OBSESIONES

Reseñas de cine con carácter crítico.

10/15/2010

THE TOWN




“El hombre es naturalmente bueno es la sociedad que lo corrompe” Jean Jacques Rousseau.



Indagar entre el bien y el mal no parece problema de la actualidad. Es un cuestionamiento que se viene gestando desde mucho antes de la era de Jesucristo. Indagar entre que nos hace vulnerables a llevar actos que van en contra del orden moral se encuentra ligado a una carga genética al interior del ser humano. Algunos se estarán señalando como seres altamente bondadosos e incorruptibles.


Mentira.


Varios estudios han demostrado que todos tenemos el mal incrustado en nuestro cerebro. Un amigo me preguntó hace poco la razón por la cual no veía cine gore, con algunos términos de más o menos precisión, le di a entender que no quería alimentar a mi asesino interior. Deseo que se distraiga o se nutra de informaciones más beneficiosas para él. Debo cuidar mi cerebro al máximo de estas distracciones inútiles que sólo me harán más vulnerable al mal.



Pero, ¿es posible llegar a ser “perfectos” en esa búsqueda de la bondad? Lo dudo mucho. La ciencia lo duda con mayor vehemencia.

Una ciudad en la que el robo de bancos se convierte en el pan de cada día, Boston, Estados Unidos, se hace relevante la pregunta, aquella misma que observé hoy en el ciclo actual de la Cinemateca del Caribe en la que se cuestiona: ¿dónde se origina el mal?

De una novela trasladada al cine del autor Chuck Hogan, “Príncipe de los ladrones”, Ben Affleck logra recuperarse de las anteriores propuestas visuales que nos había hecho, -sin incluir Gone Baby Gone, por supuesto-. Si bien Affleck no me termina de convencer como actor, como una opinión personal, debo expresar que no le veo talento para esto, - a pesar de los esfuerzos y la experiencia-, es mí deber dar a conocer que Affleck tiene todos los “cojones” necesarios para ser un excelente director de acción y/o thriller psicológico.

Con una dirección técnica temiblemente impecable, una banda sonora que ejerce una fuerza predominante en la acción tanto de los personajes, como de la escena misma, y un ensamblaje actoral que eleva el filme hacia otro nivel, ésta película logra llevar al espectador a una alta tensión de adrenalina.
Hay que aclarar que a pesar del ensamblaje, hay actuaciones que equilibran el peso de otras, como Jeremy Renner, a quien reconocemos por su nominación al Oscar por “The Hurt Locker”, un actor que venía cocinándose desde hace más de una década y a quien, finalmente –para beneplácito de todos sus espectadores-puede sustraérsele la mayor parte de su potencial. Acción que sólo excelentes directores como Kathryn Bigelow en su momento y Affleck, ahora, pueden lograr.

Mientras la veía, se me venían “flashes” de películas como “A dog day Afternoon” (1975) y su bellísima escena donde el personaje interpretado por Al Pacino grita a todo pulmón “Attica”, mientras roba un banco, u otra de mis favoritas, “Point of Break” (1991) una de las brillantes actuaciones en el haber del desaparecido Patrick Swayze. Si no las ha visto, ¿qué está esperando?

Otra pregunta que se me viene de manera incisiva al cerebro es: ¿por qué les aplaudí todas y cada una de las balas que salieron del arma de los ladrones de banco? Tal vez porque la historia misma se encargó de mostrármelos más como seres humanos con imperfecciones que como los “malos” del cuento.

Hoy deseo darle una respiración a mi cerebro y decirle que, finalmente, (SPOILER) los “malos” acabarán finalmente como el karma lo predice, algo como quien “a hierro mata, a hierro muere”. (FIN DEL SPOILER) Y tener el pleno conocimiento que existen armas más potentes de las que hace uso el ser humano que una bala.

Hoy he decidido escoger el camino más largo para llegar a donde me dirijo. Hoy, es tu turno para escoger que camino deseas escoger, pero recuerda: este no es el País de las Maravillas y tú no eres Alicia. Y cualquier camino que escojas no te conducirá, necesariamente, al mismo sitio.

10/11/2010

L’ARNACOEUR // HEARTBREAKER

Publicado por Carolina Pardo Delgado |





Lo confieso. He visto una comedia romántica solo para entretenimiento en su más pura expresión.


Estuve claramente motivada en que fuera un filme francés, ya que como sabemos, el discurso fílmico de este país se ha caracterizado por la excelencia en este género debido a la facilidad expresiva que tienen sus actores sobre los de Hollywood.



Y no me he equivocado. Los franceses pueden hacer de cualquier trama simplista, un festín de la alegría visual. Y, aunque éste no sea el mejor ejemplo para destacar en la filmografía del país, sus recursos –los del filme- para facilitar esos “respiros” en el espectador son indiscutibles.




Es así como encontramos a un actor como Romain Duris quien tiene pocos roles principales conocidos, y de quien se observa igualmente, una suprema capacidad histriónica que es evidente. Un rostro del cual será difícil olvidarnos después de completar este visionado. Completando el casting, Vanesa Paradis, reconocida por ser entre otras características, novia de Johhny Depp, aunque ésta finalmente pase sin pena ni gloria en este filme.


Reconociendo a los actores, podemos pasar a lo que le confiero una gran importancia dentro de esta película, un guión que no es más que otro cliché del chico y chica se encuentran por azares del destino, el se enamora primero, ella no, luego ambos terminan por convencerse que son el uno para el otro.



Ciertos elementos diferenciadores, como el lenguaje, la versatilidad actoral del personaje principal y sus “secuaces”, llevan esta comedia sino a la mejor, por lo menos hacia un estatus medianamente bueno para la audiencia.

Según su director, Paul Chameil, la trama principal de la cinta: “narra las peripecias de un grupo de personas especializado en separar parejas por encargo, ya sea de familiares o amigos que creen que, principalmente las mujeres, no son felices o no están con el hombre adecuado. Todo les va bien hasta que el gancho masculino, interpretado por Roman, se enamora de la chica a la que encarna Paradis”.

El cine ha recreado la misma historia durante siglos y tal vez muchos espectadores al ver este filme no entrarán en disquisiciones filosóficas después de verla porque sencillamente su línea raya casi en lo común.




Hoy simplemente deseo recomendarla porque ya estaba harta de los dramas pesados, porque en la vida como en el cine, hay que darse de cuando en cuando un respiro en el que creamos en que incluso el amor, en pleno siglo XXI, - después ser un concepto temiblemente abstracto, viciado y prostituido- , todavía puede ser posible.

Escena para no perderse: El baile recreado por los actores principales en homenaje al filme Dirty Dancing, considerada una de las mejores películas románticas en el cine hollywoodense.

Mi recomendación: No espere mucho de este filme porque saldrá decepcionado. Solo relájese y disfrute.

Yo estoy en otro lugar. Pero tu, quien está leyendo esto, tu mereces lo mejor.

10/04/2010

A SINGLE MAN

Publicado por Carolina Pardo Delgado |




Sexualidad.




Una palabra que, para algunos en pleno siglo XXI, todavía les resulta incómoda. Empezar a comprender por que una persona, en este caso un hombre, prefiere estar con alguien de su mismo sexo puede que resulte un claro disturbio e incluso llegar a ser rotulado como “anomalía”.


Y a pesar de que han concurrido más de cuatro décadas a partir de la escritura de esta novela, este tema todavía se confirma como un tabú en todas las generaciones actuales.


A partir de las experiencias que uno va a acumulando en el camino se da cuenta que la mejor manera de transitar por el mundo es evitar los juicios a priori y tratar de “colocarse en los zapatos del otro”.


Ignoramos las penurias de alguien que tenga que tomar la decisión de encaminar su sexualidad como una opción de vida diferente y radical.


Lo primero que atrajo mi atención a este filme fue la nominación de Colin Firth a mejor intérprete personificando un profesor universitario homosexual quien atraviesa una etapa muy triste en su vida debido al fallecimiento de su pareja.




Detenerme a observar un actor que, en una opinión muy personal, lo consideraba como agraciado físicamente pero, un simplón en términos de ejecución artística, hasta verlo elevarse hacia una interpretación muy sublime es una sensación felizmente absurda.



Detallar milimétricamente cada uno de sus gestos en los que se evidencia la insufrible depresión de la que es objeto, y los esfuerzos imposibles que tiene que hacer para realizar las tareas cotidianas es tratado con una ejecución muy precisa, ciento por ciento veraz. Logra mantenerse en el interior del personaje de un hombre de mediana edad a quien la soledad se le aparece como un ahogo, y a quien, su edad y vasto conocimiento de la vida le han generado una sensación de desconcierto y posible re-desubicación de su rol en el mundo.


Con una adaptación de la novela publicada por primera vez en el año 1964 por Christopher Isherwood que lleva el mismo nombre, su director y coguionista Tom Ford, reconocido por ser el principal diseñador de la casa de modas Gucci, muestra en su debut que es más que eso. Un artista que parece confirmarse desde ya, como la versión anglosajona de Pedro Almodóvar. Nada más hay que revisar el tráiler para darse cuenta de la influencia del estilo directivo del español en esta obra de arte.


Y aquí llegamos al punto clave de la cinta. La absolutamente impecable dirección de arte. Como era de esperarse de un artista de lo visual, se hace uso de una amplia gama de colorimetría entre ellos, el blanco y negro, los tonos tierra y los colores vivos como el azul connotado en el filme como el de la espiritualidad y, mi favorito, el rojo, para demostrar la ira y la lujuria. Llama mi atención poderosamente la exquisita precisión de los peinados, el vestuario y la ambientación en cuanto a términos de época, pero también en términos de significado. Estos elementos parecen cobrar vida y hablar por sí solos en cada una de las escenas.




Se determina entonces que Un hombre soltero se confluye como una pieza obsesiva y pueril que reposa sobre unos claros elementos estéticos, que se desarrolla en un día, con una trama muy líneal y pocos puntos de giro, con una dirección técnica y de actores que pudo haberse excedido hasta la locura de la perfección, pero que llega a un término medianamente bueno para la audiencia, en donde brilla sin límites la actuación de Colin Firth apoyada por Julianne Moore (quien nos asegura solo con su presencia que es posible la tristeza infinita al interior de la belleza exterior) y donde nunca podremos olvidar a aquella niña vestida de azul que se le aparece al personaje principal como un ángel que busca rescatarlo de su vida a punto de ser terminada.

9/22/2010

MI BLOGOVERSARIO!!!

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



La primera vez que se me dio la posibilidad de empezar a escribir en un blog, confieso que me parecía una empresa muy dificil de llevar a cabo.
Todavía me sigue pareciendo, pero con el tiempo, logré echar atrás todos esos demonios e inseguridades y este blog empezó a balbucear y hoy ha llegado a su primer año. Que lo descuidé durante los últimos meses, es muy cierto, aunque la cartelera no es que haya estado muy emocionante que digamos.
Así que es la hora de darme auto-bombos y felicitaciones porque logré llegar a un año escribiendo una de las cosas que más amo en la vida: El séptimo arte.
Porque el cine me vio crecer, porque entre mis juguetes favoritos de niña, estaba un VHS, mientras todos los niños aprendían a montar bicicleta y nadar (cosas que aprendí después de los 20), yo jugaba con un rebobinador de cintas y veía tres pelis por día hasta que tenía los ojos cuadrados y llorosos.
Sin más auto bombos y platillos, hoy le agradezco al de arriba que me haya dado la posibilidad de conocer tantas personas que comparten mi afición, yo me sentía extraña y diferente y con ustedes Blogger-cinéfilos comprendí que no soy la única obsesiva de este tema, que hay más, aunque estén lejos de mi fisicamente, no lo están en mi corazón.
Un abrazo y beso para MI!!! Felicitaciones a MI!!! (ya basta del egocentrismo exacerbado)
Gracias por leerme chicos!!!




Hay momentos en que dudo de mi capacidad crítica.
Momentos como éste en el que me encuentro repitiendo uno o dos filmes.
Lo confieso.
Estoy enfermizamente obsesionada con ellos.


Por aquello de que mi subjetividad producto de mis falencias o virtudes de ser humana, interferirán o no, con mi discurso o con una simple visión mortal de alguien a quien le obsesionan las 24 imágenes por segundo que se me otorgan como el más exquisito de los manjares.

Estuve obsesionada con esta trilogía desde que observé los títulos que la componían en la librería. Y, aunque, no tuve la oportunidad de leerlos porque mi intriga y otras vicisitudes no me lo permitieron, hoy hacen parte de mi entrañable lista de libros por leer.

La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, ¿Qué carajos de título es éste para una novela de ficción? Y La reina en el palacio de las corrientes de aire.

Su carácter, (el del primer título), angustiante y temiblemente depresivo llamó extrañamente mi atención y el corazón me latía fuertemente, experimentando esas acuciosas “mariposas en el estómago”, como quien observa a la persona que le atrae. A mi me atraía fuertemente los títulos de una trilogía.

Soñar con un bidón de gasolina y una cerilla no es lo inmediatamente común en alguien. Así como soñar con una hacker andrógina bisexual que carece de cualquier inteligencia emocional posible, pero que ha sido dotada de una innegable inteligencia espacial, numérica, informativa y memoria fotográfica, tampoco sería lo común.

Lisbeth Salander no es un personaje común. De allí, a que llame tanto la atención. Aunque comprenderla grosso modo podría resultar frustrante para el espectador que raye en la normalidad, Salander es la representación perfecta de la importancia de la necesidad de una evolución natural en la infancia. Porque cualquier vacío que se tenga en esta etapa es inmodificable y quedará concentrado para toda la vida.

Se debe señalar que la perturbada conciencia y el corazón congelado de Salander son el eje central de esta trilogía que es complementada o “adornada” con situaciones de suspenso que la colocan en una prueba constante de la lucha por su supervivencia.

Aunque sería irresponsable hablar de una adaptación de estas tres entregas, por la ausencia de esta escritora de la lectura de la trilogía, (por lo cual me disculpo) podría aseverar que ambas poseen un guión que respeta su género, y, aunque la segunda parte no es sino una mera transición entre la primera y la tercera, es necesario su visionado. Asimismo, ésta última hace gala de un suspenso envidiable para cualquier director de corte de suspenso o thriller psicológico.

Hay que resaltar ampliamente el perfecto complejo actoral encabezado por los actores Noomi Rapace y Michael Nyqvist, éste último quien interpreta al editor general de la revista Millenium (con un decisivo carácter de periodismo investigativo punzante, que llega hacia las últimas consecuencias), refleja todo lo que un grande actor debe: el casamiento profundo con su personaje hasta cuando sea imposible distinguir a éste del actor quien lo interpreta. Además de revelar un profundo e hipnotizante compromiso con el avance del guión.

Si nos referimos al guión, se podrán observar algunas fallas estructurales de una ausencia de relación entre los personajes principales que le roba la fuerza que se nos revela en la primera entrega. Y que se recupera magistralmente en la última, además del manejo estupendo del suspense.

La dirección técnica se encuentra en una conjunción perfecta con el guión. Uso de los flashbacks son recurrentes para relatar la historia. Los planos utilizados enseñan una exquisita precisión.
Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión basado en los cimientos de la gratificante labor periodística, insuperable puesta en escena, hacen de estos filmes, si no puedo aseverar que sean o no una buena adaptación cinematográfica, por lo menos puedo concluir que representan todo un anti-estandarte en el trato hacia el género femenino y la búsqueda incensante de la paz.

Hoy, me encuentro debatiendo profundamente entre la inteligencia emocional y la racional. Gracias Stieg Larsson, donde quieras que estés por demostrarnos, además, la corrupción existente en las altas esferas del poder y por darnos a entender que el bien siempre derrotará al mal, sobre todas las cosas.
Gracias.

Escena para no perderse: Todas donde esté presente el personaje de Lisbeth Salander. El juicio y los últimos planos.

Mi recomendación: No lleve a menores de edad a ver estos filmes. Escenas sexuales explícitas puede que les resulte ofensiva.

6/19/2010

CARTA A SARAMAGO

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



Interrumpo la emisión cinéfila de mi blog para escribirte, porque lo admito, una lágrima se escapó de mis ojos el día de ayer, cuando escribía una nota acerca de la adaptación de tu libro Ensayo sobre la ceguera mientras había mucha gente a mi alrededor, y lamento decirte que me deshice rápidamente de ella, porque no sabía por qué sucedía.


Hoy, pensé en ti antes de irme a dormir. Y esta carta es para agradecerte profundamente que existieras. Que lucharas intensamente por cumplir tu Dharma o propósito final en la vida.

Empecé tu lectura como le sucede a las relaciones sentimentales de hoy en día, que comienzan por el final, y terminan precisamente, por el principio. Tu novela Caín llegó a mi como me sucede siempre, por azares extraños del destino. Y con ella, quise cuestionarme aquello a lo que más le temí: mi fe ciega en Dios. Porque para revisar algo tan abstracto hay que verlo desde varios puntos de vista.

Gracias profundas por ser mi mentor sin que lo hubieses intuido. Por enseñarme a ver más allá de la infructuosamente denominada “realidad”. Por dejarme saber que los signos de puntuación no eran tan necesarios para ti. Porque pudiste llegar a mi, aunque no habláramos el mismo idioma. Por enseñarme que los nombres que se les colocan a los personajes, no tiene ni mayor ni menor relevancia dentro de una novela. Por enseñarme que la sociedad necesita que se le remueva esa ceguera que no nos deja ver lo que realmente somos. Por dejarme saber que el lenguaje tiene más de las mil palabras que usamos usualmente. Por reírte a carcajadas de la absurda y temiblemente frágil condición humana. Y sobre todo, por dejarme llevar a cabo una concienzuda introspección hacia lo que consideraba como urgente y primario en vida, que realmente no lo es. Gracias finalmente, por abrirme los ojos.

Aún me quedan varios libros por leer, estoy en la mitad de tu Ensayo sobre la lucidez. Ya te haré saber mediante otra carta cómo me va…


¿Qué diablos de Dios es este quien te recibirá en las puertas del cielo, a pesar de que cuestionaste fuertemente su existencia?


Nos veremos algún día, pero no todavía. No todavía.


Mi más profunda admiración va para ti.


Abrazos,


Carolina.





Soy la siguiente en la fila.


-Buenas noches, por favor, me dirijo a la función de “Los hombres que no amaban a las mujeres”, solicito…

-¿Cuantos tiquetes?, pregunta la mujer detrás de la ventanilla.

-Uno, por favor, respondo de la manera más fría.



(Una sonrisa maliciosa y sarcástica se esconde detrás de la mirada de la mujer detrás de la ventanilla).



Si la mujer detrás de la ventanilla tuviera la menor idea en su cerebro cual es la sinopsis de este filme no habría hecho esa mirada. Si es usted una chica a la que le es indiferente el buen cine y espera ver un drama tonto para mujeres, muy girlie like, está equivocada. Entre mejor a ver “Dear John”. Y si usted es un hombre y no desea verlo por la misma razón, está igualmente equivocado.


Cuando escuché hablar de esta trilogía por primera vez, hace algunos meses, debo confesar que el titulo de esta primera entrega no me llamaba la atención en lo más mínimo, por aquello de la reciprocidad en las relaciones de cualquier tipo. Y así acontecieron los días sin que me interesara, hasta que escuché el titulo siguiente: “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”, tal vez algo depresivo para el gusto en general, muy llamativo para el mio.


Ahora, que el autor de dicha trilogía haya fallecido de una manera tan repentina y justo días después de hacer la entrega del tercer manuscrito de la serie, al parecer, alimenta el morbo de quienes le leen. Si me cuestionan si me lo ha alimentado a mi, la verdad dicho hecho me es indiferente. Con el objetivo de redondearles la historia puedo agregar que Stieg Larsson era un periodista y escritor sueco quien se interesaba firmemente por la investigación periodística, el racismo y el nazismo, entre otros temas.

Sería irresponsable de mi parte comentarles que ha sido o no una brillante adaptación cinematográfica, debido a que por azares del destino no tuve la oportunidad de leer el libro con antelación. Ahora al saber que las ultimas dos entregas han sido filmadas, procederé con gran cautela a revisar los próximos libros.



Cuando empiezo a ver un filme por primera vez, tengo en cuenta lo que extracté del manual del actor de Stanislavsky hace algunos años, así que me digo: “Trata de convencerme que esto me va a gustar”… Y se empieza desde el “No te creo nada, sígueme convenciendo…”.
Niels Arden Oplev, su director y el autor me han convencido.

Esta es la sinopsis que me regala mi amiga la wikipedia: “Hace 40 años, durante una reunión familiar en una isla, la joven Harriet Vanger desapareció sin dejar rastro. Aunque no se ha encontrado su cuerpo, su tío está convencido de que fue asesinada por alguien de su propia familia, así que decide contratar a dos personas para que investiguen el caso. Los elegidos son un desencantado periodista, Mikael Blomkvist, y una problemática hacker informática llamada Lisbeth Salander. Ambos descubrirán que el secreto del clan Vanger es más oscuro de lo que parece.”

Este filme aparece como la aguda y punzante representación de una crítica social claramente expuesta hacia lo que es oculto en la sociedad sueca, abusos del poder, además de señalar el daño sigiloso y extenuante que causa la violencia verbal, sexual y de todo tipo hacia el género femenino en la cual, además, la doble moral hace su presencia a través de una historia con tintes de crudeza.


Hay que resaltar ampliamente el perfecto complejo actoral encabezado por los actores Michael Nyqvist y Noomi Rapace, de quienes no sabía nada hasta el momento y que desde ya hacen parte de la lista de actores de los que estaré atenta, debido a su intensa capacidad hipnotizante y de gran sentido de la verdad (la de ambos). En especial llamó mi profunda atención el personaje de Lisbeth Salander, la hacker andrógina y perturbada mentalmente dotada de una impresionante calidad artística otorgada por Noomi Rapace. Solo por este personaje vale la pena observar el filme.

Si nos referimos al guión puede que existan algunas fallas estructurales que habrá que ser revisadas directamente del libro y que al más atento de los espectadores le sorprenderá, aún así, se convierte en una excelente propuesta de novela negra que no cae en puntos efectistas.
La dirección técnica se encuentra al servicio del guión, aunque lejos de brillar, realiza una perfecta complexión entre los close-up del drama, junto a los contados pero efectivos flashbacks, y sin necesidad de colosales efectos especiales llega a crear grandes dosis de tensión y estupefacción.


Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión basado en los cimientos de la poco gratificante labor periodística, insuperable puesta en escena, hacen de este filme, si no puedo aseverar que sea o no una buena adaptación cinematográfica, por lo menos puedo concluir que representa todo un anti-estandarte en el trato hacia el género femenino.

Escena para no perderse: Todas donde esté presente el personaje de Lisbeth Salander.
Mi recomendación: No lleve a menores de edad a ver este filme.
Puede que la aguda violencia sexual explícita les resulte ofensiva.







Así como los sueños y pesadillas que nos acompañan en la noche representan los miedos más profundos que tenemos en la psiquis y en el alma, de la misma manera el cine refleja, entre otros miles de sentimientos, esos miedos que nos trastornan la estabilidad emocional, y el más reciente se distingue por ser el miedo al exterminio de la raza humana.


El Armageddon, apocalipsis, o fin de la civilización, cuantas definiciones se le requiera otorgar a ese momento que consideramos como maquiavélico y de profundas disquisiciones escatológicas ha sido trasladado a la pantalla con una reiteración más ininterrumpida en este milenio de la que habíamos sido espectadores. Es necesario y contingente repetirlo: Tenemos miedo a que la raza humana tenga su fin.



Que la teoría maya nos haya cedido el terrible mensaje que esto que conocemos como vida no vaya más allá del 21 de diciembre de 2012, que quien sabe cuantas profecías existentes y desconocidas coexistan acerca de este fatídico evento. No tengo idea. Filmes como “Armageddon”, “2012”, “Wall E”, “The Day after tomorrow”, “Waterworld”, “I am legend”, “Last man on Earth” “12 monkeys” “Death Race”, “Mad Max” y una lista interminable, por solo nombrar algunas del cine pudiente hollywoodense, se aprovechan de aquellos miedos del hombre para conferirles una exploración minuciosa, tal vez demasiado desesperanzadora para mi gusto, aunque con una definitiva búsqueda de la conciencia social.


The Road, se configura así como otro filme a ser añadido a esa línea de denuncia ambientalista reducido a un thriller post apocalíptico que, si bien es cierto que gracias a la cruda, grisácea y angustiante cinematografía conferida por el español Javier Aguirresarobe, nos traslada fielmente a la descripción ambiental visionada por su autor, Cormac McCarthy, el filme está adherido de fallas que no lo permiten elevarse a una categoría más sublime.


Viggo Mortensen el actor principal de este filme, quien se encuentra en el momento de perfección de su talento en el que cualquier rol que tome lo encarnará más que fielmente, se convierte en el eje central de esta adaptación cinematográfica que aunque muchos críticos concuerdan en que presentarla como una gran pieza de arte a mi parecer sus fallas en la conexión con el espectador son temiblemente ineludibles a pesar de los continuos esfuerzos de Mortensen o del cameo de Robert Duvall, a quien no reconocí sino hasta después de los créditos.



A resaltar ampliamente se encuentran las crudas escenas de violencia tipo gore en el que el canibalismo hace su triste presencia. Escenas totalmente justificadas, pero como ya lo he expresado anteriormente, no de mi gusto.

Llamó mi atención de manera ofensiva la inclusión de la publicidad a la Coca-Cola. Después que se acaba con toda posibilidad de alimentación en el mundo, donde no existe ni el agua, el protagonista halla en un dispensador tal líquido precioso. Es indispensable cuestionarnos que tan pertinente sea esto para el espectador, a mi parecer le resta credibilidad al filme.

Una conjunción de fallas como la falta de personalidad y sello del director en conectar a sus actores con la audiencia, provoca que se desperdicie un excelente libro, soberbios actores y una más que exquisita dirección artística en algo que pudo haberse convertido como el mejor filme post apocalíptico. John Hillcoat tuvo todo a su favor pero al final nos hace entrega de algo que pudo ser y no fue.

Y lo único que me quedaron ganas fue de tomar Coca-Cola antes de que llegue el Armageddon.

4/25/2010

CELDA 211

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



¿Cómo puedo amar al “malo” de la película? ¿Es posible que ya no posea sentimientos humanos normales que me indiquen que debo, por valores morales, adorar al “bueno” y odiar al “malo”?

Aprendí a amar,-lo manifiesto en el sentido histriónico- a Luis Tosar desde que le vi en el film “Te doy mis ojos” (2003) de la directora española Iciar Bollaín. Su encarnación de un personaje que maltrata a su esposa físicamente debido a sus inseguridades como hombre machista, llamó mi atención. Manifestar lo más terrible de la condición humana a través de la interpretación, solo se consigue a través de una catarsis profunda y un talento del cual muy pocos poseen acceso.

Repitiendo o incluso, perfeccionando a través de una fuerza escénica compleja y sentido de la verdad profunda, Luis Tosar nos logra introducir en un recinto en el que se coloca a prueba la necesidad de sobrevivir a toda costa, donde las tensiones se agudizan y la vida se torna en un continuar absurdo.


Reencontrarse con el género señalado como “drama o thriller carcelario” puede que no se convierta en un atractivo para el espectador común que desee permanecer en un rato de ocio y simple diversión. Si nos remitimos a este género se debe conocer con su debida antelación que los espacios cerrados, claustrofóbicos como en esta instancia, la cárcel, generan como primera medida una lucha por la supervivencia humana. Dichos relatos generarán grandes dosis de violencia física, verbal, además de desasosiego y demás frustraciones.


Sinopsis extractada de mi amiga la Higuera.net: “El día en que comienza a trabajar en su nuevo destino como funcionario de prisiones, Juan (Alberto Ammann) se ve atrapado en un motín carcelario. Haciéndose pasar por un preso más, luchará para salvar su vida e intentar dar fin a la revuelta, liderada por el temido “Malamadre” (Luis Tosar). El joven tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino”.


Una construcción excelsa a partir de una imponente, memorable e hipnotizante interpretación central de Luis Tosar, un guión que sabe manejar las tensiones y doblega los puntos de giro a su antojo junto a una dirección técnica más purificada de lo que nos tiene acostumbrados el cine español. Un filme que defiende a capa y espada todos sus goyas recibidos y que además se cuestiona con firmeza por que no lo propusieron para los oscares…


“El hombre nace naturalmente bueno es la sociedad lo que lo corrompe” Jean Jacques Rousseau.


Que la violencia no sea tan innata a la mujer, como lo es al hombre, me corresponde preguntarme porque esa violencia tan finamente expuesta en este filme atrajo mi atracción. Con sus debidas pinceladas francesas de una cruda narrativa visual, las imágenes de este filme aunque un poco extendidas –debido al largo del filme- son propias de un lirismo colérico que se absorbe a cada minuto.


Si alguna vez se preguntó que sería si Michael Corleone hubiese sido colocado en otras circunstancias, como por ejemplo, en una prisión francesa, con una mafia corsa en vez de una italiana, y sin una familia que lo respaldara. Jean Jacques Audiard –su director- le puede mostrar que le sucedería.


Evitar las comparaciones en este filme es totalmente ineludible dado que es necesario y contingente, indagar que sucedería en caso de que un hombre relativamente bueno, sea fuertemente presionado por las circunstancias a convertirse en un asesino y un correcto manipulador de situaciones a su favor. Como diríamos en términos colombianos, tal como le denominaban a un reconocido líder del cartel de la droga, podría aseverar que su protagonista se convierte en todo un “Ajedrecista”, tal como lo otorga esa conjunción perfecta entre preparación y sagacidad encuentra oportunidad.


Mi amiga la página Film Affinity les regala la sinopsis: “Un joven árabe (Tahar Rahim) de apenas 19 años ingresa en prisión para cumplir una pena de 6 años. Dentro la vida es dura, pero el joven despliega poco a poco un potente carisma capaz de hacer frente a los miembros de la mafia corsa de la prisión en intramuros.


Este filme alabado como el mejor del festival de Cannes, (Un profeta, profeta en su tierra) seleccionado candidato al Oscar 2010 en el apartado de película de habla no inglesa, eleva la dirección técnica a otra categoría en la que escenas largas, encuadres novedosos mezcladas con cámara al hombro y acercamientos se convierten en un exquisito plato para el paladar del espectador. La cámara se convierte en amiga, amante y enemiga del personaje principal, lo sacude hasta el extremo y lo ayuda a madurar.

Y aquí tocamos el momento más culminante de la historia en el que el proceso de maduración de Malik El Djebena -el protagonista- se asemeja al del más sublime de los vinos. Transmutarse de hombre casi inocente y puro, a calculador asesino y traficante nos muestra como las decisiones que tomamos en un momento nos pueden llevar hacia un camino o el otro. Ahora, pudo él haber tenido la oportunidad de escoger otro destino? Espero escuchar esa respuesta de ustedes. Los que no podrán perderse este ambicioso, claustrofóbico aunque sumamente provocador thriller de gansters.


Escena para no perderse: El tiroteo en la camioneta todoterreno.


Mi recomendación: No espere a que este filme lo transmitan en cinco años en los canales nacionales doblado al español. Respete el idioma original. Porque la voz propia de los actores tiene una fuerza única y transmite tanto como el lenguaje corporal. Después no diga “a mi no me pareció tan buena”…



“Este lugar me hace pensar… ¿Qué es peor? Vivir como un monstruo o morir como un hombre decente?”.


Martin Scorsese lo ha logrado nuevamente. Con un estilo vivazmente expresionista que nos conduce a un exquisito thriller psicológico, su director hace gala de una de sus grandes obras, y, aunque en el futuro no será visionada como la mejor de su carrera, si como una brillante y excelsamente tensionante pieza de arte.


Es estrictamente necesario referirnos al escritor estadounidense Dennis Lehane, quien se presenta como la soberbia y fluida pluma de obras que han sido trasladadas de manera magistral al cine, a saber, “Gone baby gone”, y una de mis favoritas dirigidas por Clint Eastwood, la ya legendaria “Mystic River”. Es reconocido que Lehane dota a sus personajes de una dualidad circular (debido a la complejidad) y moral que les brinda un mayor despliegue de emociones y, por lo tanto, una mayor empatía para el lector/espectador. En Shutter Island nos confirma su cualidad de escritor de trazos firmes y diálogos intensos.


Aún así, debo mencionar que algunos espectadores en la red no han perdido el tiempo para señalar y acusar de plagio a Lehane, (el escritor) debido a la gran semejanza de la línea central por el libro adaptado de la misma forma al cine en 1983, “Los Renglones torcidos de Dios” del escritor español Torcuato Luca de Tena.
Aún así, con esta posible no identificación del verdadero autor, Scorsese nos presenta en su film una sublime atmósfera onírica junto a la más selecta estilización visual coloreada principalmente por el rojo de la sangre, enardecida a través de la cinematografía de Robert Richardson quien ha trabajado para “Kill Bill Vol. 1 y 2” y “The Aviator”.

Si de referencias anteriores hay que elucubrar nos beneficiamos de la mítica “One flew over the Cuckoo’s Nest” (1975), y de Quills (2001) en la que la unidad de lugar se repite. Una institución mental, en un tiempo anterior de la reforma psiquiátrica donde los procedimientos para las enfermedades mentales eran intensamente cuestionados, aunque, para nuestra fortuna no eliminados en su totalidad.

Sinopsis extractada de Wikipedia : “En 1954, los agentes judiciales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son enviados a una institución mental para criminales situada en Shutter Island, con el fin de buscar a Rachel Solando, una psicópata que ha escapado misteriosamente de su celda. Una vez dentro, conocen al doctor John Cawley, la cabeza visible de la institución, quien no está dispuesto a colaborar con los agentes. Una tormenta los deja atrapados en la isla, y un caos entre internos empeora la situación. A lo largo de la cinta, las circunstancias en el interior de la isla hacen renacer los recuerdos y los conflictos internos del protagonista central, en donde el suponía que llevaban ahí a los internos para hacer experimentos con ellos.”

Del casting se desprende directamente Di Caprio, del cual, debo admitir que no soy una admiradora profunda. No obstante, puedo asegurar que nos ofrece una interpretación con un elevado sentido de fe y verdad. Este actor comienza ya a rendir los frutos de su vasta y aunque, no muy alabada experiencia.

Mark Ruffalo, líder de una aguda sobriedad interpretativa magnificada con su tono característico de voz pausado, abre paso de manera humilde para que el protagonista, Di Caprio, pueda brillar y de la misma forma establecer una estrecha relación entre ambos. Pocos actores reflejan esa valentía de alejarse del spotlight y Ruffalo es uno de ellos.




Sir Ben Kingsley, a quien le profeso una profunda admiración, (reverencia para él), después de haberlo visionado en Elegy como el taciturno, obsesivo y provocador amante de Penélope Cruz, gira 360 grados y nos ofrece una actuación con características pausadamente más siniestras. Se configuran sus expresiones visuales como temiblemente exquisitas. Resulta imposible no poder leer cada una de sus miradas.

Jackie Earle Harley, (Watchmen), a pesar de su corta aparición, nos confirma una vez más por que su posible encasillamiento de roles oscuros no es más que la combinación de su rostro con fisonomía malévola y su facilidad innata para la comprensión profunda psicológica de los personajes que encarna.


Uno de los elementos más brillantes, que en si parece ser otro personaje más de la historia, está determinado bajo la composición musical muy a lo Hitchcock, que refleja esa particularidad terrorífica y angustiante en sus obras.



Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión con un eje central seductor y puntos de giros emocionantes e inesperados, insuperable puesta en escena, hacen de este film un MUST-SEE en su lista de películas por ver en este mes. Eso sí, tenga muy pendiente el camino de regreso a su hogar.


Ahí se las dejo.





http://campus.usal.es/~revistamedicinacine/Vol_3/3.2/esp.3.2.pdf/manicomios.pdf
http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo#Cine

3/24/2010

EDGE OF DARKNESS

Publicado por Carolina Pardo Delgado |




Debido a una extraña y casi inusual naturaleza sumamente inquisitiva que me caracteriza, me encontré tratando de inferir en algún momento cómo sería el sentimiento que se tiene hacia un hijo. Y, aunque haya podido vivenciarlo de forma invertida, e incluso percibirlo, no sabría que haría en caso de que tuviera una pérdida de esa magnitud.


Perder a un hijo o una hija. Nótese que el término “perder” podría ser denotado simplemente como la huida física de este miembro a cualquier x lugar del mundo. Pero, ¿y si ese hijo, falleciera? ¿Y si dicha persona que usted creó con el mayor esfuerzo y amor que alguna vez imaginó posible, fuera asesinado? ¿Qué haría? ¿Sería usted benevolente con el infractor, o, en el peor de los casos, sería usted capaz de lo inimaginable para llevar a cabo una temible venganza?

Este eje central ya había sido brillantemente capturada y explorada en el film “Taken” (2008), o, en una línea muy parecida, con un guardaespaldas que es salvado del infierno en que se le había convertido su vida hasta que aparece en escena una niña a la cual le comienza a profesar un gran cariño en “Man on Fire” (Veáse en este blog un escrito inspirado por el film) " A propósito de las Llamas" (2004). Ambas altamente recomendadas.

Beneficiarse de una fórmula de la que se han obtenido excelentes resultados con anterioridad, puede o, muy fácilmente conducir un éxito o un fracaso. En el más deprimente de los casos, ser considerado como una mala imitación de la original.

No hay mayor pecado que desperdiciar por completo a un complejo de actores con los cuales se puede obtener una calidad suprema de pureza intimista y natural, como es el caso del veterano Mel Gibson, quien regresa delante de cámaras después de una ausencia de ocho años. Así mismo, desperdiciar a Ray Winstone, (Jedburg) obligándolo a una monotonía que raya en el aburrimiento, termina confluyéndose como insoportable. La ausencia de dirección de actores es cruelmente palpable. Los antagonistas están restringidos a un estereotipo tan común, que en vez de desviar la historia para que el espectador indague por su cuenta, te remarcan una y otra vez su clara incapacidad para sorprender.

Edge of Darkness, es la adaptación de una miniserie de Londres que se benefició de un éxito rotundo en el año 1985, dirigida por el mismo director del film, Martin Campbell, (Casino Royale). Si el traslado a la gran pantalla hubiese tenido cabida antes de que llegaran los films anteriormente mencionados, éste habría sido un éxito. Lamentablemente, para superar una línea que ha sido virtuosamente explorada con anterioridad, se ofrece como necesario un replanteamiento de la historia.

Esta es la sinopsis extractada literalmente: “Thomas Craven (Mel Gibson) es un veterano detective de homicidios del distrito de policía de Boston y un padre viudo. Cuando su única hija, Emma (Bojada Novakovic) de 24 años, es asesinada en las escaleras de su casa, todo el mundo supone que él era el objetivo. Pero él pronto sospecha lo contrario, y se embarca en la misión de averiguar la vida secreta de su hija y de su asesinato. Su investigación le lleva a un peligroso y engañoso mundo de encubrimientos corporativos, connivencia gubernamental y asesinato—y a un misterioso agente del gobierno, Darius Jedburgh (Ray Winstone), que ha sido enviado para eliminar las pruebas. La solitaria búsqueda de Craven de respuestas sobre la muerte de su hija se convierte en una odisea de descubrimiento emocional y redención.”

En referencia al guión, si bien es cierto que ofrece algunas escenas contadas sorpresivas, auxiliadas éstas por la crudeza visual narrativa, los puntos de giro son prácticamente inexistentes.


Se podría resumir como un thriller medianamente elaborado, con algunos toques sorpresivos, que ofrece una buena, aunque desgastada actuación central de Gibson.


Mi recomendación, si usted ha visto las mencionadas anteriormente, sólo remítase a ésta si es un admirador del trabajo de Gibson. Si no, déjela pasar.

3/22/2010

TOP OF MIND (In movies) The Sequel...

Publicado por Carolina Pardo Delgado |

Me han extendido este meme de Top of Mind desde el blog de Jorge Moreno, Más Cine, un blog que se caracteriza por lo puntual y ágil en sus apreciaciones cinematográficas. No me queda más que agradecerle ésta invitación. He decidido que sea continuado por quien decida hacerlo.

Espero que la lista sea de su agrado.

Las reglas son las mismas.
1. Decir quién te lo propuso.
2. Poner tus favoritas y no las que pensamos que son las mejores.
3. Proponer a tres bloggeros para que lo sigan.

Película sobre el Holocausto: Shindler's list.
Película más sobrevalorada: -Slumdog Millionaire
Película mexicana: Amores Perros
Película española: Hable con Ella
Película Gay: Mi segunda Piel
Película de Pedro Almodóvar: Carne Trémula
Película de Martin Scorsese: Casino y Ranging Bull
Película de Quentin Tarantino: Kill Bill 1 y 2 , Inglourious Basterds
Película de Tim Burton: Edward Scissorhands, Alice in Wonderland
Película de Alejandro González Iñárritu: 21 grams
Película de Clint Eastwood: Million Dollar Baby
Película basada en un libro: El Perfume de Patrick Suskind!!!
Película Latinoamericana: El Secreto de sus Ojos
Película con el mejor final: Dog Day Afternoon
Película de Meryl Streep: Sophie's Choice, Kramer Vs Kramer.
Película de Kate Winslet: The Reader, The Life of David Gale.
Película con revueltas estudiantiles: Ondskan (Evil), La sociedad de los poetas Muertos.
Película de Johnny Depp: Ed Wood
Película que batallaste en entenderle: Requiem for a dream.
Película que no te cansas de ver: Closer
Película animada que no te cansas de ver: Ice's Age
Película de drogas: Requiem for a dream
Película de catástrofes: Titanic
Película de vampiros: -------
Película que te gusta mucho y a la mayoría no: Eternal Sunshine of the spotless mind.
Película con la mejor música: Amelie y La Vie in Rose
Película de extraterrestres: District 9
Película que ganó el Oscar injustamente: Slumdog Millionaire
Película que debió estar nominada al Oscar principal: 500 days of Summer
Película basada en una banda o cantante: La Vie in rose
Película con duelo de actuaciones: The Doubt


Actriz injustamente oscareada: Julia Roberts
Actor injustamente oscareado: ---------
Actriz sin Oscar que merece uno ya: Naomi Watts
Actor sin Oscar que merece uno ya: Viggo Mortensen
Actriz de tu país: Flora Martinez
Actor de tu país: Robinson Diaz
Actriz: Cate Blanchett, Kate Winslet,Meryl Streep, Naomi Watts.
Actor: Al Pacino, Robert de Niro (Nadie ha llegado al nivel actoral de lo que ambos hacian cuando estaban en sus 30... ) Viggo Mortensen, Joaquin Phoenix.
Director: Martin Scorsese, Tim Burton, Iñarritu.
Personaje animado: Rogger Rabit

3/19/2010

500 DAYS OF SUMMER

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



“.. Summer sólo amaba dos cosas: la primera era su oscura y larga cabellera, la segunda era lo fácil que la cortaba sin sentir nada”.

Pregúntese si desea continuar.


Esta es la historia de una chica que escribe impresiones acerca de los films que observa. Pero deberá saber con anterioridad, que ésta no es una crítica…


Como aquel viejo amor o desamor al que a pesar de todos los infructuosos y desgastantes esfuerzos nunca pudimos entender. Del que no tuvimos la oportunidad de desarmar a través de un poema escrito con el alma y desgastado en la mente. De la misma forma existen films que se nos introducen con tanta fuerza en el alma que tratar siquiera de narrar por que nos gusta o disgusta es como tratar de decir el nombre de quien nos hemos enamorado sin que se nos dibuje una sonrisa en los labios. Absurdamente inevitable.


Summer es una chica igual a todas. Tom es un chico igual a todos.


No se engañe tan fácil. Si la anterior premisa fuese cierta, aquí no habría historia. ¿Qué sería de la vida sin la sal de la vida necesaria?


Como fiel creyente de que las personas existentes o preexistentes en la vida de cada quien tienen que cumplir un rol específico. Ya sea como el Ying- y el Yang, nos proveerá de algo positivo o de algo negativo.

A veces involucrarse tanto, puede ser dañino. Involucrarse de cualquier forma posible. Esta vez he decidido dejar que mi objetividad se vaya a la basura. (Sólo por hoy).

Podría mencionar que la estructura narrativa visual es brillantemente inusual, que en una escena crucial se asemeja a “Sliding Doors” (1992) por la división en la pantalla de una misma realidad y posibles duales destinos, que los diálogos aparecen puntuales y precisos, que la historia es exquisita… podría, podría, podría, yo podría, pero no lo deseo.

Porque más que todo ésta es una historia de personajes. De una chica que posee cualidades de chico, quien controla la relación, para quien sentir se le convierte en un privilegio que no puede alcanzar, para quien el amor es un convenio malogrado e inservible. Y de un chico que descompone minuciosamente todo lo que la chica menciona y lo revisa de tantas formas posibles, y lo analiza con sus amigos, y lo mastica y lo duerme, y lo sufre, y lo escupe y lo vuelve a tragar tan fuerte, que se le convierte en una obsesión insufrible.
Oh-oh!!! Esta es una historia de obsesiones. Ya lo entiendo.

Yo podría hablar de Tom y Summer toda la madrugada… Podría, podría, podría, yo podría, pero no lo deseo.

Le extiendo la visita a mi obsesión.

Esta es una historia de una chica que conoce un chico.

Pero deberá saber con anterioridad que no es una historia de amor.


3/16/2010

MY TOP OF MIND (En films)

Publicado por Carolina Pardo Delgado |



Pabela desde La Cinerata, un blog que a mi parecer es VIP, debido a la intrepidez e inteligencia de sus escritos y noticias y su suprema obsesión por el cine (lo cual tenemos en común), me ha ofrecido este meme, el cual, además de representarle todo un gran reto a mi memoria, me honra de sobremanera que haya pensado en mi para su respuesta.
No me resta más que agradecerle la extensión de este juego que apela, además de mi agilidad mental, a una clara definición de mis gustos ya sean éstos ocultos en lo más profundo de mi subconsciente o en lo más claro de mi superficialidad buscada.
Los films aqui expuestos serán los primeros que vienen a mi memoria. No significa que menosprecie de ninguna forma a las millones de películas existentes.

Les recomiendo ampliamente a Pabela y La Cinerata.

He añadido la categoría del cine Neo-Noir y Spaghetti Western, que son dos derivaciones...
Espero lo disfruten...

Reglas:

1)Decir quien los ha nominado a este juego (HECHO)
2)Rellenar los huecos a continuación con la película que más te guste de cada género.
3)Nominar al número de personas que quieras, o cuyos gustos más te interese, para que hagan lo mismo en sus blogs (al final de la lista)

Mejor Película de Acción: The Fast and Furious (Tokyo Drift)

Mejor Película de Aventuras: The Lord of the Rings (3 Partes)

Mejor Película Bélica: The Hurt Locker/ Saving Private Ryan

Mejor Película Biográfica: Ed Wood (Tim Burton)/La Vie in Rose (Marion Cotillard)/The Queen/Juana la loca/Cleopatra.

Mejor Película Cómica: Modern Times, The Great Dictator (Charles Chaplin)/Tootsie/Tropic Thunder.

Mejor Película de Ciencia Ficción: The Fifth Element/Avatar

Mejor Película Deportiva: Jerry Maguire

Mejor Película Dramática: 21 Grams /Mystic River/Kramer Vs Kramer/Midnight Cowboy/Hotel Rwanda/Carlito's Way (Que no se note que esta es una de mis categorías predilectas)...

Mejor Película de Gangsters: El Padrino (Además que está entre mis mejores 10)/Goodfellas

Mejor Película Histórica: Ben Hur/Hotel Rwanda/Elizabeth

Mejor Película Independiente: La vida sin mi/Elegy (Ambas de Isabel Coixet)/Dancer in the Dark

Mejor Película de Juicios: JFK (Kevin Costner)

Mejor Película Musical: Moulin Rouge

Mejor Película Basada en un Comic o Novela Gráfica: Watchmen/The Dark Night

Mejor Película basada en Obra de Teatro: Romeo y Julieta (Baz Luhrman)/Hamlet/La Soga

Mejor Película Romántica: Casablanca/The Graduate (This is for you Mrs Robinson...) /Great Expectations/Eternal Sunshine of the Spotless Mind /500 Days of Summer.


Mejor Película de Terror: Alien/The Silence of the Lamb

Mejor Película Thriller: Dog Day Afternoon (Dirigida por Sidney Lumet) Excelente!!!/Zodiac

Mejor Película Cine Negro o Noir: El Halcón Maltés

Mejor Pelicula Cine Neo-Noir: The Untouchables /Reservoir Dogs

Mejor Película Western: Unforgiven

Mejor Película Spaghetti Western: Inglourious Basterds!!!

Mejor Película Animada: Up (Una aventura de Altura)/Madagascar/Shrek

Elijo todo aquel que desee continuar esta lista.





Hoy me levanté pensando en seis cosas imposibles antes del desayuno:



1. Podré hacer esta reseña.


2. Ella se ha levantado de la cama, me dice que no debo lavar mi cabello de noche una vez más. Mi libro tiene un final feliz.

3. Tengo un doctorado en lenguaje HTML.

4. Alguien ha colocado una arroba de dulces “Nerds” en la puerta de mi casa.

5. El país de las Maravillas verdaderamente existe.

6. Me he robado la poción, el pastel y la llave y estoy a punto de entrar.

Enuncia un refrán popular que conocer es querer, o incluso, amar. Y yo me cuestiono, profunda y de manera casi aturdida y perturbable, ¿Será entonces, posible poder llegar a querer o a amar a alguien que no conoces, pero de quien te llegan noticias graduales o reconoces su labor?
Amo a Tim Burton.

No tengo más nada que agregar.


¿Podrá mi amor hacia su locura bien conducida viciar mi objetividad en esta reseña? Les prometo que haré mi mejor esfuerzo para que esto no suceda.

Recrear el país de las maravillas, ese país que conocí igualmente a la edad de Alicia, fue el objetivo principal que Tim Burton y la productora Disney se trazaron. Para comenzar a distinguir que tanto se encuentra de Burton en la obra, y que tanto resta de la versión original, me remití a cerrar los ojos y recordar aquellas impresiones que se me quedaron prendidas en un rincón del alma que por escondidas, no olvidadas en la niñez. En aquella etapa donde soñar se nos vuelve tan absurdamente cotidiano como respirar y creer que verdaderamente existen lugares como “El país del Nunca-Jamás”.


Charles Ludwig Dogson, mejor conocido como Lewis Carrol, era un matématico, profesor en la universidad de Oxford, a quien se le atribuye la autoría de este relato, quien residía en la época victoriana. Le dedica a una de sus alumnas de nombre Alice, este cuento que refleja una crítica a aquella época, con toques intensos paródicos, metáforas ocultas, y de un humor lógico, y tal vez, de carácter más adulto que infantil, tal como apreciamos en “El Principito” de Antoine de Saint-Exúpery.

Y es por ella razón que los personajes principales de esta obra se les adjudiquen valores especiales. Para adentrarnos se hace necesaria una aproximación a sus significados. (Extractado literalmente de páginas Web, mencionadas al final) a saber:

 “La reina de corazones simboliza el poder político al que Lewis critica presentándola como caprichosa y autoritaria. Es decir, es una critica a la monarquia de la epoca victoriana, y más exactamente a la reina Victoria. Representa al absolutismo monárquico, el uso indiscriminado del poder, una crueldad desmedida en sus actitudes.

 Los naipes representan a la corte o los lacayos de la reina, siempre atentos a sus caprichos.

 El conejo blanco, perseguido por el reloj, atormentado por el tiempo, simboliza burlonamente al hombre que vive obsesionado por los minutos. El autor refleja las prisas de la vida moderna.
En la cultura popular, el Conejo Blanco se ha convertido en un símbolo, donde seguir al Conejo Blanco describe el acto de seguir a algo o a alguien ciegamente, y cuya persecución desemboca en aventuras y descubrimientos. Esta metáfora ha sido utilizada numerosas veces en la literatura, el teatro, el cine y la televisión. Esto se puede ver en películas como Matrix, o Donnie Darko.

 La oruga. A primera vista, es como la antítesis del conejo: relajada, aprovechando una rica tarde en compañía de un cigarro y esperando que la vida simplemente pase.

 El gato de Cheshire: tiene el papel simbólico de ser una especie de consejero o maestro espiritual, que representa la voz de su conciencia, el "Maestro Interior" de Alicia.”


Este film apareció ante mis ojos como exuberante en su dirección artística, evocando una colorimetría absurdamente perfecta, con medidas exactas de saturación e intensidad. Lo anterior adjudicado tanto a su ambientación, como a vestuario y maquillaje, en este último aspecto, llamó poderosamente mi atención los pálidos rostros de los personajes. Sello netamente burtoniano dirigido por su notable influencia del expresionismo alemán. Sean atentos al “fade out” de la ultima aparición en cámara del Sombrerero Loco y observarán la clara transición de colores a blanco y negro. Sencillamente exquisito.

La música, rotundamente burtoniana, es elevada mágicamente a través del reconocido compositor Danny Elfman, quien entre sus labores más recientes incluye, “The Wolfman”, “Terminator Salvation”, “Milk”, y, en compañía con Burton: “Nightmare Before Christmas”, “Charlie and the Chocolate Factory” y una lista interminable de confirmados éxitos. Elfman, le otorga a las cintas de Burton como siempre, esa particularidad angustiante, oscuramente estilizada y a la vez, sombría y grotesca.

No obstante, si nos remitimos al apartado del guión, y aquí llegamos a un lugar muy importante, (elaborado por Linda Woolverton), le veremos claras fallas como la ausencia de un guión estructurado y lineal que nos ofrezca una adentramiento mayor al film, una mayor relación entre espectador e historia, por lo tanto, identificación y compenetración con sus personajes. La coherencia narrativa que brinda la adaptación es casi nula, se aprecian escenas con un carácter unitario, y simultáneamente ausencias de transiciones que motiven a un seguimiento lineal. Aún así, a pesar de sus escenas predictivas, algunas permiten el asombro y la risa abierta, aún así esta es la versión de Burton y de quienes lo conocen, quien esperaría que su adaptación sea tan fiel al libro?
Las actuaciones más que precisas y puntuales, son ampliamente divertidas, ya que permiten una acertada exploración de cada personaje. El estar investidos en personajes míticos como los de Carrol, en vez de cohibirlos, les impulsa a una creación exquisita. A resaltar, como siempre el actor fetiche de Burton, Johnny Depp como El Sombrerero Loco, quien con una combinación entre Jack Sparrow y otros oscuros personajes le otorga al sombrerero un toque más depresivo y sombrío por momentos. Mia Wasikowska, la joven promesa australiana que recuerda a una Gwineth Paltrow con 20 años menos. Helena Boham Carter, a quien parece favorecerle su compenetración emocional entre ella y Burton, (su esposa) su interpretación es dual, a pesar de suponer un odio al espectador, termina por simpatizar. Todos éstos manipulados físicamente por CGI.


Y podría seguirles hablando del film, solo que ahora por confusión, me he tomado la poción para empequeñecer y estoy en el teclado brincando de letra en letra para terminar. Estoy exhausta y no encuentro el pastel.


Adiós “País de las Maravillas”... Mi gato se acaba de tragar la llave.



http://es.wikipedia.org/wiki/Colorimetr%C3%ADa
http://es.wikipedia.org/wiki/Duquesa_(Alicia_en_el_pa%C3%ADs_de_las_maravillas)
http://es.wikipedia.org/wiki/Gato_de_Cheshire
http://www.elkraken.com/Esp/R-alicia-esp.htm

3/04/2010

LA SOLEDAD QUE NO TUVO LECTURA

Publicado por Carolina Pardo Delgado |









¿Cómo se hacen los éxitos en el cine? Es cuestión de reunir un par de excelentes actores, un guión que sea un knock out y un director que sepa encauzar estos elementos y los “guie” al éxito… ¿No me cree todavía?

Pues está en lo cierto. No me crea ni poquito. Si esto fuera así de sencillo, no existirían los filmes de baja, de promedio calidad o de ínfima, incluso. Creo que como en todo arte la explicación es muy simple: MAGIA. Porque si fuera tan sencillo como reunir ingredientes y mezclarlos, yo sería la mejor chef del mundo sin hacer ningún esfuerzo.



Existe algo en Kate Winslet que siempre mueve, es como ver la mejor amiga o la hermana en la pantalla grande. Existe algo temiblemente constante y sempiterno en su forma de actuar que nos acerca simplemente a ella, sin notarlo. No coexiste esa cortina de hierro entre “súper estrella” y espectador a la que siempre tememos. Creo que fue lo mismo que me hizo ver Titanic más de 13 veces, o Eterno resplandor de una mente sin recuerdos más de diez.

Presumo además, que es la única actriz capaz de que sintamos una profunda compasión por una mujer que trabajó como guardia de la SS, según la wikipedia: “Las Waffen-SS eran el cuerpo de combate de élite de las Schutzstaffel (más conocidas como las SS, o escuadras de protección). Dirigidas por el Reichsführer-SS Heinrich Himmler, las Waffen-SS participaron en la Segunda Guerra Mundial. Comenzaron como unidad de protección y choque de la dirección del Partido Nazi, hasta convertirse en una fuerza de combate de 950.000 soldados aproximadamente…”.


Si le agregamos además a esta historia a Ralph Fiennes, quien con su sola presencia nos puede remitir al más temido capitán de las SS (en la Lista de Shindler, dato curioso), o, como más nos simpatiza, como la encarnación del perfecto amante: con una extrema sensiblería, absurdamente incondicional, visiblemente perturbado y taciturno. Así como lo percibí por vez primera en el Paciente Inglés (1996).

Fue así como Stephen Daldry, quien ya había dirigido a Nicole Kidman hacia su primer y único Oscar por Las Horas(2002), pudo guiar a dos grandes actores a roles que parecieran que hubieran anhelado ser escogidos por el azar o un juego, muy favorable del destino.
Para aproximarse al lector entendamos su sinopsis: “Cuando cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, Michael Berg (David Kross) un joven de 15 años, es rescatado por Hanna (Kate Winslet), una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado idilio hasta que Hanna desaparece inesperadamente.

Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de un horrible crimen y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que considera aún más vergonzoso que el asesinato.”


Hanna, se convierte así, en una excusa para ver el lado humano de la historia nazi. Y lo más bizarro es que llego a simpatizar profundamente con su personaje, a pesar de lo que defiende. A pesar de que haya sido culpable de los asesinatos ocurridos en los campos de concentración de Auschwitz. Pienso que ésta aseveración mía me convierte en parte “metafísicamente” culpable como enunciaría el existencialista Karl Jaspers, ya que todos somos solidariamente responsables por cada injusticia en el mundo. Puede encontrar esta definición en el ensayo “El Caso de la culpabilidad alemana”, libro que es mencionado por el profesor de leyes del joven Berg en el film.

Muchos filmes y representaciones teatrales se han hecho con la mirada hacia aquel momento de la historia. El Holocausto. Porque al fin y al cabo para terminar entendiendo un hecho tan absurdo es importante revisarlo desde varios puntos de vista: La Lista de Shindler, La vida es Bella, Bastardos sin Gloria, La Caída, El Pianista, y la lista es interminable. Cada uno de ellos con una visión determinante y puntual, aunque ninguno termina por explicar la temible conducta de la supuesta “raza superior”. Muchos críticos afirman que esta no es una historia de la guerra, que simplemente es una historia de amor con un trasfondo nazista. Pero es que no es lo mismo enamorarse de una mujer x en el mundo a enamorarse de una mujer que perteneció a la guardia nazista.
A pesar de mis fuertes convicciones morales acerca del bien y del mal, si Hanna existiera o hubiese existido, rezaría por ella. Porque finalmente termina siendo una temible victima de sus decisiones. Porque huir constantemente del amor nos suele jugar una mala pasada y tenemos que convivir con un temible holocausto en el alma. Y para ello no habrá libros que acallen esa voz acuciosa interna de dolor. Si tenemos algo de suerte encontraremos un lector para que nos ayude a divagar en otros lugares mientras se cumple una larga condena en nombre del amor que dejamos atrás. Alguien como usted o como yo. Un lector a fin de cuentas.




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