OBSESIONES

Reseñas de cine con carácter crítico.

5/02/2010

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (¿Y a mi que carajos me importa eso?)

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: ,





Soy la siguiente en la fila.


-Buenas noches, por favor, me dirijo a la función de “Los hombres que no amaban a las mujeres”, solicito…

-¿Cuantos tiquetes?, pregunta la mujer detrás de la ventanilla.

-Uno, por favor, respondo de la manera más fría.



(Una sonrisa maliciosa y sarcástica se esconde detrás de la mirada de la mujer detrás de la ventanilla).



Si la mujer detrás de la ventanilla tuviera la menor idea en su cerebro cual es la sinopsis de este filme no habría hecho esa mirada. Si es usted una chica a la que le es indiferente el buen cine y espera ver un drama tonto para mujeres, muy girlie like, está equivocada. Entre mejor a ver “Dear John”. Y si usted es un hombre y no desea verlo por la misma razón, está igualmente equivocado.


Cuando escuché hablar de esta trilogía por primera vez, hace algunos meses, debo confesar que el titulo de esta primera entrega no me llamaba la atención en lo más mínimo, por aquello de la reciprocidad en las relaciones de cualquier tipo. Y así acontecieron los días sin que me interesara, hasta que escuché el titulo siguiente: “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”, tal vez algo depresivo para el gusto en general, muy llamativo para el mio.


Ahora, que el autor de dicha trilogía haya fallecido de una manera tan repentina y justo días después de hacer la entrega del tercer manuscrito de la serie, al parecer, alimenta el morbo de quienes le leen. Si me cuestionan si me lo ha alimentado a mi, la verdad dicho hecho me es indiferente. Con el objetivo de redondearles la historia puedo agregar que Stieg Larsson era un periodista y escritor sueco quien se interesaba firmemente por la investigación periodística, el racismo y el nazismo, entre otros temas.

Sería irresponsable de mi parte comentarles que ha sido o no una brillante adaptación cinematográfica, debido a que por azares del destino no tuve la oportunidad de leer el libro con antelación. Ahora al saber que las ultimas dos entregas han sido filmadas, procederé con gran cautela a revisar los próximos libros.



Cuando empiezo a ver un filme por primera vez, tengo en cuenta lo que extracté del manual del actor de Stanislavsky hace algunos años, así que me digo: “Trata de convencerme que esto me va a gustar”… Y se empieza desde el “No te creo nada, sígueme convenciendo…”.
Niels Arden Oplev, su director y el autor me han convencido.

Esta es la sinopsis que me regala mi amiga la wikipedia: “Hace 40 años, durante una reunión familiar en una isla, la joven Harriet Vanger desapareció sin dejar rastro. Aunque no se ha encontrado su cuerpo, su tío está convencido de que fue asesinada por alguien de su propia familia, así que decide contratar a dos personas para que investiguen el caso. Los elegidos son un desencantado periodista, Mikael Blomkvist, y una problemática hacker informática llamada Lisbeth Salander. Ambos descubrirán que el secreto del clan Vanger es más oscuro de lo que parece.”

Este filme aparece como la aguda y punzante representación de una crítica social claramente expuesta hacia lo que es oculto en la sociedad sueca, abusos del poder, además de señalar el daño sigiloso y extenuante que causa la violencia verbal, sexual y de todo tipo hacia el género femenino en la cual, además, la doble moral hace su presencia a través de una historia con tintes de crudeza.


Hay que resaltar ampliamente el perfecto complejo actoral encabezado por los actores Michael Nyqvist y Noomi Rapace, de quienes no sabía nada hasta el momento y que desde ya hacen parte de la lista de actores de los que estaré atenta, debido a su intensa capacidad hipnotizante y de gran sentido de la verdad (la de ambos). En especial llamó mi profunda atención el personaje de Lisbeth Salander, la hacker andrógina y perturbada mentalmente dotada de una impresionante calidad artística otorgada por Noomi Rapace. Solo por este personaje vale la pena observar el filme.

Si nos referimos al guión puede que existan algunas fallas estructurales que habrá que ser revisadas directamente del libro y que al más atento de los espectadores le sorprenderá, aún así, se convierte en una excelente propuesta de novela negra que no cae en puntos efectistas.
La dirección técnica se encuentra al servicio del guión, aunque lejos de brillar, realiza una perfecta complexión entre los close-up del drama, junto a los contados pero efectivos flashbacks, y sin necesidad de colosales efectos especiales llega a crear grandes dosis de tensión y estupefacción.


Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión basado en los cimientos de la poco gratificante labor periodística, insuperable puesta en escena, hacen de este filme, si no puedo aseverar que sea o no una buena adaptación cinematográfica, por lo menos puedo concluir que representa todo un anti-estandarte en el trato hacia el género femenino.

Escena para no perderse: Todas donde esté presente el personaje de Lisbeth Salander.
Mi recomendación: No lleve a menores de edad a ver este filme.
Puede que la aguda violencia sexual explícita les resulte ofensiva.


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4/28/2010

THE ROAD (O por que todavía en el mundo post apocalíptico habrá Coca-Cola)

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , ,






Así como los sueños y pesadillas que nos acompañan en la noche representan los miedos más profundos que tenemos en la psiquis y en el alma, de la misma manera el cine refleja, entre otros miles de sentimientos, esos miedos que nos trastornan la estabilidad emocional, y el más reciente se distingue por ser el miedo al exterminio de la raza humana.


El Armageddon, apocalipsis, o fin de la civilización, cuantas definiciones se le requiera otorgar a ese momento que consideramos como maquiavélico y de profundas disquisiciones escatológicas ha sido trasladado a la pantalla con una reiteración más ininterrumpida en este milenio de la que habíamos sido espectadores. Es necesario y contingente repetirlo: Tenemos miedo a que la raza humana tenga su fin.



Que la teoría maya nos haya cedido el terrible mensaje que esto que conocemos como vida no vaya más allá del 21 de diciembre de 2012, que quien sabe cuantas profecías existentes y desconocidas coexistan acerca de este fatídico evento. No tengo idea. Filmes como “Armageddon”, “2012”, “Wall E”, “The Day after tomorrow”, “Waterworld”, “I am legend”, “Last man on Earth” “12 monkeys” “Death Race”, “Mad Max” y una lista interminable, por solo nombrar algunas del cine pudiente hollywoodense, se aprovechan de aquellos miedos del hombre para conferirles una exploración minuciosa, tal vez demasiado desesperanzadora para mi gusto, aunque con una definitiva búsqueda de la conciencia social.


The Road, se configura así como otro filme a ser añadido a esa línea de denuncia ambientalista reducido a un thriller post apocalíptico que, si bien es cierto que gracias a la cruda, grisácea y angustiante cinematografía conferida por el español Javier Aguirresarobe, nos traslada fielmente a la descripción ambiental visionada por su autor, Cormac McCarthy, el filme está adherido de fallas que no lo permiten elevarse a una categoría más sublime.


Viggo Mortensen el actor principal de este filme, quien se encuentra en el momento de perfección de su talento en el que cualquier rol que tome lo encarnará más que fielmente, se convierte en el eje central de esta adaptación cinematográfica que aunque muchos críticos concuerdan en que presentarla como una gran pieza de arte a mi parecer sus fallas en la conexión con el espectador son temiblemente ineludibles a pesar de los continuos esfuerzos de Mortensen o del cameo de Robert Duvall, a quien no reconocí sino hasta después de los créditos.



A resaltar ampliamente se encuentran las crudas escenas de violencia tipo gore en el que el canibalismo hace su triste presencia. Escenas totalmente justificadas, pero como ya lo he expresado anteriormente, no de mi gusto.

Llamó mi atención de manera ofensiva la inclusión de la publicidad a la Coca-Cola. Después que se acaba con toda posibilidad de alimentación en el mundo, donde no existe ni el agua, el protagonista halla en un dispensador tal líquido precioso. Es indispensable cuestionarnos que tan pertinente sea esto para el espectador, a mi parecer le resta credibilidad al filme.

Una conjunción de fallas como la falta de personalidad y sello del director en conectar a sus actores con la audiencia, provoca que se desperdicie un excelente libro, soberbios actores y una más que exquisita dirección artística en algo que pudo haberse convertido como el mejor filme post apocalíptico. John Hillcoat tuvo todo a su favor pero al final nos hace entrega de algo que pudo ser y no fue.

Y lo único que me quedaron ganas fue de tomar Coca-Cola antes de que llegue el Armageddon.

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4/25/2010

CELDA 211

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¿Cómo puedo amar al “malo” de la película? ¿Es posible que ya no posea sentimientos humanos normales que me indiquen que debo, por valores morales, adorar al “bueno” y odiar al “malo”?

Aprendí a amar,-lo manifiesto en el sentido histriónico- a Luis Tosar desde que le vi en el film “Te doy mis ojos” (2003) de la directora española Iciar Bollaín. Su encarnación de un personaje que maltrata a su esposa físicamente debido a sus inseguridades como hombre machista, llamó mi atención. Manifestar lo más terrible de la condición humana a través de la interpretación, solo se consigue a través de una catarsis profunda y un talento del cual muy pocos poseen acceso.

Repitiendo o incluso, perfeccionando a través de una fuerza escénica compleja y sentido de la verdad profunda, Luis Tosar nos logra introducir en un recinto en el que se coloca a prueba la necesidad de sobrevivir a toda costa, donde las tensiones se agudizan y la vida se torna en un continuar absurdo.


Reencontrarse con el género señalado como “drama o thriller carcelario” puede que no se convierta en un atractivo para el espectador común que desee permanecer en un rato de ocio y simple diversión. Si nos remitimos a este género se debe conocer con su debida antelación que los espacios cerrados, claustrofóbicos como en esta instancia, la cárcel, generan como primera medida una lucha por la supervivencia humana. Dichos relatos generarán grandes dosis de violencia física, verbal, además de desasosiego y demás frustraciones.


Sinopsis extractada de mi amiga la Higuera.net: “El día en que comienza a trabajar en su nuevo destino como funcionario de prisiones, Juan (Alberto Ammann) se ve atrapado en un motín carcelario. Haciéndose pasar por un preso más, luchará para salvar su vida e intentar dar fin a la revuelta, liderada por el temido “Malamadre” (Luis Tosar). El joven tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino”.


Una construcción excelsa a partir de una imponente, memorable e hipnotizante interpretación central de Luis Tosar, un guión que sabe manejar las tensiones y doblega los puntos de giro a su antojo junto a una dirección técnica más purificada de lo que nos tiene acostumbrados el cine español. Un filme que defiende a capa y espada todos sus goyas recibidos y que además se cuestiona con firmeza por que no lo propusieron para los oscares…

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4/14/2010

Un Prophète (O a propósito del Michael Corleone francés)

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , ,


“El hombre nace naturalmente bueno es la sociedad lo que lo corrompe” Jean Jacques Rousseau.


Que la violencia no sea tan innata a la mujer, como lo es al hombre, me corresponde preguntarme porque esa violencia tan finamente expuesta en este filme atrajo mi atracción. Con sus debidas pinceladas francesas de una cruda narrativa visual, las imágenes de este filme aunque un poco extendidas –debido al largo del filme- son propias de un lirismo colérico que se absorbe a cada minuto.


Si alguna vez se preguntó que sería si Michael Corleone hubiese sido colocado en otras circunstancias, como por ejemplo, en una prisión francesa, con una mafia corsa en vez de una italiana, y sin una familia que lo respaldara. Jean Jacques Audiard –su director- le puede mostrar que le sucedería.


Evitar las comparaciones en este filme es totalmente ineludible dado que es necesario y contingente, indagar que sucedería en caso de que un hombre relativamente bueno, sea fuertemente presionado por las circunstancias a convertirse en un asesino y un correcto manipulador de situaciones a su favor. Como diríamos en términos colombianos, tal como le denominaban a un reconocido líder del cartel de la droga, podría aseverar que su protagonista se convierte en todo un “Ajedrecista”, tal como lo otorga esa conjunción perfecta entre preparación y sagacidad encuentra oportunidad.


Mi amiga la página Film Affinity les regala la sinopsis: “Un joven árabe (Tahar Rahim) de apenas 19 años ingresa en prisión para cumplir una pena de 6 años. Dentro la vida es dura, pero el joven despliega poco a poco un potente carisma capaz de hacer frente a los miembros de la mafia corsa de la prisión en intramuros.


Este filme alabado como el mejor del festival de Cannes, (Un profeta, profeta en su tierra) seleccionado candidato al Oscar 2010 en el apartado de película de habla no inglesa, eleva la dirección técnica a otra categoría en la que escenas largas, encuadres novedosos mezcladas con cámara al hombro y acercamientos se convierten en un exquisito plato para el paladar del espectador. La cámara se convierte en amiga, amante y enemiga del personaje principal, lo sacude hasta el extremo y lo ayuda a madurar.

Y aquí tocamos el momento más culminante de la historia en el que el proceso de maduración de Malik El Djebena -el protagonista- se asemeja al del más sublime de los vinos. Transmutarse de hombre casi inocente y puro, a calculador asesino y traficante nos muestra como las decisiones que tomamos en un momento nos pueden llevar hacia un camino o el otro. Ahora, pudo él haber tenido la oportunidad de escoger otro destino? Espero escuchar esa respuesta de ustedes. Los que no podrán perderse este ambicioso, claustrofóbico aunque sumamente provocador thriller de gansters.


Escena para no perderse: El tiroteo en la camioneta todoterreno.


Mi recomendación: No espere a que este filme lo transmitan en cinco años en los canales nacionales doblado al español. Respete el idioma original. Porque la voz propia de los actores tiene una fuerza única y transmite tanto como el lenguaje corporal. Después no diga “a mi no me pareció tan buena”…

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3/24/2010

SHUTTER ISLAND (Crítica)

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“Este lugar me hace pensar… ¿Qué es peor? Vivir como un monstruo o morir como un hombre decente?”.


Martin Scorsese lo ha logrado nuevamente. Con un estilo vivazmente expresionista que nos conduce a un exquisito thriller psicológico, su director hace gala de una de sus grandes obras, y, aunque en el futuro no será visionada como la mejor de su carrera, si como una brillante y excelsamente tensionante pieza de arte.


Es estrictamente necesario referirnos al escritor estadounidense Dennis Lehane, quien se presenta como la soberbia y fluida pluma de obras que han sido trasladadas de manera magistral al cine, a saber, “Gone baby gone”, y una de mis favoritas dirigidas por Clint Eastwood, la ya legendaria “Mystic River”. Es reconocido que Lehane dota a sus personajes de una dualidad circular (debido a la complejidad) y moral que les brinda un mayor despliegue de emociones y, por lo tanto, una mayor empatía para el lector/espectador. En Shutter Island nos confirma su cualidad de escritor de trazos firmes y diálogos intensos.


Aún así, debo mencionar que algunos espectadores en la red no han perdido el tiempo para señalar y acusar de plagio a Lehane, (el escritor) debido a la gran semejanza de la línea central por el libro adaptado de la misma forma al cine en 1983, “Los Renglones torcidos de Dios” del escritor español Torcuato Luca de Tena.
Aún así, con esta posible no identificación del verdadero autor, Scorsese nos presenta en su film una sublime atmósfera onírica junto a la más selecta estilización visual coloreada principalmente por el rojo de la sangre, enardecida a través de la cinematografía de Robert Richardson quien ha trabajado para “Kill Bill Vol. 1 y 2” y “The Aviator”.

Si de referencias anteriores hay que elucubrar nos beneficiamos de la mítica “One flew over the Cuckoo’s Nest” (1975), y de Quills (2001) en la que la unidad de lugar se repite. Una institución mental, en un tiempo anterior de la reforma psiquiátrica donde los procedimientos para las enfermedades mentales eran intensamente cuestionados, aunque, para nuestra fortuna no eliminados en su totalidad.

Sinopsis extractada de Wikipedia : “En 1954, los agentes judiciales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son enviados a una institución mental para criminales situada en Shutter Island, con el fin de buscar a Rachel Solando, una psicópata que ha escapado misteriosamente de su celda. Una vez dentro, conocen al doctor John Cawley, la cabeza visible de la institución, quien no está dispuesto a colaborar con los agentes. Una tormenta los deja atrapados en la isla, y un caos entre internos empeora la situación. A lo largo de la cinta, las circunstancias en el interior de la isla hacen renacer los recuerdos y los conflictos internos del protagonista central, en donde el suponía que llevaban ahí a los internos para hacer experimentos con ellos.”

Del casting se desprende directamente Di Caprio, del cual, debo admitir que no soy una admiradora profunda. No obstante, puedo asegurar que nos ofrece una interpretación con un elevado sentido de fe y verdad. Este actor comienza ya a rendir los frutos de su vasta y aunque, no muy alabada experiencia.

Mark Ruffalo, líder de una aguda sobriedad interpretativa magnificada con su tono característico de voz pausado, abre paso de manera humilde para que el protagonista, Di Caprio, pueda brillar y de la misma forma establecer una estrecha relación entre ambos. Pocos actores reflejan esa valentía de alejarse del spotlight y Ruffalo es uno de ellos.




Sir Ben Kingsley, a quien le profeso una profunda admiración, (reverencia para él), después de haberlo visionado en Elegy como el taciturno, obsesivo y provocador amante de Penélope Cruz, gira 360 grados y nos ofrece una actuación con características pausadamente más siniestras. Se configuran sus expresiones visuales como temiblemente exquisitas. Resulta imposible no poder leer cada una de sus miradas.

Jackie Earle Harley, (Watchmen), a pesar de su corta aparición, nos confirma una vez más por que su posible encasillamiento de roles oscuros no es más que la combinación de su rostro con fisonomía malévola y su facilidad innata para la comprensión profunda psicológica de los personajes que encarna.


Uno de los elementos más brillantes, que en si parece ser otro personaje más de la historia, está determinado bajo la composición musical muy a lo Hitchcock, que refleja esa particularidad terrorífica y angustiante en sus obras.



Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión con un eje central seductor y puntos de giros emocionantes e inesperados, insuperable puesta en escena, hacen de este film un MUST-SEE en su lista de películas por ver en este mes. Eso sí, tenga muy pendiente el camino de regreso a su hogar.


Ahí se las dejo.





http://campus.usal.es/~revistamedicinacine/Vol_3/3.2/esp.3.2.pdf/manicomios.pdf
http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo#Cine

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3/24/2010

EDGE OF DARKNESS

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Debido a una extraña y casi inusual naturaleza sumamente inquisitiva que me caracteriza, me encontré tratando de inferir en algún momento cómo sería el sentimiento que se tiene hacia un hijo. Y, aunque haya podido vivenciarlo de forma invertida, e incluso percibirlo, no sabría que haría en caso de que tuviera una pérdida de esa magnitud.


Perder a un hijo o una hija. Nótese que el término “perder” podría ser denotado simplemente como la huida física de este miembro a cualquier x lugar del mundo. Pero, ¿y si ese hijo, falleciera? ¿Y si dicha persona que usted creó con el mayor esfuerzo y amor que alguna vez imaginó posible, fuera asesinado? ¿Qué haría? ¿Sería usted benevolente con el infractor, o, en el peor de los casos, sería usted capaz de lo inimaginable para llevar a cabo una temible venganza?

Este eje central ya había sido brillantemente capturada y explorada en el film “Taken” (2008), o, en una línea muy parecida, con un guardaespaldas que es salvado del infierno en que se le había convertido su vida hasta que aparece en escena una niña a la cual le comienza a profesar un gran cariño en “Man on Fire” (Veáse en este blog un escrito inspirado por el film) " A propósito de las Llamas" (2004). Ambas altamente recomendadas.

Beneficiarse de una fórmula de la que se han obtenido excelentes resultados con anterioridad, puede o, muy fácilmente conducir un éxito o un fracaso. En el más deprimente de los casos, ser considerado como una mala imitación de la original.

No hay mayor pecado que desperdiciar por completo a un complejo de actores con los cuales se puede obtener una calidad suprema de pureza intimista y natural, como es el caso del veterano Mel Gibson, quien regresa delante de cámaras después de una ausencia de ocho años. Así mismo, desperdiciar a Ray Winstone, (Jedburg) obligándolo a una monotonía que raya en el aburrimiento, termina confluyéndose como insoportable. La ausencia de dirección de actores es cruelmente palpable. Los antagonistas están restringidos a un estereotipo tan común, que en vez de desviar la historia para que el espectador indague por su cuenta, te remarcan una y otra vez su clara incapacidad para sorprender.

Edge of Darkness, es la adaptación de una miniserie de Londres que se benefició de un éxito rotundo en el año 1985, dirigida por el mismo director del film, Martin Campbell, (Casino Royale). Si el traslado a la gran pantalla hubiese tenido cabida antes de que llegaran los films anteriormente mencionados, éste habría sido un éxito. Lamentablemente, para superar una línea que ha sido virtuosamente explorada con anterioridad, se ofrece como necesario un replanteamiento de la historia.

Esta es la sinopsis extractada literalmente: “Thomas Craven (Mel Gibson) es un veterano detective de homicidios del distrito de policía de Boston y un padre viudo. Cuando su única hija, Emma (Bojada Novakovic) de 24 años, es asesinada en las escaleras de su casa, todo el mundo supone que él era el objetivo. Pero él pronto sospecha lo contrario, y se embarca en la misión de averiguar la vida secreta de su hija y de su asesinato. Su investigación le lleva a un peligroso y engañoso mundo de encubrimientos corporativos, connivencia gubernamental y asesinato—y a un misterioso agente del gobierno, Darius Jedburgh (Ray Winstone), que ha sido enviado para eliminar las pruebas. La solitaria búsqueda de Craven de respuestas sobre la muerte de su hija se convierte en una odisea de descubrimiento emocional y redención.”

En referencia al guión, si bien es cierto que ofrece algunas escenas contadas sorpresivas, auxiliadas éstas por la crudeza visual narrativa, los puntos de giro son prácticamente inexistentes.


Se podría resumir como un thriller medianamente elaborado, con algunos toques sorpresivos, que ofrece una buena, aunque desgastada actuación central de Gibson.


Mi recomendación, si usted ha visto las mencionadas anteriormente, sólo remítase a ésta si es un admirador del trabajo de Gibson. Si no, déjela pasar.

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3/22/2010

TOP OF MIND (In movies) The Sequel...

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas:

Me han extendido este meme de Top of Mind desde el blog de Jorge Moreno, Más Cine, un blog que se caracteriza por lo puntual y ágil en sus apreciaciones cinematográficas. No me queda más que agradecerle ésta invitación. He decidido que sea continuado por quien decida hacerlo.

Espero que la lista sea de su agrado.

Las reglas son las mismas.
1. Decir quién te lo propuso.
2. Poner tus favoritas y no las que pensamos que son las mejores.
3. Proponer a tres bloggeros para que lo sigan.

Película sobre el Holocausto: Shindler's list.
Película más sobrevalorada: -Slumdog Millionaire
Película mexicana: Amores Perros
Película española: Hable con Ella
Película Gay: Mi segunda Piel
Película de Pedro Almodóvar: Carne Trémula
Película de Martin Scorsese: Casino y Ranging Bull
Película de Quentin Tarantino: Kill Bill 1 y 2 , Inglourious Basterds
Película de Tim Burton: Edward Scissorhands, Alice in Wonderland
Película de Alejandro González Iñárritu: 21 grams
Película de Clint Eastwood: Million Dollar Baby
Película basada en un libro: El Perfume de Patrick Suskind!!!
Película Latinoamericana: El Secreto de sus Ojos
Película con el mejor final: Dog Day Afternoon
Película de Meryl Streep: Sophie's Choice, Kramer Vs Kramer.
Película de Kate Winslet: The Reader, The Life of David Gale.
Película con revueltas estudiantiles: Ondskan (Evil), La sociedad de los poetas Muertos.
Película de Johnny Depp: Ed Wood
Película que batallaste en entenderle: Requiem for a dream.
Película que no te cansas de ver: Closer
Película animada que no te cansas de ver: Ice's Age
Película de drogas: Requiem for a dream
Película de catástrofes: Titanic
Película de vampiros: -------
Película que te gusta mucho y a la mayoría no: Eternal Sunshine of the spotless mind.
Película con la mejor música: Amelie y La Vie in Rose
Película de extraterrestres: District 9
Película que ganó el Oscar injustamente: Slumdog Millionaire
Película que debió estar nominada al Oscar principal: 500 days of Summer
Película basada en una banda o cantante: La Vie in rose
Película con duelo de actuaciones: The Doubt


Actriz injustamente oscareada: Julia Roberts
Actor injustamente oscareado: ---------
Actriz sin Oscar que merece uno ya: Naomi Watts
Actor sin Oscar que merece uno ya: Viggo Mortensen
Actriz de tu país: Flora Martinez
Actor de tu país: Robinson Diaz
Actriz: Cate Blanchett, Kate Winslet,Meryl Streep, Naomi Watts.
Actor: Al Pacino, Robert de Niro (Nadie ha llegado al nivel actoral de lo que ambos hacian cuando estaban en sus 30... ) Viggo Mortensen, Joaquin Phoenix.
Director: Martin Scorsese, Tim Burton, Iñarritu.
Personaje animado: Rogger Rabit

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3/19/2010

500 DAYS OF SUMMER

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , , , ,



“.. Summer sólo amaba dos cosas: la primera era su oscura y larga cabellera, la segunda era lo fácil que la cortaba sin sentir nada”.

Pregúntese si desea continuar.


Esta es la historia de una chica que escribe impresiones acerca de los films que observa. Pero deberá saber con anterioridad, que ésta no es una crítica…


Como aquel viejo amor o desamor al que a pesar de todos los infructuosos y desgastantes esfuerzos nunca pudimos entender. Del que no tuvimos la oportunidad de desarmar a través de un poema escrito con el alma y desgastado en la mente. De la misma forma existen films que se nos introducen con tanta fuerza en el alma que tratar siquiera de narrar por que nos gusta o disgusta es como tratar de decir el nombre de quien nos hemos enamorado sin que se nos dibuje una sonrisa en los labios. Absurdamente inevitable.


Summer es una chica igual a todas. Tom es un chico igual a todos.


No se engañe tan fácil. Si la anterior premisa fuese cierta, aquí no habría historia. ¿Qué sería de la vida sin la sal de la vida necesaria?


Como fiel creyente de que las personas existentes o preexistentes en la vida de cada quien tienen que cumplir un rol específico. Ya sea como el Ying- y el Yang, nos proveerá de algo positivo o de algo negativo.

A veces involucrarse tanto, puede ser dañino. Involucrarse de cualquier forma posible. Esta vez he decidido dejar que mi objetividad se vaya a la basura. (Sólo por hoy).

Podría mencionar que la estructura narrativa visual es brillantemente inusual, que en una escena crucial se asemeja a “Sliding Doors” (1992) por la división en la pantalla de una misma realidad y posibles duales destinos, que los diálogos aparecen puntuales y precisos, que la historia es exquisita… podría, podría, podría, yo podría, pero no lo deseo.

Porque más que todo ésta es una historia de personajes. De una chica que posee cualidades de chico, quien controla la relación, para quien sentir se le convierte en un privilegio que no puede alcanzar, para quien el amor es un convenio malogrado e inservible. Y de un chico que descompone minuciosamente todo lo que la chica menciona y lo revisa de tantas formas posibles, y lo analiza con sus amigos, y lo mastica y lo duerme, y lo sufre, y lo escupe y lo vuelve a tragar tan fuerte, que se le convierte en una obsesión insufrible.
Oh-oh!!! Esta es una historia de obsesiones. Ya lo entiendo.

Yo podría hablar de Tom y Summer toda la madrugada… Podría, podría, podría, yo podría, pero no lo deseo.

Le extiendo la visita a mi obsesión.

Esta es una historia de una chica que conoce un chico.

Pero deberá saber con anterioridad que no es una historia de amor.


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3/16/2010

MY TOP OF MIND (En films)

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , , , ,



Pabela desde La Cinerata, un blog que a mi parecer es VIP, debido a la intrepidez e inteligencia de sus escritos y noticias y su suprema obsesión por el cine (lo cual tenemos en común), me ha ofrecido este meme, el cual, además de representarle todo un gran reto a mi memoria, me honra de sobremanera que haya pensado en mi para su respuesta.
No me resta más que agradecerle la extensión de este juego que apela, además de mi agilidad mental, a una clara definición de mis gustos ya sean éstos ocultos en lo más profundo de mi subconsciente o en lo más claro de mi superficialidad buscada.
Los films aqui expuestos serán los primeros que vienen a mi memoria. No significa que menosprecie de ninguna forma a las millones de películas existentes.

Les recomiendo ampliamente a Pabela y La Cinerata.

He añadido la categoría del cine Neo-Noir y Spaghetti Western, que son dos derivaciones...
Espero lo disfruten...

Reglas:

1)Decir quien los ha nominado a este juego (HECHO)
2)Rellenar los huecos a continuación con la película que más te guste de cada género.
3)Nominar al número de personas que quieras, o cuyos gustos más te interese, para que hagan lo mismo en sus blogs (al final de la lista)

Mejor Película de Acción: The Fast and Furious (Tokyo Drift)

Mejor Película de Aventuras: The Lord of the Rings (3 Partes)

Mejor Película Bélica: The Hurt Locker/ Saving Private Ryan

Mejor Película Biográfica: Ed Wood (Tim Burton)/La Vie in Rose (Marion Cotillard)/The Queen/Juana la loca/Cleopatra.

Mejor Película Cómica: Modern Times, The Great Dictator (Charles Chaplin)/Tootsie/Tropic Thunder.

Mejor Película de Ciencia Ficción: The Fifth Element/Avatar

Mejor Película Deportiva: Jerry Maguire

Mejor Película Dramática: 21 Grams /Mystic River/Kramer Vs Kramer/Midnight Cowboy/Hotel Rwanda/Carlito's Way (Que no se note que esta es una de mis categorías predilectas)...

Mejor Película de Gangsters: El Padrino (Además que está entre mis mejores 10)/Goodfellas

Mejor Película Histórica: Ben Hur/Hotel Rwanda/Elizabeth

Mejor Película Independiente: La vida sin mi/Elegy (Ambas de Isabel Coixet)/Dancer in the Dark

Mejor Película de Juicios: JFK (Kevin Costner)

Mejor Película Musical: Moulin Rouge

Mejor Película Basada en un Comic o Novela Gráfica: Watchmen/The Dark Night

Mejor Película basada en Obra de Teatro: Romeo y Julieta (Baz Luhrman)/Hamlet/La Soga

Mejor Película Romántica: Casablanca/The Graduate (This is for you Mrs Robinson...) /Great Expectations/Eternal Sunshine of the Spotless Mind /500 Days of Summer.


Mejor Película de Terror: Alien/The Silence of the Lamb

Mejor Película Thriller: Dog Day Afternoon (Dirigida por Sidney Lumet) Excelente!!!/Zodiac

Mejor Película Cine Negro o Noir: El Halcón Maltés

Mejor Pelicula Cine Neo-Noir: The Untouchables /Reservoir Dogs

Mejor Película Western: Unforgiven

Mejor Película Spaghetti Western: Inglourious Basterds!!!

Mejor Película Animada: Up (Una aventura de Altura)/Madagascar/Shrek

Elijo todo aquel que desee continuar esta lista.

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3/09/2010

ALICE IN WONDERLAND

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , , , , ,





Hoy me levanté pensando en seis cosas imposibles antes del desayuno:



1. Podré hacer esta reseña.


2. Ella se ha levantado de la cama, me dice que no debo lavar mi cabello de noche una vez más. Mi libro tiene un final feliz.

3. Tengo un doctorado en lenguaje HTML.

4. Alguien ha colocado una arroba de dulces “Nerds” en la puerta de mi casa.

5. El país de las Maravillas verdaderamente existe.

6. Me he robado la poción, el pastel y la llave y estoy a punto de entrar.

Enuncia un refrán popular que conocer es querer, o incluso, amar. Y yo me cuestiono, profunda y de manera casi aturdida y perturbable, ¿Será entonces, posible poder llegar a querer o a amar a alguien que no conoces, pero de quien te llegan noticias graduales o reconoces su labor?
Amo a Tim Burton.

No tengo más nada que agregar.


¿Podrá mi amor hacia su locura bien conducida viciar mi objetividad en esta reseña? Les prometo que haré mi mejor esfuerzo para que esto no suceda.

Recrear el país de las maravillas, ese país que conocí igualmente a la edad de Alicia, fue el objetivo principal que Tim Burton y la productora Disney se trazaron. Para comenzar a distinguir que tanto se encuentra de Burton en la obra, y que tanto resta de la versión original, me remití a cerrar los ojos y recordar aquellas impresiones que se me quedaron prendidas en un rincón del alma que por escondidas, no olvidadas en la niñez. En aquella etapa donde soñar se nos vuelve tan absurdamente cotidiano como respirar y creer que verdaderamente existen lugares como “El país del Nunca-Jamás”.


Charles Ludwig Dogson, mejor conocido como Lewis Carrol, era un matématico, profesor en la universidad de Oxford, a quien se le atribuye la autoría de este relato, quien residía en la época victoriana. Le dedica a una de sus alumnas de nombre Alice, este cuento que refleja una crítica a aquella época, con toques intensos paródicos, metáforas ocultas, y de un humor lógico, y tal vez, de carácter más adulto que infantil, tal como apreciamos en “El Principito” de Antoine de Saint-Exúpery.

Y es por ella razón que los personajes principales de esta obra se les adjudiquen valores especiales. Para adentrarnos se hace necesaria una aproximación a sus significados. (Extractado literalmente de páginas Web, mencionadas al final) a saber:

 “La reina de corazones simboliza el poder político al que Lewis critica presentándola como caprichosa y autoritaria. Es decir, es una critica a la monarquia de la epoca victoriana, y más exactamente a la reina Victoria. Representa al absolutismo monárquico, el uso indiscriminado del poder, una crueldad desmedida en sus actitudes.

 Los naipes representan a la corte o los lacayos de la reina, siempre atentos a sus caprichos.

 El conejo blanco, perseguido por el reloj, atormentado por el tiempo, simboliza burlonamente al hombre que vive obsesionado por los minutos. El autor refleja las prisas de la vida moderna.
En la cultura popular, el Conejo Blanco se ha convertido en un símbolo, donde seguir al Conejo Blanco describe el acto de seguir a algo o a alguien ciegamente, y cuya persecución desemboca en aventuras y descubrimientos. Esta metáfora ha sido utilizada numerosas veces en la literatura, el teatro, el cine y la televisión. Esto se puede ver en películas como Matrix, o Donnie Darko.

 La oruga. A primera vista, es como la antítesis del conejo: relajada, aprovechando una rica tarde en compañía de un cigarro y esperando que la vida simplemente pase.

 El gato de Cheshire: tiene el papel simbólico de ser una especie de consejero o maestro espiritual, que representa la voz de su conciencia, el "Maestro Interior" de Alicia.”


Este film apareció ante mis ojos como exuberante en su dirección artística, evocando una colorimetría absurdamente perfecta, con medidas exactas de saturación e intensidad. Lo anterior adjudicado tanto a su ambientación, como a vestuario y maquillaje, en este último aspecto, llamó poderosamente mi atención los pálidos rostros de los personajes. Sello netamente burtoniano dirigido por su notable influencia del expresionismo alemán. Sean atentos al “fade out” de la ultima aparición en cámara del Sombrerero Loco y observarán la clara transición de colores a blanco y negro. Sencillamente exquisito.

La música, rotundamente burtoniana, es elevada mágicamente a través del reconocido compositor Danny Elfman, quien entre sus labores más recientes incluye, “The Wolfman”, “Terminator Salvation”, “Milk”, y, en compañía con Burton: “Nightmare Before Christmas”, “Charlie and the Chocolate Factory” y una lista interminable de confirmados éxitos. Elfman, le otorga a las cintas de Burton como siempre, esa particularidad angustiante, oscuramente estilizada y a la vez, sombría y grotesca.

No obstante, si nos remitimos al apartado del guión, y aquí llegamos a un lugar muy importante, (elaborado por Linda Woolverton), le veremos claras fallas como la ausencia de un guión estructurado y lineal que nos ofrezca una adentramiento mayor al film, una mayor relación entre espectador e historia, por lo tanto, identificación y compenetración con sus personajes. La coherencia narrativa que brinda la adaptación es casi nula, se aprecian escenas con un carácter unitario, y simultáneamente ausencias de transiciones que motiven a un seguimiento lineal. Aún así, a pesar de sus escenas predictivas, algunas permiten el asombro y la risa abierta, aún así esta es la versión de Burton y de quienes lo conocen, quien esperaría que su adaptación sea tan fiel al libro?
Las actuaciones más que precisas y puntuales, son ampliamente divertidas, ya que permiten una acertada exploración de cada personaje. El estar investidos en personajes míticos como los de Carrol, en vez de cohibirlos, les impulsa a una creación exquisita. A resaltar, como siempre el actor fetiche de Burton, Johnny Depp como El Sombrerero Loco, quien con una combinación entre Jack Sparrow y otros oscuros personajes le otorga al sombrerero un toque más depresivo y sombrío por momentos. Mia Wasikowska, la joven promesa australiana que recuerda a una Gwineth Paltrow con 20 años menos. Helena Boham Carter, a quien parece favorecerle su compenetración emocional entre ella y Burton, (su esposa) su interpretación es dual, a pesar de suponer un odio al espectador, termina por simpatizar. Todos éstos manipulados físicamente por CGI.


Y podría seguirles hablando del film, solo que ahora por confusión, me he tomado la poción para empequeñecer y estoy en el teclado brincando de letra en letra para terminar. Estoy exhausta y no encuentro el pastel.


Adiós “País de las Maravillas”... Mi gato se acaba de tragar la llave.



http://es.wikipedia.org/wiki/Colorimetr%C3%ADa
http://es.wikipedia.org/wiki/Duquesa_(Alicia_en_el_pa%C3%ADs_de_las_maravillas)
http://es.wikipedia.org/wiki/Gato_de_Cheshire
http://www.elkraken.com/Esp/R-alicia-esp.htm

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3/04/2010

LA SOLEDAD QUE NO TUVO LECTURA

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , , , ,









¿Cómo se hacen los éxitos en el cine? Es cuestión de reunir un par de excelentes actores, un guión que sea un knock out y un director que sepa encauzar estos elementos y los “guie” al éxito… ¿No me cree todavía?

Pues está en lo cierto. No me crea ni poquito. Si esto fuera así de sencillo, no existirían los filmes de baja, de promedio calidad o de ínfima, incluso. Creo que como en todo arte la explicación es muy simple: MAGIA. Porque si fuera tan sencillo como reunir ingredientes y mezclarlos, yo sería la mejor chef del mundo sin hacer ningún esfuerzo.



Existe algo en Kate Winslet que siempre mueve, es como ver la mejor amiga o la hermana en la pantalla grande. Existe algo temiblemente constante y sempiterno en su forma de actuar que nos acerca simplemente a ella, sin notarlo. No coexiste esa cortina de hierro entre “súper estrella” y espectador a la que siempre tememos. Creo que fue lo mismo que me hizo ver Titanic más de 13 veces, o Eterno resplandor de una mente sin recuerdos más de diez.

Presumo además, que es la única actriz capaz de que sintamos una profunda compasión por una mujer que trabajó como guardia de la SS, según la wikipedia: “Las Waffen-SS eran el cuerpo de combate de élite de las Schutzstaffel (más conocidas como las SS, o escuadras de protección). Dirigidas por el Reichsführer-SS Heinrich Himmler, las Waffen-SS participaron en la Segunda Guerra Mundial. Comenzaron como unidad de protección y choque de la dirección del Partido Nazi, hasta convertirse en una fuerza de combate de 950.000 soldados aproximadamente…”.


Si le agregamos además a esta historia a Ralph Fiennes, quien con su sola presencia nos puede remitir al más temido capitán de las SS (en la Lista de Shindler, dato curioso), o, como más nos simpatiza, como la encarnación del perfecto amante: con una extrema sensiblería, absurdamente incondicional, visiblemente perturbado y taciturno. Así como lo percibí por vez primera en el Paciente Inglés (1996).

Fue así como Stephen Daldry, quien ya había dirigido a Nicole Kidman hacia su primer y único Oscar por Las Horas(2002), pudo guiar a dos grandes actores a roles que parecieran que hubieran anhelado ser escogidos por el azar o un juego, muy favorable del destino.
Para aproximarse al lector entendamos su sinopsis: “Cuando cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, Michael Berg (David Kross) un joven de 15 años, es rescatado por Hanna (Kate Winslet), una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado idilio hasta que Hanna desaparece inesperadamente.

Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de un horrible crimen y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que considera aún más vergonzoso que el asesinato.”


Hanna, se convierte así, en una excusa para ver el lado humano de la historia nazi. Y lo más bizarro es que llego a simpatizar profundamente con su personaje, a pesar de lo que defiende. A pesar de que haya sido culpable de los asesinatos ocurridos en los campos de concentración de Auschwitz. Pienso que ésta aseveración mía me convierte en parte “metafísicamente” culpable como enunciaría el existencialista Karl Jaspers, ya que todos somos solidariamente responsables por cada injusticia en el mundo. Puede encontrar esta definición en el ensayo “El Caso de la culpabilidad alemana”, libro que es mencionado por el profesor de leyes del joven Berg en el film.

Muchos filmes y representaciones teatrales se han hecho con la mirada hacia aquel momento de la historia. El Holocausto. Porque al fin y al cabo para terminar entendiendo un hecho tan absurdo es importante revisarlo desde varios puntos de vista: La Lista de Shindler, La vida es Bella, Bastardos sin Gloria, La Caída, El Pianista, y la lista es interminable. Cada uno de ellos con una visión determinante y puntual, aunque ninguno termina por explicar la temible conducta de la supuesta “raza superior”. Muchos críticos afirman que esta no es una historia de la guerra, que simplemente es una historia de amor con un trasfondo nazista. Pero es que no es lo mismo enamorarse de una mujer x en el mundo a enamorarse de una mujer que perteneció a la guardia nazista.
A pesar de mis fuertes convicciones morales acerca del bien y del mal, si Hanna existiera o hubiese existido, rezaría por ella. Porque finalmente termina siendo una temible victima de sus decisiones. Porque huir constantemente del amor nos suele jugar una mala pasada y tenemos que convivir con un temible holocausto en el alma. Y para ello no habrá libros que acallen esa voz acuciosa interna de dolor. Si tenemos algo de suerte encontraremos un lector para que nos ayude a divagar en otros lugares mientras se cumple una larga condena en nombre del amor que dejamos atrás. Alguien como usted o como yo. Un lector a fin de cuentas.




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3/01/2010

PRECIOUS

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , , , , , , ,




Permanecí inamovible, casi congelada y con un inenarrable e inquietante dolor en el alma. Después de haber extendido la vista de este film durante muchos días. Tuve que hacerlo con el fin de completar la lista de las diez películas nominadas al Oscar en la categoría de mejor película. Podría vencer a “The Hurt Locker” o a “Avatar”, fue la aseveración más contundente que pude darme. Y con seis nominaciones. Había que verla.


Lo primero que vino a mi mente cuando la terminé de ver fue: “esta es la Bailarina en la Oscuridad de Oprah Winfrey” productora ejecutiva de la cinta, y de Lee Daniels, su director, quien ya había elevado a través de sus productora independiente a “Monster’s Ball” a otra categoría en el año 2001.


Iniciar a dilucidar la denuncia social claramente expuesta por su director y el complejo de producción en su totalidad, sin que la subjetividad no intervenga es casi imposible. Mo’nique, quien ha obtenido varios premios internacionales por su absorbente y poderosamente creíble rol, mencionó a una entrevista a Ellen Degeneres que el film estaba recreado tan fielmente a la historia original, que “la gente pensaba que era un documental”. Lo que más impresiona de Mo’nique radica en el hecho de que sea una comediante muy reconocida en su país, y el tener la posibilidad de introducirse en la piel de un personaje de manera tan devota que respire el más profundo hastío y odio, por donde se le mire, es un objetivo al que todo actor en un rol de su naturaleza quisiera alcanzar.


¿Cómo es posible que una comediante pueda llegar a tal nivel? Lo que se desconoce es que el inicio de la actuación viene con sobreactuaciones inseparables y es allí donde la comedia hace su labor, al final de tanto sobreactuar se llega a un nivel donde el desempeño actoral se torna más equilibrado, más íntimo, más personal y sobre todo, más puro.

Sinopsis extractada: “Precious Jones tiene dieciséis años, es negra y casi analfabeta, y espera su segundo hijo. El primero lo tuvo a los doce años, y el padre de ambos es su propio padre. Vive en Harlem, en la ruinosa Lenox Avenue, el reino de los invisibles, de los sin voz, con su madre, una reclusa obesa y cruel que mira la televisión sin cesar, devora la comida que Precious le prepara y la somete a los más denigrantes abusos. Forzada a abandonar la escuela a causa de su embarazo -y el último y precario vínculo que la ligaba al mundo-, Precious acaba en un instituto para casos desesperados.”


A resaltar ampliamente se encuentran las crudas escenas de violencia sexual explicita y verbal de la que “Precious” es objeto, de igual forma, la perfecta transición de los flashbacks, de la vida real y cruda que lleva hacia la perfecta vida imaginaria motivan al film, sino a ser más digerible, por lo menos a brindarnos la posibilidad de pequeños respiros para poder tener el coraje de seguir siendo un vil, pasivo y resignado espectador de todos los horrores que sus verdugos le perpetran, sin otorgarnos la posibilidad de entrar a esa pantalla y acabar con las temibles injusticias.

La importancia de este film, más allá de toda concepción técnica, (la cual es igualmente brillante) reside en señalar el daño sigiloso y extenuante que causa la disfunción familiar en la psiquis de la niñez o de la juventud. Porque finalmente, así como un edificio es fuerte por las primeras bases que se le colocan, de igual forma, un ser humano necesita de esas bases, para elevar su propio edificio.


Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión basado en la vida real, insuperable puesta en escena, hacen de este film sumados a las interpretaciones pausadas y sorprendentes de Mariah Carey y Lenny Kravitz, (quienes terminan por ejercer un rol de “pequeñas hadas madrinas” en la vida de la protagonista), un film altamente recomendado para ver. No obstante, asegúrese de que está listo para embarcarse en una historia que lo dejará extenuado, aunque con la clara resolución de mantener una sonrisa abierta de aquí en adelante, porque los problemas de cada quien parecerán un David al lado de tremendo Goliat.













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2/22/2010

NINE

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , , , , , , ,




Enfrentarse a una crisis creativa es muy parecido a presenciar el advenimiento de un milimétrico deceso del alma. Es por ella razón que uno de los más recordados directores en la historia del cine italiano, Federico Fellini, le dedicara a uno de sus films, con un definitivo sabor autobiográfico (el Octavo y medio en su filmografía, de allí su nombre) las principales dificultades que un artista debe atravesar en el difícil y poco alabado, extenuante proceso creativo.


Rob Marshall es el director encargado para sumarle un 0,5 a ese 8,5 de Fellini y hacer un Nueve. Aunque parece haberle sucedido algo similar a lo que le sucedió a Guido Contini: tuvo todo a su servicio, el equipo de producción dispuesto, los actores, la ambientación y aún así, no nos hizo el nueve, ni el diez que esperábamos.



Sinopsis: “Habiendo alcanzado la edad de cuarenta años, el director Guido Contini (Daniel Day-Lewis) se enfrenta a una crisis de mediana edad que está ahogando su creatividad y que lo llevó a una serie de complicadas relaciones románticas. Mientras lucha para completar su última película, se ve obligado a equilibrar las numerosas mujeres de formación en su vida, incluyendo su esposa (Marion Cotillard), su amante (Penelope Cruz), su musa de la estrella de cine (Nicole Kidman), su confidente (Judi Dench), una periodista de moda americana (Kate Hudson), la puta de su juventud (Stacy Ferguson), y su madre (Sophia Loren).”
Iniciar a dilucidar por qué un film que se beneficia de toda la fórmula exacta para funcionar completamente no lo logra, no es simple. Tenemos un director que ha triunfado anteriormente en un musical: Chicago, que tuvo en el 2002 13 nominaciones al Oscar, de los cuales se apoderó de seis. Repitiendo se encuentra el director artístico de la misma: John Myre. Agreguemos, una línea central de un film italiano considerado como uno de los mejores diez de su historia. Además de un casting que cualquier director envidiaría: Daniel Day-Lewis, Nicole Kidman, Sophia Loren, Marion Cotillard, Judi Dench, Penelope Cruz, Stacy Ferguson y Kate Hudson, seis de ellos, oscarizados. ¿Qué más se podría pedir?

Daniel Day Lewis por momentos (al principio) ofrece una actuación simple, equilibrada, aún así, de muy baja calidad para quienes hemos tenido el placer de verle en obras anteriores.

Nicole Kidman, en un rol muy corto, preciso aunque puntual. Sale airosa. A Sophia Loren ni la vemos, ni la sentimos, finalmente su aparición termina siendo lo mismo que representa en el film: fantasmal, sin generar ningún tipo de recordación. Judi Dench, es perfecta, actúa como el salvavidas de Guido, la vi muy sincera y apropiada de su rol. A Penélope Cruz la encontré repitiendo el mismo papel que le dio el Oscar el año pasado. No hizo más ni menos. (A variar por el show musical). Y Kate Hudson, simple pero correcta. Vale destacar enormemente entre todos a Marion Cotillard, quien debería beneficiarse de la nominación al Oscar. Su presencia escénica es una de las más fuertes, no tanto por su belleza o carisma, sino por la enorme credibilidad que despierta.


El punto más importante para resaltar en este film, sin el cual es imposible que existiera la ambientación necesaria, es para la dirección artística, llevada a cabo brillantemente por John Myre, a quien le debemos la extraordinaria y cautivante estética visual con la que nos ha trasladado fielmente a otras épocas u otros países en obras como Elizabeth (1998), Chicago (2002), Memoirs of a Geisha (2005). Si tuviera que calificar el film basada en este apartado solamente, sería no sólo de diez, sino de once. Gracias a Miyer, Italia está por doquier, y es imposible quejarse.

A destacar además, están: los números musicales, “Take it all” representado por Cotillard, “Be Italian” de Fergie y “Cinema Italiano” de Hudson. Si usted es amante del género musical, vale la pena ver esta cinta por estas interpretaciones solamente. En la dirección técnica, el apartado fotografico en blanco y negro que nos remite a un homenaje al Ocho Y medio.
Aún así, el film queda crudo. Falla que el tiempo no sea suficiente para cada estrella para brillar por sí sola. Falla que no exista una fuerte compenetración entre la estrella principal y cualquiera de las musas. Falla el acento italiano fingido de Lewis. Falla encasillar a Penélope Cruz con el mismo papel de femme fatale. Falla la poca profundización en los diálogos, lo cual es muy extraño porque provienen de Anthony Minghella (The English Patient). Falla finalmente que salgamos del cine esperando ver un “nueve” que nos devuelva con una sonrisota a nuestra cotidianeidad, pero lo único que hace es darnos un cuatro o un cuatro y medio.

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2/18/2010

THE WOLFMAN

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , ,




“Incluso un hombre que es puro en corazón y dice sus rezos en la noche puede convertirse en un lobo cuando la belladona florece y la luna de otoño brille.”

Para iniciar la comprensión del por que a alguien se le ocurriría hacer un film acerca de un hombre que se convierte en lobo, el cual es llamado a esta transformación cada vez que la luna llena aparece, es necesario comenzar esta reseña con la denotación de Licantropía.

“La licantropía en la mitología es la habilidad o poder que tiene un ser humano para transformarse en lobo o en licántropo.” Si usted desea profundizar en el tema busque a mi amiga la Wikipedia, allí encontrará todos los mitos que transitan acerca de esta extraña metamorfosis.


Aún me pregunto si será posible encontrar un hombre-lobo o un lobo –hombre. A través de Discovery Channel he visto episodios de la vida real que parecerían material para una novela de ciencia ficción. Así que me imagino, que el hombre lobo existirá. Todo es posible.

Así, el inigualable y casi perfecto, séptimo arte nos entrega visiones fantásticas (digo fantásticas por los efectos especiales y maquillaje, no por la realidad del hecho como tal), de una vasta representación de humanos mutantes, transformados en, a saber: Drácula (El más famoso de los vampiros humano). Frankenstein (Hombre-monstruo reconstruido). Y a ellos llegarían actores para representarlos como los legendarios Boris Karloff, Bela Lugosi Y Lon Chaney Jr, éste último personificaría en 1941 al Hombre Lobo.

¿Quién podría ser un mejor hombre lobo que Benicio del Toro en el 2010? Con un rostro que inspira una inmensa melancolía y soledad, de pesares agudos, ojeras profundas cual insomnio de varios días, propietario de una inteligencia y apropiación de un personaje como ningún otro, sumando sus raíces latinas, (lo cual le añade un carácter más visceral), todo lo anterior se confabula como un plus para que Del Toro se destacase entre el actor común y regular de Hollywood.


Aún así, el film no funciona, aunque hace gala de un gran despliegue de efectos visuales, parecidos al comienzo del hombre araña (2002) El hombre lobo no solo camina, corre, sino que también salta edificios por doquier. Aún así, el guión no es lo suficientemente estructurado para importarnos lo que le ocurre al personaje principal, ni al resto. Aunque es un remake del original, hay historias que al ser representadas siete décadas después pierden la habilidad de despertar en el espectador sentimientos de empatía con los personajes, o lo peor de todo, una empatía en general.

Sir Anthony Hopkins brilla como la figura paternal fuerte y casi indestructible, y Emily Blunt ofrece una actuación simple pero correcta (la bella damisela en peligro) ambos, no podría estar mejor. No obstante, al guión le hacen falta más subtramas y puntos de giro que nos haga vibrar con la historia. Y nos terminan por entregar una complexión de efectos especiales y actuaciones brillantes pero sin nada que los justifiquen.
Que la dirección artística de la época victoriana sea excelentemente traducida a través de los claros oscuros que nos ofrecen, que el maquillaje del lobo sea brillante, gracias a Rick Baker, que las escenas gore no sean desagradables y sean necesarias para relatar la historia, que la dirección sea aceptablemente entretenida como lo había hecho Joe Johnston en “Jumanji” y la tercera entrega de “Jurasic Park”, aún así el espectador que se enfrente a ver “El hombre Lobo”, sabrá que lo que más podrá apreciar serán efectos especiales, no espere demasiado porque saldrá muy defraudado.

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2/11/2010

THE BLIND SIDE

Publicado por Carolina Pardo Delgado | Etiquetas: , , ,




Desmitificar a Sandra Bullock como actriz exclusiva para el género cómico no parecía tarea fácil de llevar a cabo, no obstante parece ubicarse en un excelente camino. Aunque de allí, a que se le permita ganar el codiciado Oscar debido a su interpretación, lo veo muy lejos. Digo, que lo veo lejos no por el hecho de que se lo darán o no. Simplemente no parece merecerlo.



Bullock se encontró con una historia original de Michael Lewis "The Blind Side: Evolution of the Game," el guión adaptado le pertenece a John Lee Hancock, (quien al mismo tiempo la dirige), en el que puede demostrar todo lo que ha aprendido durante su carrera. Aún así no sé por que mencionan que está en un rol dramático, cuando en realidad parece cómico con ligeras pinceladas dramáticas, Bullock, tiene a su favor haber logrado ser la primera actriz que sobrepasa los 200 millones de dólares con este film solamente en la taquilla estadounidense, lo cual la hace favorita entre el gremio de productores. Este será un factor más decisivo en la obtención de la estatuilla dorada que su interpretación misma.



Aún así, “The Blind Side” representa, hasta ahora lo mejor en su filmografía, debido a su llamativo, singular y casi innato don para la comedia, sin olvidar el corto, aunque sincero y puntual rol secundario en “Crash”.


John Lee Hancock parece ser el director que Bullock necesitaba para que le conllevara hacia una definitiva transición de comedia a drama, y de la misma forma, se viera guiada a una mayor comprensión del la utilización en el lenguaje corporal, aún así, todavía falla en que le creamos su lenguaje facial, cuando de escenas dramáticas se trata.


Bullock carga el mayor peso de la historia, el resto del casting es demasiado simple, al punto que parece de relleno, reflejan la unidimensionalidad que le resta los necesarios sinsabores de la realidad humana. Incluso Quinto Aaron (Michael Oher) no llega a un nivel medianamente aceptable.




Esta es la sinopsis: “Proveniente de una familia desunida, Oher es un joven afro-americano que encuentra un nuevo hogar con una familia económicamente sólida blanca dispuesta a prestarle el apoyo que necesita para desarrollar su potencial para triunfar como jugador de football americano como también en los demás aspectos de su vida. De igual manera Oher afectará la vida de los miembros de la familia Touhy quienes atravesarán también por experiencias de descubrimiento personal. El cambio de ambiente significa también nuevos desafíos que el joven habrá de vencer. Oher se esfuerza por dar lo máximo de si mismo como jugador de football y también como estudiante y junto con el respaldo de su familia adoptiva alcanzará convertirse en uno de los mejores jugadores de todos los tiempos.”




La historia en general funciona, debido a la necesidad de exaltación de valores al interior de la sociedad norteamericana, entre los que se encuentra la solidaridad y templanza. Es importante dar a entender igualmente una nueva opción para la sociedad actual, donde el célebre y resquebrajado “sálvese quien pueda” se encuentra a la orden del día.
Muy diferente a lo que esperaba, “The Blind Side” es un drama light con ligeros toques cómicos (que se deben a Sandra Bullock), que se beneficia de ser una historia de la vida real y que responde a ciertos valores. Aún así, el film pudo haber manejado una mayor profundidad en cuanto a las actuaciones secundarias y el guión. "The Blind Side" pudo haberse convertido en un film más poderoso e inolvidable, solo termina por ser ligeramente entretenido y simplista.

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