OBSESIONES

Mucho antes de que el psicoanálisis fuera aprobado como método de investigación y como práctica sicoterapéutica, su mayor exponente, Sigmund Freud, tuvo que luchar entre los círculos médicos de Viena para luego aislarse y llevar a cabo numerosos estudios escudriñando con gran poder deductivo, los orígenes de las enfermedades nerviosas, las cuales fueron finalmente relacionadas por este neurólogo con el sexo. Entre sus seguidores, se encontraban Alfred Adler y Carl Jung, quienes más tarde iniciarían prácticas acordes con las teorías de su maestro, aunque con significativas divergencias acerca de que el componente sexual era la base intrínseca de todas sus teorías y otros elementos relacionados.

Un filme eminentemente intelectual,- no por ello tedioso-, basado en el libro “El método más peligroso” de John Kerr y a su vez, en la obra de teatro “The Talking cure” de Christopher Hampton. Y dirigido por David Croneberg a quien se le conoce por su estilo en el que entrelaza lo psicológico, lo físico y la violencia sexual.

Con un selecto complejo actoral conformado por Viggo Mortensen, Michael Fassbender y Keira knightley, esta obra que se decanta por una estructura epistolar entre Freud y su discípulo, Carl Jung, demuestra una gran riqueza narrativa, casi teatral en la puesta en escena. Y a pesar de que su tema pueda parecer complejo al espectador desprevenido, su presentación tiende a combinar de modo ligero, aunque no superficial las teorías que hasta nuestros días catapultaron a la fama al médico austriaco y y se lleva a cabo, igualmente, la introducción de un personaje desconocido para la mayoría de nosotros, Sabrina Spielrein.

Spielrein fue una judía con problemas de histeria quien fue enviada a Zurich, Suiza y puesta en manos de Jung quien utilizó el entonces novedoso método del psicoanálisis para la cura de la Histeria, una enfermedad mental con desordenes entre la risa compulsiva y llantos, combinada con episodios depresivos. Luego, en el transcurso del filme, sale a flote la relación sexual-sadomasoquista que llevó durante largo tiempo con Jung convirtiéndose en su amante.

Lejos de ser un simple pretexto para enaltecer las teorías del fundador del psicoanálisis este filme es un excelente comienzo para aquellos quienes deseen iniciarse en las teorías de la ahora, reconocida práctica y adentrarse en los inicios del siglo XX, época donde se llevó a cabo su origen.

A través de excelsos escenarios, vemos la relación fraternal y a la vez distante, entre estos dos intelectuales, la lucha entre el pensamiento de Freud y la practicidad de Jung que lo guió a pensar incluso en posibles fenómenos paranormales – estando un poco más cerca del pensar del siglo XXI- y la incursión de Spielrein, como la primera mujer miembro de una asociación del psicoanálisis y por lo cual una excelente heredera del método después de ser curada por Jung. Lo interesante aquí, es que sus propias experiencias como paciente fueron empleadas ulteriormente para emprender su formación académica y posterior práctica, llegando a dominar sus propios demonios para ser consumida luego por la irracionalidad de los momentos previos a la primera guerra mundial.

Viggo Mortensen, en su tercera colaboración con el director, encarna con gran precisión de cirujano una semblanza de lo que pudo haber sido Freud, un hombre con voz profunda, sentado la mayor parte del tiempo en su oficina, al que no le importan las conversaciones extensas de horas y horas, disertando acerca de impresiones analíticas del comportamiento humano, en las que a la interpretación de los sueños se les otorgaba una importancia del mismo grado al de una enfermedad de la mente. Su lenguaje corporal, el de Mortensen, no nos defrauda, y nos brinda movimientos acorde con la época, lo que nos brinda mayor seguridad en la interpretación.

Igualmente, Fassbender impresiona una vez más, al caracterizar con gran carisma al aristócrata sobrio y de doble moral, Carl Jung, con facilidad expresiva tanto corporal como facial, y en compenetración con su compañera, Knightley, quien ya tiene una larga experiencia en filmes de época, pero que por momentos sobreactúa creando un ligero decaimiento en la obra. No obstante, es clara en reafirmar su posición como la mujer que juntó a estas dos icónicas figuras y así mismo, las separó. Al entrelazar las vidas íntimas de estos personajes con la teoría sin que resulte un filme denso y difícil de digerir, yace la habilidad directorial de Croneberg.

Un filme altamente recomendable con cualidades intelectuales y perversas que guarda su distancia emocional, pero que nos compensa con gran información, en el que se halla una parábola de la sexualidad moderna y nos permite dar un vistazo al pensamiento ortodoxo y la instancia moral suprema de Freud como padre del psicoanálisis y su rechazo hacia las especulaciones.

Escena para no perderse: Todas

Mi recomendación: Si está en búsqueda de algo estimulante e intelectual ésta debe ser su primera elección.

Un adicto al sexo a través de los ojos de Michael Fassbender –actor principal- llama la atención debido a la exactitud perturbadora con la que se sumerge en su personaje. Fassbender después de haber asombrado al público en festivales internacionales demuestra que puede encarnar fácilmente un hombre cegado por su obsesión a través de dotes actorales y físicos.

Ahora, por las múltiples escenas de contenido sexual explícito, que puede lindar por momentos con la pornografía, un actor con sentido de pudor más amplio no hubiese podido caracterizar a Brandon. Paralelamente, desde el punto de vista moral, puede que algunos espectadores lo encuentren ofensivo y otros simplemente lo vean como la expresión de lo que es: un hombre con una incontrolable adicción libidinosa.

La banda sonora llevada a cabo por múltiples artistas, pero que brilla con las composiciones originales de Harry Escott, en especial la elegida para el tráiler, y que igualmente es empleada en las escenas iniciales y en intermedio, le dan fuerza al filme indicando unos ciertos clicks de un tiempo que avanza –lo que crea desesperación en el espectador- , tiene una tonalidad oscura –como la de la vida de su personaje-, que nos ayuda a sumergirnos en el universo de Brandon, y a la vez transmite su propia desesperación con notas in crescendo que terminan por generar angustia, la misma que Fassbender nos demuestra al correr de la cinta.

Y puede que algunos se identifiquen con Brandon o sencillamente, no, un hombre vacio en búsqueda de algo que le llene, escogiendo el sexo como manera de aliviar el sinsentido que tiene su vida. Y lo vemos en una constante lucha entre entregarse hacia actividades enteramente hedonistas y compartir un poco de tiempo con su hermana con quien tiene una relación austera, ausente y algo psicótica. La contraposición es clara: él a quien no le interesa la conexión emocional y ella, claramente necesitada de la misma.

Por alguna razón Brandon se lastima a sí mismo, porque no está en control de su terrible adicción, de su vida pasada sabemos poco, pero se intuye que en la forma de percibir sus relaciones emocionales, algo lo condujo a identificar a las personas como simples medios de satisfacer sus mundanas acciones. A pesar de ello, su alta vulnerabilidad y simpatía nos seduce, este personaje en otro actor simplemente guiaría a ser juzgado. Pero el espectador, en cambio, prefiere una posible redención para el protagonista.

Una segunda colaboración de Fassbender con el director Steve Mcqueen, que demuestra su estilo a través de múltiples escenas de cámaras al hombro e intrusivas, tanto, que los primeros planos que parecen golpearle el rostro a los actores antes de producir repulsión otorgan un sabor intimista. De igual forma, largas e ininterrumpidas escenas hacen parte del conocido proceso creativo de McQueen.

Un drama erótico-sexual que no logra avanzar en su narrativa, tanto como podría, pero que nos conduce al más íntimo sentimiento de lujuria compulsiva llevada a límites inimaginables que experimenta el personaje. Tanto Fassbender que lleva el peso de la película sobre sus hombros, Mcqueen y Carey Mulligan – una actriz que transmite pureza y candidez- la salvan de lo que pudo haber sido, una pornografía con aires pretenciosos a arte, elevándola en cambio, a lugares insospechados.

Escena para no perderse: Todas.

Mi recomendación: Por su alto contenido sexual explícito, lenguaje y abuso de alcohol y drogas no ver en compañía de menores de edad.

Es de esperarse, dada nuestra condición humana que nuestros valores sean más elevados que el de un animal. Pero en tanto nos enfrentamos a este filme, esa obviedad queda en discusión. Que es un animal entrenado. Que la dirección, edición y demás funciones técnicas lo convierten en la estrella que es. Obvio. Pero puede que esto termine de dar prueba que algunos animales hacen gala de mayor nobleza que el ser humano.

El protagonista de esta historia es el hilo conductor de varias historias entrelazadas, es un animal brioso, testarudo y noble que cabalga sin rumbo fijo, pero que tiene un destino marcado, por no decir varios.

Una altamente pronosticada nominación al Oscar a mejor película fue el motivo principal que me guio a verla. Además del sello de Steven Spielberg por lo que cine de autor y una clara denuncia al maltrato animal se conjugan para subrayar el horror de la guerra.

Un factor que llama la atención sobre el filme es precisamente que en temática de guerra de época los caballos son estipulados como meros medios de transporte, y en ésta los humanos tienen un plano determinante sobre la historia, pero no definitivo. Sus vidas son tocadas cual de una vara mágica se tratara por los encantos de Joey. Porque pareciera que su destino es este y no otro: ir por la tierra desafiando el odio/amor de sus amos que pende de un hilo.

Este melodrama con más respiros jocosos de los esperados, le otorgan una calidad más familiar al relato. La simplicidad de la historia al señalar la Primera Guerra Mundial como un discurso doloroso, presente, aunque soslayado, terminan configurándose en un motivo para demostrar la valentía del animal.

La deslumbrante fotografía naranja hacia el final de la narración, es una clara oda a los westerns, y en general, la naturaleza es coloreada con claros tintes impresionistas y en su narrativa puede que contenga varios clichés emocionales, que aunque no logran exudar del todo una lágrima, por lo menos crea un claro nudo en la garganta. El claro antropomorfismo propio de los discursos infantiles se ve exaltado, entre otros aspectos, en un uso casi imperceptible del CGI en los ojos de Joey.

Y a pesar de que Spielberg elige actores en su mayoría desconocidos, aparte de Emily Watson, para generar precisamente, mayor interés en la historia, y esquivando a los altibajos del coprotagonista –Albert- ayudado por la edición, el complejo actoral está en el nivel prudente como para realizar la conexión necesaria con el espectador. Celine Buckens –la niña Emilie- asombra con una lágrima y una mirada perdida hacia el infinito por la pérdida de sus padres, control emocional que cualquier actor adulto podría envidiar.

Puede que la narrativa antigua no cale en la mente de algunos espectadores, pero el sentimentalismo exacerbado no deja indiferente, y la grandilocuencia en la dirección asombra en la maestría técnica, la dirección de actores, el entrenamiento equino y sobre todo en la orquestación de todas las áreas dejando como resultado un producto que cumple más allá de sus expectativas.

Escena para no perderse: Absolutamente todas.

Mi recomendación: Si es muy sentimental, diríjase a la sala con un pañuelo.

Este filme demuestra que la genialidad no tiene límites, así como tampoco lo tiene la recursividad. Un hombre sin escolaridad superior utiliza la sabermétrica (o análisis estadísticos) para llevar a cabo un plan en el que utiliza a jugadores que generalmente son rechazados por otros equipos, ya sea por cuestiones de edad, de estilos de lanzamiento, actitud o por cómo luce su novia – tan irrisorio como cierto-, y crea una plantilla de jugadores que al inyectarles la dosis exacta de confianza terminan por romper un récord estadounidense histórico en número de juegos seguidos ganados.

He aquí el gran logro del filme al adaptar la esencia del libro de Michael Lewis “Moneyball: El arte de ganar un juego incierto”: demostrar que hay otras formas de evaluar a un jugador sin que la temidas implicaciones subjetivas intervengan, las cuales impiden ver los posibles diamantes en bruto. La guerra entre intuición y revolución numérica es la línea argumental principal insuflada en esta historia con bajos egos pero que demuestra como las estadísticas cambiaron el imaginario del juego.

Puede que al espectador habituado a historias facilistas le disguste la austeridad y el bajo aire triunfalista de este filme, que la encuentre un poco insulsa debido a la ausencia de cuotas exacerbadas de emocionalidad. Porque sus emociones precisamente yacen debajo de la superficie, en el subtexto, en lo que no se ve a simple vista. En aquellos momentos de silencio donde parece decir nada, es precisamente cuando más se dice.

Ya Bennet Miller, su director, había girado su vara mágica para enaltecer a Phillip Seymour Hoffman en “Capote”, guiándolo hacia el Oscar, de igual forma, Brad Pitt con esta representación carismática, madura, sólida, austera, emotiva aunque restringida, y con un agudo sentido del humor, se ve igualmente encaminado a formar la plantilla de los nominados a la estatuilla dorada en el 2012. A la cinta parece haberle favorecido el cambio de Soderbergh a Miller después de que el primero renunciara al proyecto. Como resultado: un estilo directorial pausado, maduro y asertivo.

Igualmente ya hay quienes han señalado a esta cinta como la mejor pieza fílmica que se haya hecho sobre béisbol en la historia del cine y hay quienes la han comparado debido a su componente erudito con “The Social Network” (punto en común el co-guionista Aaron Sorkin): debido a la presencia de las estadísticas como base para la reingeniería del juego y a la de un nerd recién graduado de Yale en Economía quien se convierte en la mano derecha de Beane, al compenetrarse tan sagazmente que pareciera se leyeran la mente entre sí.

Entre los componentes a resaltar se encuentran: la excelsa fotografía tanto en planos abiertos como cerrados, el manejo de cámara que por momentos le otorga una cualidad intimista a la narración visual. Una edición fluida que alterna constantemente entre flashbacks históricos y momento presente (tipo documental).

Para aquellos quienes no somos entendidos del juego, puede que algunos datos y tecnicismos nos resulten frustrantes, pero el método de intercambio de jugadores entre equipos como objetos, y la sabiduría para negociarlos, diferenciar tanto los sobrevalorados como los subvalorados –debido a prejuicios de los directivos en la industria- si bien no logra romantizar del todo el juego, por lo menos nos invita a mirarlo con otros ojos.

Puede que el personaje de Billy Beane interpretado por Pitt esté lejos de las estrategias usuales para los Oscares, pero bien puede batear un jonrón inesperado. Esperemos que este filme no se aferre ulteriormente a la seguridad de la primera base, sin darse cuenta que ha hecho un jonrón, o que por lo menos, está a la vista.

Escena para no perderse: Absolutamente todas. Especial mención para el jonrón.

Mi recomendación: No la descarte por su temática restringida. Puede que tenga una sorpresa.