la comunidad, y ésta es la moraleja más inequívoca de sus inicios. Y el mensaje que envía es la responsabilidad de 
participar por lo público, en la búsqueda de un mundo más justo.

¿Pero qué mejor manera de conmemorar los 50 años del cómic que apareció por primera vez en Agosto de 1962 en la edición No 15 de la serie de antología “Amazing Fantasy”?



¿Era necesario realizar otra película acerca del hombre araña en una fecha qué se siente tan cercana al estreno de la anterior (2002)? Tal vez no era precisamente necesario, ya que se observan empleados varios puntos de la historia que ya habíamos visto, pero con una riqueza milimétrica en los detalles que ayudan al espectador a internarse en la historia misma. Este es lo que se denomina como reboot, un anglicismo adaptado al término cinéfilo que traduce una reiniciación del sistema en el área tecnológica, y que en cine significa rehacer lo que ya estaba hecho y reiniciarlo, en vez de continuarlo.



Otro de los componentes interesantes en la historia es el interés del director Marc Webb y los guionistas James Vanderbilt, Alvin Sargent y Steve Kloves por retomar y explotar el razonamiento  científico de Peter Parker/Hombre Araña -con lo cual se combate más a los villanos antes que la violencia física-, que bien había sido narrado en los cómics, pero que había sido desdibujado en las anteriores entregas. Rasgos como su interés por la ciencia y su aplicación a los estudios es usual en esta primera parte de la franquicia. Peter Parker es interpretado por Andrew Garfield un actor que fue reconocido mundialmente a partir de su personificación de Eduardo Saverin en La Red Social del director David Fincher. Actualmente ha sido nominado a los premios Tony por una obra en Broadway, lo cual da fe de la calidad de su trabajo. Además de su gran belleza física, su talento histriónico, su sensibilidad innata que le aporta una gran carga realista al personaje con lo que hace que nos sintamos más ligados emocionalmente a su interpretación y en presencia de un súper héroe con el que los humanos nos podamos identificar; su lenguaje corporal estilizado y muy acorde con el movimiento arácnido le brindó mayor autenticidad al personaje.

De la misma manera, la privacidad es un elemento fundamental en la historia, ya que es un héroe enmascarado que lleva una doble vida que le genera cuestiones morales. No es de extrañar que éste cómic haya surgido para darle cabida a los jóvenes y adolescentes, que en plena década de los años 60 experimentaban la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos y se encontraban inconformes con el patrón de desarrollo de sus mayores.

Cuestionar el orden social existente debería ser el objetivo de estas historias, pero no lo es, solamente nos enseña a llevar con dignidad ese orden. Mientras los villanos aparecen como el producto del orden establecido, en este caso, el lagarto/Dr Curt Connors, víctima de su propio invento es “obligado” a utilizar su propia fórmula para regenerar su extremidad ausente. Su maldad proviene por la sed de omnipotencia al ser cegado por su experimento.
















En otro aspecto, a pesar de que el filme en sí, no intenta elevar cuestionamientos profundos, la historia ya conocida por todos se respalda con una línea temática acerca de un contenido muy propio del siglo XXI: la bioética. La bioética es el estudio de la controversia ética provocada por los avances en la biología y la medicina  Es importante resaltar las implicaciones éticas y morales de los distintos cursos de acción que puedan seguir los desarrollos biotecnológicos. Sin embargo, la capacidad de influir en el cambio del ser humano para su beneficio trae consigo reflexiones de orden sociológico. Sencillamente, el cambio tecnológico ha dado lugar a la disciplina de la bioética porque se ha comprendido que no todo lo que ahora es posible es necesariamente deseable.

 El avance tecnológico ocurrirá, pero sus usos deben estar sujetos a un control socio-ético. Este es un tema recurrente en las entregas de El Hombre Araña porque algunos de sus enemigos tienen contacto directo con la modificación celular o corpórea. Como el lagarto en esta versión, que es originado por la inyección de una fórmula creada para la búsqueda de la regeneración celular en especies sin extremidades. Su alter ego es el Dr. Connors, un brillante científico que está totalmente concentrado en la genética de cruce de especies. Estando obsesionado particularmente por descubrir los secretos acerca de la regeneración del miembro reptiliano y estudiando su biología de manera avanzada. En el dilema moral de probar o no dichas sustancias en seres humanos reside el cuestionamiento acerca de alterar los cambios celulares. x pues está desesperado por recuperar el brazo derecho que perdió. Sin embargo, la justificación por la alteración genética del Hombre Araña es mayor: es el típico nerd aislado de la sociedad convertido en super héroe después de ser picado por una araña radioactiva. Ambos, tanto Peter Parker como Curt Connors establecen una relación porque ambos se siente incompletos: uno físicamente, y el otro emocionalmente por la pérdida de sus padres.

En cuanto a los efectos especiales, El Sorprendente Hombre Araña transita por espacios conocidos, mientras apreciamos una combinación entre utilización de dobles de riesgo y CGI – Computer Generated Image- que semeja mucho a las anteriores entregas, pero con ciertos adelantos propios de la tecnología. Sony Pictures Imageworks, realizador de los efectos visuales en la trilogía del Hombre Araña del director Sam Raimi, supervisa los efectos  en El Sorprendente Hombre Araña.  En esta cinta el trabajo fue realizado por Jerome Chen, supervisor de VFX nominado a un Premio de la Academia, que trabaja en Imageworks desde su inicio, hace 20 años. Según datos de producción, la película fue filmada en su totalidad en 
3D con cámaras Red Epic.


Si bien su guión lineal revisita muchos de los plots vistos anteriormente en la primera entrega de Sam Raimi en el 2002, se muestran de una forma más detallada que implica una nueva forma de apreciar el nacimiento de nuestro super héroe.

Y como siempre el cameo de Stan Lee es indispensable en las adaptaciones de la Marvel, me atrevería aseverar que si no es la mejor, por lo menos es una de las más divertidas y brillantes apariciones del creador de cómics. SPOILER porque la mixtura de una canción clásica en la banda sonora de la escena en contraposición con la acción que sucede a las espaldas de Stan Lee entre el lagarto y el Hombre Araña, es un momento risible y que como siempre, causa gran emoción entre los admiradores del creador. FIN DEL SPOILER. 

Un filme altamente recomendable tanto para los aficionados al cómic, como los que no. Con una nueva mirada a través de la lente de Marc Webb (500 days Of Summer) basada en la cultura juvenil actual –El Hombre Araña utiliza telefonía celular-, con escenas ciertamente memorables, con un gran pulso innovador en la dirección y que se beneficia de la belleza y el talento de Andrew Garfield, de magníficos efectos especiales y exaltada a través de la intrigante y suprema composiciones de James Horner que tiene una extensa trayectoria (Titanic) en la banda sonora.

 Escena para no perderse: El cameo de Stan Lee y muchas otras más!

Mi recomendación: Verla en pantalla grande!!! Y hay escenas post-créditos, así que no se vaya de la sala!!!












7/01/2012

DARK SHADOWS

Publicado por Carolina Pardo Delgado |







Tengo la convicción de que solo aquellos admiradores acérrimos de Tim Burton, el director, podrán apreciar esta película como un pequeño “desliz”, entre tantos aciertos y podrán perdonarle la falla que ha supuesto la adaptación de esta serie televisiva.

Para ayudar la comprensión de los neófitos de Burton, hay que entender el universo que éste crea a partir de las bases pictóricas del Expresionismo alemán, con ciertas cuotas góticas. Su estética es impregnada en su mayoría, en claroscuros propios de la corriente de principios de siglo XX. Y en general ésta se decanta por la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que por la realidad objetiva. No por menos, el cuadro más caro vendido en la historia del arte de manera reciente fue de esta corriente, “El Grito” del fallecido pintor noruego Edvard Munch. Es así como, factores como la búsqueda de la espontaneidad en el acto creativo, y el rompimiento de las reglas establecidas, se suman a la base de la personalidad del director, que entre una fusión entre el blanco y el negro y colores brillantes, expone su visión del mundo. Es importante recalcar en el uso de la paleta de colores y las formas distorsionadas hacen parte de su creación. Y así mismo se emplean para demostrar los contrastes entre los personajes, así como para reflejar el yo interior.


Con la ruptura del ideal clásico de belleza, aparece su personaje principal, que en un alto porcentaje de sus películas es representado por el actor Johnny Depp.  Si nos fijamos en maquillaje, vestuario, movimientos corpóreos que para Burton éste ha personificado, son bastantes similares al filme Nosferatu los ojos remarcados y hundidos, la cara pálida, el pelo negro despeinado, cara alargada y cuerpo esbelto. Son personajes solitarios que viven un yo interior que entra en conflicto con la humanidad. De aquí seguimos con lo que nos respecta, Barnabas Collins, el personaje de Depp en Sombras Tenebrosas,-la octava colaboración entre director-actor- el hombre convertido en vampiro por la bruja a la cual le rompió el corazón, Angelique Bouchard. La fisonomía de Barnabas es propia del universo expresionista-gótico de Burton, mezclada con su personalidad rígida- la del personaje-, pero dueño de un sentido del humor negro muy atrayente.


Ahora, en lo que respecta a los grandes rasgos del filme, posee varios desaciertos en la puesta en escena que no la hace ver como un todo, sino como una compilación de escenas yuxtapuestas entre sí. Puede que el fallo de la fluidez narrativa se deba a falencias del guión que hace que la historia avance medianamente con tropiezos y que se presencie una clara ausencia de hilo conductor. Pero el constante uso de gags aliviana la carga de lo que pudo haber sido una historia tediosa.

Tiene un selecto complejo actoral encabezado por Depp, seguido por Michelle Pfeiffer la matrona que lidera la familia disfuncional, seguida por Helena Boham Carter, -la infaltable esposa de Burton-, así como también, Jackie Early Harley, entre otros, que en términos generales hacen buen equipo, a cada quien le es dado su momento para destacarse, por lo que se puede apreciar a la familia Collins en todo su esplendor. El contraste de la estética entre estos dos mundos, el de él –Depp- un vampiro que llega del siglo XVIII, y la del resto de su familia que en plena década de los 70 disfrutan de los colores estrambóticos.


La dirección de arte lúgubre y sombría combina con el género de comedia satírica de época, la cual percibimos a través de los fantásticos decorados del escenario, en la arquitectura misma del castillo en el que habitan los Collinsport – la cual es otro protagonista más de la historia- y sus pasadizos secretos. Es necesario aclarar que si el producto falla, hay elementos por rescatar, como la escena donde Barnabas y Angelique destruyen una oficina a través de una cita amorosa surreal e inyectada con CGI.

Escena para no perderse:  Barnabas y Angelique destruyen una oficina a través de una cita amorosa surreal e inyectada con CGI.

Mi recomendación: No vaya con altas expectativas y será medianamente recompensado.

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