OBSESIONES

Enfrentarse a una crisis creativa es muy parecido a presenciar el advenimiento de un milimétrico deceso del alma. Es por ella razón que uno de los más recordados directores en la historia del cine italiano, Federico Fellini, le dedicara a uno de sus films, con un definitivo sabor autobiográfico (el Octavo y medio en su filmografía, de allí su nombre) las principales dificultades que un artista debe atravesar en el difícil y poco alabado, extenuante proceso creativo.

Rob Marshall es el director encargado para sumarle un 0,5 a ese 8,5 de Fellini y hacer un Nueve. Aunque parece haberle sucedido algo similar a lo que le sucedió a Guido Contini: tuvo todo a su servicio, el equipo de producción dispuesto, los actores, la ambientación y aún así, no nos hizo el nueve, ni el diez que esperábamos.

Sinopsis: “Habiendo alcanzado la edad de cuarenta años, el director Guido Contini (Daniel Day-Lewis) se enfrenta a una crisis de mediana edad que está ahogando su creatividad y que lo llevó a una serie de complicadas relaciones románticas. Mientras lucha para completar su última película, se ve obligado a equilibrar las numerosas mujeres de formación en su vida, incluyendo su esposa (Marion Cotillard), su amante (Penelope Cruz), su musa de la estrella de cine (Nicole Kidman), su confidente (Judi Dench), una periodista de moda americana (Kate Hudson), la puta de su juventud (Stacy Ferguson), y su madre (Sophia Loren).”
Iniciar a dilucidar por qué un film que se beneficia de toda la fórmula exacta para funcionar completamente no lo logra, no es simple. Tenemos un director que ha triunfado anteriormente en un musical: Chicago, que tuvo en el 2002 13 nominaciones al Oscar, de los cuales se apoderó de seis. Repitiendo se encuentra el director artístico de la misma: John Myre. Agreguemos, una línea central de un film italiano considerado como uno de los mejores diez de su historia. Además de un casting que cualquier director envidiaría: Daniel Day-Lewis, Nicole Kidman, Sophia Loren, Marion Cotillard, Judi Dench, Penelope Cruz, Stacy Ferguson y Kate Hudson, seis de ellos, oscarizados. ¿Qué más se podría pedir?

Daniel Day Lewis por momentos (al principio) ofrece una actuación simple, equilibrada, aún así, de muy baja calidad para quienes hemos tenido el placer de verle en obras anteriores.

Nicole Kidman, en un rol muy corto, preciso aunque puntual. Sale airosa. A Sophia Loren ni la vemos, ni la sentimos, finalmente su aparición termina siendo lo mismo que representa en el film: fantasmal, sin generar ningún tipo de recordación. Judi Dench, es perfecta, actúa como el salvavidas de Guido, la vi muy sincera y apropiada de su rol. A Penélope Cruz la encontré repitiendo el mismo papel que le dio el Oscar el año pasado. No hizo más ni menos. (A variar por el show musical). Y Kate Hudson, simple pero correcta. Vale destacar enormemente entre todos a Marion Cotillard, quien debería beneficiarse de la nominación al Oscar. Su presencia escénica es una de las más fuertes, no tanto por su belleza o carisma, sino por la enorme credibilidad que despierta.

El punto más importante para resaltar en este film, sin el cual es imposible que existiera la ambientación necesaria, es para la dirección artística, llevada a cabo brillantemente por John Myre, a quien le debemos la extraordinaria y cautivante estética visual con la que nos ha trasladado fielmente a otras épocas u otros países en obras como Elizabeth (1998), Chicago (2002), Memoirs of a Geisha (2005). Si tuviera que calificar el film basada en este apartado solamente, sería no sólo de diez, sino de once. Gracias a Miyer, Italia está por doquier, y es imposible quejarse.

A destacar además, están: los números musicales, “Take it all” representado por Cotillard, “Be Italian” de Fergie y “Cinema Italiano” de Hudson. Si usted es amante del género musical, vale la pena ver esta cinta por estas interpretaciones solamente. En la dirección técnica, el apartado fotografico en blanco y negro que nos remite a un homenaje al Ocho Y medio.

“Incluso un hombre que es puro en corazón y dice sus rezos en la noche puede convertirse en un lobo cuando la belladona florece y la luna de otoño brille.”

Para iniciar la comprensión del por que a alguien se le ocurriría hacer un film acerca de un hombre que se convierte en lobo, el cual es llamado a esta transformación cada vez que la luna llena aparece, es necesario comenzar esta reseña con la denotación de Licantropía.

“La licantropía en la mitología es la habilidad o poder que tiene un ser humano para transformarse en lobo o en licántropo.” Si usted desea profundizar en el tema busque a mi amiga la Wikipedia, allí encontrará todos los mitos que transitan acerca de esta extraña metamorfosis.

Aún me pregunto si será posible encontrar un hombre-lobo o un lobo –hombre. A través de Discovery Channel he visto episodios de la vida real que parecerían material para una novela de ciencia ficción. Así que me imagino, que el hombre lobo existirá. Todo es posible.

¿Quién podría ser un mejor hombre lobo que Benicio del Toro en el 2010? Con un rostro que inspira una inmensa melancolía y soledad, de pesares agudos, ojeras profundas cual insomnio de varios días, propietario de una inteligencia y apropiación de un personaje como ningún otro, sumando sus raíces latinas, (lo cual le añade un carácter más visceral), todo lo anterior se confabula como un plus para que Del Toro se destacase entre el actor común y regular de Hollywood.

Aún así, el film no funciona, aunque hace gala de un gran despliegue de efectos visuales, parecidos al comienzo del hombre araña (2002) El hombre lobo no solo camina, corre, sino que también salta edificios por doquier. Aún así, el guión no es lo suficientemente estructurado para importarnos lo que le ocurre al personaje principal, ni al resto. Aunque es un remake del original, hay historias que al ser representadas siete décadas después pierden la habilidad de despertar en el espectador sentimientos de empatía con los personajes, o lo peor de todo, una empatía en general.

Sir Anthony Hopkins brilla como la figura paternal fuerte y casi indestructible, y Emily Blunt ofrece una actuación simple pero correcta (la bella damisela en peligro) ambos, no podría estar mejor. No obstante, al guión le hacen falta más subtramas y puntos de giro que nos haga vibrar con la historia. Y nos terminan por entregar una complexión de efectos especiales y actuaciones brillantes pero sin nada que los justifiquen.

Desmitificar a Sandra Bullock como actriz exclusiva para el género cómico no parecía tarea fácil de llevar a cabo, no obstante parece ubicarse en un excelente camino. Aunque de allí, a que se le permita ganar el codiciado Oscar debido a su interpretación, lo veo muy lejos. Digo, que lo veo lejos no por el hecho de que se lo darán o no. Simplemente no parece merecerlo.

Bullock se encontró con una historia original de Michael Lewis "The Blind Side: Evolution of the Game," el guión adaptado le pertenece a John Lee Hancock, (quien al mismo tiempo la dirige), en el que puede demostrar todo lo que ha aprendido durante su carrera. Aún así no sé por que mencionan que está en un rol dramático, cuando en realidad parece cómico con ligeras pinceladas dramáticas, Bullock, tiene a su favor haber logrado ser la primera actriz que sobrepasa los 200 millones de dólares con este film solamente en la taquilla estadounidense, lo cual la hace favorita entre el gremio de productores. Este será un factor más decisivo en la obtención de la estatuilla dorada que su interpretación misma.

Aún así, “The Blind Side” representa, hasta ahora lo mejor en su filmografía, debido a su llamativo, singular y casi innato don para la comedia, sin olvidar el corto, aunque sincero y puntual rol secundario en “Crash”.

John Lee Hancock parece ser el director que Bullock necesitaba para que le conllevara hacia una definitiva transición de comedia a drama, y de la misma forma, se viera guiada a una mayor comprensión del la utilización en el lenguaje corporal, aún así, todavía falla en que le creamos su lenguaje facial, cuando de escenas dramáticas se trata.

Bullock carga el mayor peso de la historia, el resto del casting es demasiado simple, al punto que parece de relleno, reflejan la unidimensionalidad que le resta los necesarios sinsabores de la realidad humana. Incluso Quinto Aaron (Michael Oher) no llega a un nivel medianamente aceptable.

Esta es la sinopsis: “Proveniente de una familia desunida, Oher es un joven afro-americano que encuentra un nuevo hogar con una familia económicamente sólida blanca dispuesta a prestarle el apoyo que necesita para desarrollar su potencial para triunfar como jugador de football americano como también en los demás aspectos de su vida. De igual manera Oher afectará la vida de los miembros de la familia Touhy quienes atravesarán también por experiencias de descubrimiento personal. El cambio de ambiente significa también nuevos desafíos que el joven habrá de vencer. Oher se esfuerza por dar lo máximo de si mismo como jugador de football y también como estudiante y junto con el respaldo de su familia adoptiva alcanzará convertirse en uno de los mejores jugadores de todos los tiempos.”

La historia en general funciona, debido a la necesidad de exaltación de valores al interior de la sociedad norteamericana, entre los que se encuentra la solidaridad y templanza. Es importante dar a entender igualmente una nueva opción para la sociedad actual, donde el célebre y resquebrajado “sálvese quien pueda” se encuentra a la orden del día.