OBSESIONES

WAR HORSE

2012-01-05T12:05:00.000-08:00

Es de esperarse, dada nuestra condición humana que nuestros valores sean más elevados que el de un animal. Pero en tanto nos enfrentamos a este filme, esa obviedad queda en discusión. Que es un animal entrenado. Que la dirección, edición y demás funciones técnicas lo convierten en la estrella que es. Obvio. Pero puede que esto termine de dar prueba que algunos animales hacen gala de mayor nobleza que el ser humano.

El protagonista de esta historia es el hilo conductor de varias historias entrelazadas, es un animal brioso, testarudo y noble que cabalga sin rumbo fijo, pero que tiene un destino marcado, por no decir varios.

Una altamente pronosticada nominación al Oscar a mejor película fue el motivo principal que me guio a verla. Además del sello de Steven Spielberg por lo que cine de autor y una clara denuncia al maltrato animal se conjugan para subrayar el horror de la guerra.

Un factor que llama la atención sobre el filme es precisamente que en temática de guerra de época los caballos son estipulados como meros medios de transporte, y en ésta los humanos tienen un plano determinante sobre la historia, pero no definitivo. Sus vidas son tocadas cual de una vara mágica se tratara por los encantos de Joey. Porque pareciera que su destino es este y no otro: ir por la tierra desafiando el odio/amor de sus amos que pende de un hilo.

Este melodrama con más respiros jocosos de los esperados, le otorgan una calidad más familiar al relato. La simplicidad de la historia al señalar la Primera Guerra Mundial como un discurso doloroso, presente, aunque soslayado, terminan configurándose en un motivo para demostrar la valentía del animal.

La deslumbrante fotografía naranja hacia el final de la narración, es una clara oda a los westerns, y en general, la naturaleza es coloreada con claros tintes impresionistas y en su narrativa puede que contenga varios clichés emocionales, que aunque no logran exudar del todo una lágrima, por lo menos crea un claro nudo en la garganta. El claro antropomorfismo propio de los discursos infantiles se ve exaltado, entre otros aspectos, en un uso casi imperceptible del CGI en los ojos de Joey.

Y a pesar de que Spielberg elige actores en su mayoría desconocidos, aparte de Emily Watson, para generar precisamente, mayor interés en la historia, y esquivando a los altibajos del coprotagonista –Albert- ayudado por la edición, el complejo actoral está en el nivel prudente como para realizar la conexión necesaria con el espectador. Celine Buckens –la niña Emilie- asombra con una lágrima y una mirada perdida hacia el infinito por la pérdida de sus padres, control emocional que cualquier actor adulto podría envidiar.

Puede que la narrativa antigua no cale en la mente de algunos espectadores, pero el sentimentalismo exacerbado no deja indiferente, y la grandilocuencia en la dirección asombra en la maestría técnica, la dirección de actores, el entrenamiento equino y sobre todo en la orquestación de todas las áreas dejando como resultado un producto que cumple más allá de sus expectativas.

Escena para no perderse: Absolutamente todas.

Mi recomendación: Si es muy sentimental, diríjase a la sala con un pañuelo.

MONEYBALL

2011-12-13T17:54:00.000-08:00

Los pitagóricos tenían la concepción de que todas las cosas son numerables, y muchas de ellas, las podemos expresar numéricamente, entendida esta teoría como “el número como principio de la naturaleza”. Por lo cual no es de extrañar que un jugador de béisbol pueda ser medido con base en números. Y mucho menos que Billy Beane, el manager de los Oakland Athletics, se haya identificado con este principio para guiar al éxito a su equipo.

Este filme demuestra que la genialidad no tiene límites, así como tampoco lo tiene la recursividad. Un hombre sin escolaridad superior utiliza la sabermétrica (o análisis estadísticos) para llevar a cabo un plan en el que utiliza a jugadores que generalmente son rechazados por otros equipos, ya sea por cuestiones de edad, de estilos de lanzamiento, actitud o por cómo luce su novia – tan irrisorio como cierto-, y crea una plantilla de jugadores que al inyectarles la dosis exacta de confianza terminan por romper un récord estadounidense histórico en número de juegos seguidos ganados.

He aquí el gran logro del filme al adaptar la esencia del libro de Michael Lewis “Moneyball: El arte de ganar un juego incierto”: demostrar que hay otras formas de evaluar a un jugador sin que la temidas implicaciones subjetivas intervengan, las cuales impiden ver los posibles diamantes en bruto. La guerra entre intuición y revolución numérica es la línea argumental principal insuflada en esta historia con bajos egos pero que demuestra como las estadísticas cambiaron el imaginario del juego.

Puede que al espectador habituado a historias facilistas le disguste la austeridad y el bajo aire triunfalista de este filme, que la encuentre un poco insulsa debido a la ausencia de cuotas exacerbadas de emocionalidad. Porque sus emociones precisamente yacen debajo de la superficie, en el subtexto, en lo que no se ve a simple vista. En aquellos momentos de silencio donde parece decir nada, es precisamente cuando más se dice.

Ya Bennet Miller, su director, había girado su vara mágica para enaltecer a Phillip Seymour Hoffman en “Capote”, guiándolo hacia el Oscar, de igual forma, Brad Pitt con esta representación carismática, madura, sólida, austera, emotiva aunque restringida, y con un agudo sentido del humor, se ve igualmente encaminado a formar la plantilla de los nominados a la estatuilla dorada en el 2012. A la cinta parece haberle favorecido el cambio de Soderbergh a Miller después de que el primero renunciara al proyecto. Como resultado: un estilo directorial pausado, maduro y asertivo.

Igualmente ya hay quienes han señalado a esta cinta como la mejor pieza fílmica que se haya hecho sobre béisbol en la historia del cine y hay quienes la han comparado debido a su componente erudito con “The Social Network” (punto en común el co-guionista Aaron Sorkin): debido a la presencia de las estadísticas como base para la reingeniería del juego y a la de un nerd recién graduado de Yale en Economía quien se convierte en la mano derecha de Beane, al compenetrarse tan sagazmente que pareciera se leyeran la mente entre sí.

Entre los componentes a resaltar se encuentran: la excelsa fotografía tanto en planos abiertos como cerrados, el manejo de cámara que por momentos le otorga una cualidad intimista a la narración visual. Una edición fluida que alterna constantemente entre flashbacks históricos y momento presente (tipo documental).

Para aquellos quienes no somos entendidos del juego, puede que algunos datos y tecnicismos nos resulten frustrantes, pero el método de intercambio de jugadores entre equipos como objetos, y la sabiduría para negociarlos, diferenciar tanto los sobrevalorados como los subvalorados –debido a prejuicios de los directivos en la industria- si bien no logra romantizar del todo el juego, por lo menos nos invita a mirarlo con otros ojos.

Puede que el personaje de Billy Beane interpretado por Pitt esté lejos de las estrategias usuales para los Oscares, pero bien puede batear un jonrón inesperado. Esperemos que este filme no se aferre ulteriormente a la seguridad de la primera base, sin darse cuenta que ha hecho un jonrón, o que por lo menos, está a la vista.

Escena para no perderse: Absolutamente todas. Especial mención para el jonrón.

Mi recomendación: No la descarte por su temática restringida. Puede que tenga una sorpresa.

LA PIEL QUE HABITO

2011-12-08T12:03:00.000-08:00

Tal como cuando una persona genera posiciones radicales debido a su excéntrica forma de ser, es decir, que logra ser amada u odiada en su máximo exponente es como auguro o ratifico que puedan estar apreciando este filme quienes lo vean en un futuro o lo hayan visto. Una visión tan disímil como unísona que podrá ir generando ya sea buenos consensos o terribles disparidades.

Y tengo que advertir que su elevado contenido sexual (no solo a copular me refiero), puede que interfiera con el visionado para algunos puristas o religiosos extremistas. Tanto, que por momentos me sentí viendo un filme pornográfico con diálogos inteligentes.

Y como para amar algo hay que conocerlo, (es irrisorio tener sentimientos por lo que sea sin esta condición) temo que sea entendida solo por quienes han tenido la fortuna de revisar la filmografía de Pedro Almodóvar, ya que viene siendo, -me atrevo a afirmar- una especie de conjunción entre “Átame” y “La mala educación”, de las cuales extiende algunos elementos.

Componentes como el indispensable color rojo, línea argumental melodramática en exceso, una dirección de arte que a cualquier persona de extrema sensiblería fácilmente le provocaría un orgasmo visual, un guión que poco más o poco menos parece ser traído de los cabellos, pero que va relacionado con la personalidad retorcida del genio Almodóvar, conforman sus percepciones maduras de la vida.

Un filme que combina varios géneros, pero que en últimas se va quedando en medio del Horror, como protagonistas, un científico loco con un plan macabro, una mujer captiva con cierto síndrome de Estocolmo enrollados en una claramente desviada atracción sexual psicótica. Como plato fuerte, la química entre Antonio Banderas y Elena Anaya que por momentos es ausente, pero que se retoma en otros.

Roberto, el cirujano maquiavélico de la historia, ejerce una dominación sobre todos los personajes de la misma. Aunque en el fondo no siente nada por ninguno, ellos representan los medios para satisfacer su obsesión de crear una piel única en su especie. Una especie de Victor Frankestein postmoderno, un tanto lujurioso –extraña e hilarante combinación- que termina por confundir el orgullo de su creación por atracción física junto a cuotas exacerbadas de erotismo.

Estas y otras perversiones de índole psicológicas y sexuales, que esta vez extraviaron el romance serán reiterativas durante las casi dos horas de metraje, así que si no está cómodo con estas situaciones es mejor que se abstenga de su visionado.

A resaltar ampliamente el diseño de producción de la obra en su totalidad, la restricción directiva de Almodóvar que va guiado a formar un equilibro ante las actuaciones desmedidas de sus personajes, incluyendo a la actriz Marisa Paredes – la reina por excelencia en la desmesura, - y su línea en el filme un tanto risible, “… llevo la locura en mis entrañas”. Los constantes fetiches de su director como la obsesión, belleza, la locura, venganza, sexo y pasión, aparecen una vez más en este thriller, melodrama horrorífico que toma lugar en una mansión solitaria.

Ciertas simbologías recurrentes le otorgan riqueza como la figura fálica, que se puede apreciar en la máscara que utiliza la protagonista en el poster central, un maniquí que avanza en la calidad de su elaboración – de paja y medio vestido a un exquisito atuendo rojo con collar- invita a pensar en una transición de la protagonista. Y un posible símbolo Ying-Yang que se forma en el rostro de ésta mientras dibuja sombras y luces. Un libro de Louis Bourgeois –escultora francesa fallecida el año pasado- y varias esculturas semejantes a su obra son manipuladas por Vera-la protagonista- , las constantes de Bourgeois, la utilización del cuerpo femenino como objeto, la sexualidad, trauma y alienación parecen entremezclarse con perfección a lo que desea expresar Almodóvar. Vera observa en la televisión una escultura de título “Siete en la cama”. Asimismo, el sentido de querer poseer al “ser amado”, tras ser espiado a través de una pantalla, ya lo habíamos visto en “Los Abrazos Rotos”.

La riqueza artística no es opacada por la historia que bien no tendrá cabida en muchos espectadores que estén cerrados a diferentes formas de expresar sexualidad en el ser humano. Y a pesar de que tuve que tomar cierto tiempo para digerirla después de quedar en un ligero choque mental, aplaudo el regreso maquiavélico de Banderas al cine español que le cae como anillo al dedo.

Escena para no perderse: Absolutamente todas.

Mi recomendación: Por su alto contenido sexual, abstenerse menores de edad, puristas, religiosos extremistas, o personas sensibles a altas dosis de horror psicológico.

THE IDES OF MARCH

2011-12-05T09:33:00.000-08:00

Qué tanto asco nos puede llegar a producir la corrupción política que muy bien parece haberse apegado a aquello de que “el fin justifica los medios”, es la premisa central de esta historia que aunque no revela más allá de lo que promete, por lo menos sienta las bases para inmiscuirse en las trastiendas de la más cruda ambición.

Ryan Gosling, secretario de prensa del gobernador es un feroz idealista que dejaría de lado a quien fuera que entorpeciera su camino, y quien en plenas elecciones primarias presidenciales entrará con bombos y platillos en medio de un enérgico escándalo que pone a prueba sus ya de por sí, escasos valores morales.

Y muy a pesar de su narración lenta, justo después de los primeros cuarenta minutos, cuando se siente que la historia no va para ningún lado, toma fuerza y nos sacude emocionalmente de tal manera que empezamos a verla con otros ojos. Un escándalo está a punto de salir a luz y Gosling hace lo suyo para tratar de “arreglar” el asunto. Pero como buen joven inexperimentado, les ha entregado la carnada perfecta para los grandes tiburones que merodean a su alrededor dispuestos a atacar.

Para aquellos quienes deseen revisar el tráiler para elegir entre verla o no, éste parece no decir nada y todo a la vez. Porque precisamente los puntos claves más celestiales del filme radican en lo innombrable, en lo inmostrable, en lo inexplicable. (Tendrán que verlo por ustedes mismos)

Sentarse por cuarta vez en la silla de director le debe presuponer un gran goce a Clooney quien después de haber “sudado la camiseta” como actor, se le ve que nada en aguas totalmente conocidas.

La razón de éxito de Clooney: ha elegido una historia profundamente sarcástica que raya en el más absurdo de los cinismos y que eleva las disquisiciones profundas acerca de la corrupción, eligiendo un excelso complejo actoral para proporcionarle un exquisito aderezo: Ryan Gosling, Phillip Seymour Hoffman, Paul Giamatti y Marissa Tomei. Y es en estas poderosas actuaciones con las que su bajo presupuesto experimenta el más superlativo de los clímax.

Y como tenemos conocimiento, la generación de noticias y la producción cultural de un país proporciona un imaginario colectivo entre los extranjeros, lo que los invita a señalar un país como peligroso, corrupto, o potencia máxima, y demás infinidades de percepciones que les produzca su mente. Es de saber que Hollywood tiende a señalar a Estados Unidos como el país héroe, entre el resto que somos unos parias del mundo. Razón por la cual para aquellos quienes vemos el filme fuera de su territorio, nos sorprende que se muestre el otro lado de la moneda, el mismo que recurren a esconder por todos los medios a través de posiciones heroicas y muchas veces edulcoradas a su máximo nivel. Por lo tanto, ver la elevada corrupción política de sus protagonistas nos estremece hasta los huesos. Hechos de ficción que bien pueden experimentar cabida en la realidad.

Asimismo, detrás de esta historia podemos ver como se mueven dos pesos pesados de la industria fílmica hollywoodense: George Clooney (director) y Leonardo Dicaprio (productor ejecutivo), y contrario a lo que se podría pensar, en vez de ahogar a quien bien podría ser su contendor para los oscares: Gosling, le ceden el puesto de protagonista. Y Clooney como director le abre el espacio perfecto para que brille en todo su esplendor y como actor le otorga un cara a cara –escena con una iluminación bastante destacable-, que lo pone a prueba. Clooney así, le abre camino para que Gosling madure libremente. Es claro que estos hombres ven a la industria como un monte Everest para escalar, para el cual de manera estratégica necesitan de un equipo que no se pise de manera irracional los talones entre si, sino que se inviten a compenetrarse libremente, premisa que irónicamente es la antítesis de la que aparece en el filme.

Desde aquí le auguro un buen futuro. Esperemos que llegue a los Oscares, y que ojalá a pesar de su disminuido mercadeo y bajo presupuesto logre seducir a los miembros de la academia.

Escena para no perderse: Absolutamente todas.

Mi recomendación: No se pierda de este drama político que sitúa a Gosling como un naciente actor maduro.

COLOMBIANA (VENGANZA DESPIADADA)

2011-11-26T22:20:00.003-08:00

Hay algo que siempre me llama poderosamente la atención de mujeres vengativas representadas en el cine. Ellas llevan consigo ese cierto aire de desazón interna en el alma, mezclado con la necesidad imperiosa de la venganza bajo todas sus formas, ya sean éstas justificables o no. Es así como una Rosario Tijeras, Beatrix Kiddo o Erica Bain, pueden llegar a convertirse fácilmente en alter egos de cualquier mujer que se sienta ultrajada.

Es la fémina que ha sido violentada en su ser más íntimo hasta que el demonio que llevan dentro se les escapa.

Afirmo que me siento representada. Es obvio. Una mujer hace lo que quiere con un arsenal completo de pistolas, metralletas, y técnicas de defensa personal. Y se va vengando de todos los que le hacen daño. Hasta los hombres de tamaño de un dinosaurio son un mero obstáculo para esta mujer de proporciones casi anoréxicas, lo cual, entre otras cosas, es risible. Que si le dieran una de éstas armas a una mujer en un mal día… Ya habría mucho daño en las esquinas. Pero siempre están aquellas armas que podemos empuñar. Aunque se escuche cursi. Las armas del amor. (Que se vea la cursilería de mi cumpleaños).

Entre otros componentes irrisorios está la imagen fugaz de Pablo Escobar al inicio del filme, y la imagen de una Bogotá calurosa y polvorienta.

No obstante, saliéndome de toda fanática y pueril internalización de un claro producto comercial, designar el título de “Colombiana” para una mujer asesina no es precisamente la imagen que el país se puede dar el lujo de tener dados los tiempos que corren, y éste no podría ser un título más inapropiado, justo cuando la nación está dando grandes peleas contra la violencia.

Y el tráiler repite tantas veces como una mantra: “Cataleya, nunca olvides de donde vienes…”. De Colombia, por supuesto. Y como futuras relaciones mentales que extranjeros realicen entre mujer y Colombia estará una asesina.

Varios críticos señalan como una falencia en el filme, la dirección errática de su director, con lo cual tengo que concordar que la fuerza escénica que Saldana le confiere a su rol es casi lo único a rescatar dentro de un sinnúmero de errores, que van desde un guión predecible hasta la selección de un complejo actoral que no van más allá de ser simples obstáculos para la protagonista. Es por tanto obvio que un producto al que se le ven ciertas ruedas flojas no se encamine al 100%.

Entre encuadres de cámara desaprovechados, edición y música claramente superfluas, este filme no logra tomar las riendas de lo que pudo haber sido.

Sin embargo, millones de mujeres seguirán viéndose representadas en una sola que lo hizo todo por el trauma que a ésta le confirió la violenta perdida de sus padres a temprana edad. No es de ninguna forma excusable, pero es entendible.

Escena para no perderse: Cataleya nadando entre tiburones.

Mi recomendación: Solo véala si usted es una mujer con sed de venganza.

“Contagion” o de por qué me estoy lavando las manos cada cinco minutos.

2011-10-30T15:23:00.001-07:00

Una intensa hipocondría, incluso en el espectador más psicológicamente inmune es el resultado más certero que causará el visionado de este filme. Y es la misma razón por la que he retomado los anti-bacteriales de mano y compraré Forsitia en una tienda naturista tan pronto como pueda.

Un virus letal se esparce alrededor del mundo en una proporción desmesurada, y tanto la Organización Mundial de la Salud como las autoridades gubernamentales de Estados Unidos – que sorpresivamente otra vez aparecen salvando al mundo (léase la ironía)-, se ven amenazadas ante la propagación de semejante invasor corpóreo que termina con la vida de millones de personas, causando una instantánea hemorragia cerebral, con síntomas muy parecidos a la influenza. De allí a que la histeria colectiva que se aprecia durante casi dos horas, cale con gran profundidad en la mente del espectador.

Y muy a diferencia de los blockbuster comunes en los que el apocalipsis se ve muy de cerca, -con abruptas y repetitivas secuencias de acción y naves explotando por doquier, alienígenas que secuestran el planeta tierra-, el carácter silencioso y casi traidor del virus que se nos presenta y que eleva de manera exponencial especulaciones y cuestionamientos de todo tipo: políticos, de salubridad, científicos y por supuesto, éticos, pondrá a trastabillar en su relación con otros seres humanos en el día a día, a más de uno.

Con sellos de éxito como la dirección de Steve Soderbergh, a quien reconocemos por su liderazgo en la dirección de actores colectiva y a gran escala que ha manejado desde las Ocean’s 11, 12 y 13, esta vez no da rodeos en demostrar que los actores de peso pueden ser más que simples nombres atractivos para el espectador. Por ello, a fin de superponer la historia como el ser superior, sacrifica el glamour de sus estrellas, mientras las convierte en seres con los que fácilmente nos podríamos identificar.

A pesar de que el complejo actoral es equilibrado, en cuanto a la pacificidad y profesionalismo que representan las actuaciones de estas estrellas en un thriller que sabe más a docudrama, el personaje que más llama la atención tanto por varias implicaciones moralistas, como por el elemento clave y postmoderno que introduce en la historia es representando por Jude Law, quien le da vida a un -por algunos momentos risible y otros excitante-, activista blogger con teorías conspiratorias acerca de la relación de la propagación de los virus y el beneficio que ello podría representar para las compañías farmacéuticas. Se recalca dualmente la importancia de los blogs sobre la masa y la reconocida fortaleza de los emporios mediáticos, y de cómo la información incorrecta, según palabras tomadas del mismo filme, puede llegar a ser más letal que una pandemia médica.

Puede que esta cinta contenga diálogos predecibles y una narración visual un tanto lenta que por momentos pueda perder de vista al espectador acostumbrado a narraciones trepidantes, y que decaiga en el ritmo después de la primera hora, pero se beneficia de tanto una dirección como de actuaciones naturalistas que lo logran establecer junto a fines ulteriores más artísticos que específicamente comerciales.

Cómo el virus se esparce de una manera alarmante, transmutándose de persona a persona, mientras científicos y burócratas buscan contener infructuosamente la situación, la manera casi absurda de la distribución de la vacuna para el mal, y explicaciones científicas donde el virus es un intruso meramente hostil en la propagación del mismo son factores que emergen para demostrarnos la espeluznante plausibilidad de su premisa, en tanto nos recuerda que los desastres se encuentran escondidos en las interacciones mundanas.

Un filme que contagia –afortunadamente no un virus letal-, sino una recalcitrante y perturbadora agonía proveniente de tanto sus personajes principales como de los secundarios, y que va in crescendo conforme que va avanzando el tiempo a través de la lente de Soderbergh.

Escena para no perderse: Absolutamente todas.

Mi recomendación: No se pierda de esta exquisita pieza de arte.

MIDNIGHT IN PARIS

2011-09-13T10:32:00.000-07:00

No soy fanática de Woody Allen. Aunque siempre me llamó la atención su forma de actuar en la pantalla grande, en un sempiterno estado nervioso, casi neurótico, atropellándose las palabras, como si su cerebro se le adelantara a sus cuerdas vocales.

Por lo cual no me cabe duda de cuales fueron las razones por las que Owen Wilson fue seleccionado para el rol principal, tal parece un nuevo alter ego de melena rubia de Allen, con el mismo estado neurasténico en su hablar, tal como si se le estuviera apuntando con un arma en la sien.

Y vemos viajar al personaje de Wilson a través del tiempo, ya no a través de una capsula, ni un increíble artefacto, no, esta vez Allen nos introduce en la simplicidad de un automóvil vintage, para viajar hacia la época dorada de la década de los años 20 en la que encontrar personajes como Ernest Hemingway, Scott Fitzgerald, Pablo Picasso, Salvador Dali, Luis Buñuel, entre otros, es tan sencillo como doblar la esquina, o al sonar de una campana a las doce de la noche.

Gil Pender es el personaje interpretado por el reconocido comediante Owen Wilson, personaje que en esta historia obtiene el beneplácito de reencontrarse con sus ídolos del pasado cara a cara lo cual le presupone un estado compensatorio de felicidad fugaz para aliviar los pesares de la vida misma y, con cual mefistofélica droga, le es sino imposible, por lo menos, insufrible, retornar a su vida regular.

Para complementar el casting encontramos, por su supuesto a la inolvidable Marion Cotillard, - el nuevo ícono artístico de Paris en cuanto a actuación se refiere-, sumado a Michael Sheen – como olvidar al primer ministro en The Queen- y Adrien Brody – El Pianista-Un completo y altamente seleccionado reparto en lo que a talento se refiere es lo que Allen se traía entre manos, por lo cual relatarnos esta historia con la que con otros actores habría pasado de ser más que inverosímil, sarcástica e ingenuamente divertida a un bodrio total.

Michael Sheen brilla como el pedante intelectual quien no gasta oportunidad para realizar comentarios desde su egocéntrico altar, al tiempo que Pender se desespera por ser un hombre de ego mediano quien a pesar de su exitosa labor no se considera a sí mismo igual para enfrentar las eternas elucubraciones del personaje de Sheen.

Por ello, más que la historia misma, se debe señalar que es un guión completamente estructurado, con altas dosis de humor intelectualoide, y que, a pesar de su ucronía no parece rayar en lo absurdo para el espectador.

Hay que agradecerle a Allen, la simplicidad con la que maneja la transportación del personaje hacia otra época, además, por supuesto, de la dirección de actores, el cual es uno de sus fuertes.

Congregar a la denominada “Generación Perdida” en un filme es otro de los magnos logros de Allen que desde ya le ha augurado pasos agigantados hacia los próximos Oscares. Este término es acuñado por la mecenas norteamericana, Gertrude Stein, -Kathy Bates-, quien mantenía una relación estrecha con los nacientes artistas del momento y que a su vez, mantenía su casa como el centro de entrada y salida de escritores, pintores y escultores. Stein, es quien de manera ficcional valora el nuevo proyecto de libro de Gil, por lo cual éste brilla de la emoción, mientras su obra es revisada milimétricamente por este mítico personaje, Pender es objeto de insomnio e incredulidad.

Pasearnos entre la nostalgia de los años 20, los denominados “años locos” en la capital parisina y situarnos transitoriamente a finales del siglo XIX, es otro de los objetivos de Allen, mientras, vemos a Toulousse Latrec, que conversa ampliamente con la ficcional Adriana, -una aspirante a diseñadora de modas que reclama ser la nueva musa de Picasso-, quien también había sido interpretado años antes por Leguízamo en “Moulin Rouge”, por ser un cliente asiduo del mismo.

Y vemos la plena diversión de estos años, donde elementos como la tecnología y antibióticos no tenían cabida. Y asistimos a la comparación entre épocas de las que el mismo Allen ha sacado a relucir en sus entrevistas.

Ya varios filmes nos habían entregado una cuota de París como “Beso Francés”, “Dos días en París”, “Divorcio a la francesa”, o “Le fabuleux Destin d’Amelie Poulain”, (recomendadas todas), algunas que vienen a mi memoria prontamente y miles o millones más de las que no me acuerdo en el instante, no obstante, ninguna había dado un paso firme en el viaje en el tiempo entre la misma ciudad. Y éste es uno de los hallazgos más acérrimos en la historia, confluir dos épocas con un personaje que si bien no logra acoplarse del todo, por lo menos su personalidad paciente y jocosa lo convierte en invitado de honor para permanecer alrededor de estos míticos personajes.

Escena para no perderse: Todas.

Mi recomendación: No se pierda de esta exquisita pieza de arte. Corra ya hacia su cine cercano favorito!

PREMIO BLOGGERO

2011-09-13T10:03:00.000-07:00

Es una gran sorpresa recibir un premio de parte de los lectores, y que más, que los mismos blogger-cinéfilos que son jueces, testigos y compañeros de la travesía que decidimos quienes mantenemos un espacio en la red y que día a día lo alimentamos de nuestra obsesión más férrea: el cine. Hoy, le doy gracias a Gerardo Medina del blog Cinéfagos Anónimos, quien me ha otorgado este premio, en vísperas del segundo año de este blog que se cumplirá en tan sólo siete días.

El premio bloggero tiene como objetivo principal ser una puente de comunicación entre bloggers, una manera de que todos nos conozcamos y de que nuestro trabajo sea un poco más conocido en la blogosfera. Posee cuatro requisitos fundamentales que deben cumplirse:

• Anunciarlo en una entrada de tu blog.

• Premiar a otros 10 blogs amigos y avisarles.

• Poner un enlace al blog que te ha concedido el premio.

• Compartir una frase y explicar por qué te gusta.

Dialoguista de Dialógos Cinéfilos

Giancarlo Verastegui de No es un blog habitual

Alberto de Demasiado Cine

Pabela de La Cinerata

Xavier vidal de Cinoscar y Rarities

Margui de Insensatos en Moria City,

Jose Barriga, de Un blog de Jose Barriga

Damián de Luca de Mas que palabras

John Blutarsky y Capitán Spaulding de La casa de los horrores

Pablo Martinez de El blog de Palitoh

Mi frase proviene de 500 days of Summer, una de los filmes románticos más representativos de esta era.

"For Tom Hanson this was the night that everything changed, that wall Summer so often hit by, the wall of distance of space, of casual that was slowly coming down, a place a few were invited to see".

Espero no ser esnobista en colocarlo en inglés, pero suena mucho mejor así...

Es justo cuando Summer deja entrar a Tom a su corazón, dejándolo ingresar en su espacio... aunque no sería por mucho tiempo...

RISE OF THE PLANET OF THE APES

2011-09-12T15:35:00.001-07:00

Una enorme sensación de que algo le falta al filme es lo que muy seguramente percibirán los espectadores que vayan corriendo a las salas a ver este denominado Blockbuster o superproducción, con el titulo de (R) evolución planeta de los simios, con el que se espera por lo menos dos horas de acción en que estos animales se apoderen del planeta. Pero lo que realmente les aguarda parece ser una precuela de “El planeta de los simios” de 1968 protagonizada por el mítico Charlton Heston.

Aunque el título se encuentra parcialmente lejos de una sincronía con la historia, porque la revolución llega a menos de la mitad, el director juega una carta principal con todas las de la ley logrando un acercamiento entre el simio principal de la historia (Cesar) protagonizado por Andy Serkis, el mismo actor que haría las impresiones faciales y corporales para “El señor de los Anillos” como Gollum, y luego para "King Kong". Reconociendo así su trayectoria en conjunto con su brillante don Kinestésico, no es de esperar que la fusión entre el público y el simio sea casi simbiótica, además de que somos testigos de su nacimiento y posterior evolución.

No obstante, estoy un poco decepcionada de James Franco a quien al parecer todavía le falta fuerza escénica para apropiarse de un rol de científico obsesionado con encontrar la cura contra con el Alzheimer. Su personaje carece de cierta pasión y de sentido guerrero, -según el perfil de un creador-, más aún cuando la vida de su padre está en juego por la misma situación. Franco se encuentra muchas veces desvinculado emocionalmente, lo cual no motiva a sentir nada por su personaje. Y termina siendo manejado más como un títere del director, que un actor con carácter que pueda permitirse el peso de la superproducción.

El verdadero protagonista de este filme es la captura de movimiento de imágenes generadas por computador o CGI, a través de la compañía de Peter Jackson, Weta Digital que se encargó previamente de los efectos de “Avatar” “El señor de los anillos”, “King Kong”, entre otras. Weta es la responsable de que sea difícil creer que estos simios no son de carne y hueso.

Un guión que si mal viene con cierto sabor a inconcluso, en el que la resolución de la historia nos queda muy floja, plantea ciertos oportunos cuestionamientos de manipulación genética en animales, y sus nefastas consecuencias para la población humana.

En cuanto a la generación de la (posiblemente) inexistente droga ALZ 112 o su posterior evolución a la 113, se halla la cura ficcional para la pérdida de las normales funciones cerebrales del ser humano cuando el Alzheimer hace su presencia, añadiéndole funciones extra, como la evolución de las mismas que derivan hacia una mayor potencialización de la capacidad cerebral, algo parecido a la droga de “Sin límites”, la NZT-48.

Como sabemos, la industria fílmica va arrojando historias por doquier según sean los miedos o necesidades del ser humano en la era que le ocupe. Al parecer, estamos preocupados en generar un perfeccionamiento en las células cerebrales, o en poder acaparar mucho más del supuesto 10 o 20% de capacidad a la cual podemos acceder.

Un complejo de efectos especiales que ya habíamos visto, y por lo cual, muy pocas escenas realmente emocionará, y que muy a pesar del excelente trabajo de Weta Digital y de Andy Serkis, éstos quedan parcialmente opacados por la actuación simplona tanto de Franco como de Pinto (Slumdog Millionaire), entre otros. Este filme se reduce a un blockbuster entretenido que ha sido comparado con la creación de Frankestein, el cual se le sale de las manos a Victor, "progenitor" o inventor, tal como al personaje interpretado por Franco, se le escapa Cesar.

Escena para no perderse: Todas.

Mi recomendación: No vaya con altas expectativas y será recompensado.

SUPER 8

2011-08-23T19:16:00.000-07:00

“Yo sé que malas cosas suceden. Pero todavía puedes vivir…”

Para ser honesta, ya estaba un poco cansada de estas historias de alienígenas, de encuentros cercanos del tercer o del cuarto tipo, cuando un elemento muy especial en el tráiler llamó mi atención, cuando un grupo de infantes ruedan una mini-película o cortometraje mientras, misteriosamente un tren se descarrila.

Este filme, “Super 8”, toma su nombre del formato de la cinta de 8mm, -que nace a partir de la década de los 30, pero que conserva su mayor apogeo en la de los 70, precisamente, en la que se desarrolla esta historia-, con la que estos niños pretenden filmar una película entremezclada entre zombies y detectives.

Aunque puede que esta historia, que ciertamente bebe de ciertas fuentes como como “E.T”, o un poco de “Alien”, es innegable que la relación emocional que se teje tanto alrededor de sus personajes como en la relación que se genera con el espectador, llegue a alcances abismales tanto, que el factor alienígena se convierta en un componente casi aislado.

J.J Abrams, el director, recuerda haber tenido ambas esferas de la historia en su mente, tanto la del grupo de niños como una de monstruos, por aparte. Al unirlas, llama a Spielberg y crea la idea original de Super 8, aunque finalmente éste último también tomaría decisiones respecto al filme, por lo cual esta historia ambientada en los años 70 se convertiría más en una oda a aquella época que en un posible remake de filmes como “Los Goonies” u otras que podrían asemejársele.

Una nivelada selección de actores, tanto infantiles como adultos se nos convierte en un exquisito manjar. Aquel grupo de infantes nos recuerda a nuestra niñez, y por qué no, a nuestro actual grupo de amigos en el que cada quien aporta con su personalidad el equilibrio necesario para fortalecer una amistad a gran escala.

A destacar, la maravillosa Elle Fanning, a quien después de haberla visionado en “Somewhere”, -aunque, que me perdone Sofia Coppola sea éste para mi un sincero desperdicio de filme- se perfila como una líder en cuanto a sentido de la verdad se refiere. Finalmente, ella es la que cohesiona a su grupo y los invita a “jugar” libremente. En definitiva, no existe mejor actor que un niño, cuando el poder de la imaginación está en su plenitud, y es precisamente éste el ingrediente más certero que se requiere en un filme de ciencia ficción.

Una brillante composición musical junto a una perfecta dirección de actores de J.J. Abrams, quien abandera la ciencia ficción, cuando series de televisión como “Lost” figuran en su haber. Y quien no habría de ver este filme cuando marcas de éxito en territorio extraterrestre como “Steven Spielberg” figuran en la producción.

Puede que el final nos parezca muy cliché, que el alienígena central de la historia sea muy repetitivo tanto en su estructura anatómica como en sus movimientos, puede que ciertos elementos de heroísmo infantil en esta era nos parezcan además de inverosímil, infructuosos, aún así, nos terminamos creyendo una historia que sabe más a una hermética amistad infantil, -época donde los prejuicios en las relaciones se minimizan-, unidos por la pasión enfermiza de realizar mini filmes en un formato super 8, tal vez en una oda que el mismo J.J. ABrams, también guionista, le haría a la remembranza de los inicios del mismo Spielberg quien a sus doce años ya filmaba en el mismo formato.

Un guión bastante predecible no nos amilana la confianza depositada en este filme que señala la relevancia de la amistad que se genera en la niñez, más aún cuando ésta se ve a prueba a través de encuentros cercanos con una experiencia alienígena, finalmente, un filme que nos hace envidiar el pasado de una infancia en la que la vida nos parecía más simple y divertida y menos sombría.

Escena para no perderse: Absolutamente todas. Mención especial para la filmación en Super 8 cuando el tren se descarrila.

Mi recomendación: No vaya con altas expectativas y será muy recompensado.

LA FLOR DEL DESIERTO

2011-07-27T19:50:00.000-07:00

Creerse un cuento de hadas es difícil cuando la historia no proviene de la realidad misma. Tenía que verlo para aceptar que era cierto. Y precisamente esta cenicienta existe, es la anterior top model y actual escritora, Waris Dirie, una activista de los derechos para prohibir la circuncisión femenina en algunos países de Africa, Medio Oriente y otros lugares.

Hablar de ablación genital femenina en el nuevo continente parece absurdo (y gracias a Dios que lo es), por ello, me fui en la búsqueda de una historia que abandera como mejor carta la realidad. Y pensé que sufriría tanto o más, aunque al final me llevé una sorpresa al verificar que es bastante digerible para el espectador común, a pesar de una que otra escena en la que dichas mutilaciones hacen su presencia.

Cuestionamientos se me vienen a la cabeza mientras la veo. ¿Qué tan factible es que dicha cultura pueda entender que éste proceso en el que millones de niñas mueren diariamente debe ser detenido o, por lo menos, minimizado en su más bajo porcentaje?

Fallas como la actuación mediana de la protagonista, Liya Kebede, -quien es una modelo-, uno que otro ritmo calmado en la narración y una composición musical bastante anacrónica para los tiempos actuales, que nos distrae un poco de la narración, además de varios flashbacks y flashforwards que casi nos pierden, son compensados por varios soportes secundarios en la actuación que brillan por su sentido de la verdad, no sin mencionar, una historia que por su contenido ágil y su narración directa se preguntan por qué “La flor del desierto” no pudo haber alcanzado a las salas nacionales.

Una dirección de actores bastante precisa de Sherry Horman, su director, junto a algunos movimientos de cámara un tanto tímidos, me hacen recomendar esta cruel historia, que más cuenta la belleza que la triste realidad de los años que esta mujer tuvo que enfrentar para poder acceder a su vida como supermodelo.

Un largo viaje entre escapar de ser vendida como cuarta esposa a la edad de catorce años, después de ser mutilada a la edad de tres, es una pequeña muestra del valor de Waris quien tuvo que cruzar un desierto para poder llegar mas tarde al éxito. Esas piedras en el desierto no son más que las dificultades que tenemos que afrontar día a día. Como me dice alguien muy cercano, algunos tienen una cruz más pequeña con la que cargan en la vida, otros la llevan más grande. Waris, cargó su cruz durante años y ahora es la vocera en contra de la mutilación femenina. Para algunos espantar los demonios cuesta un poco más de lo necesario, esperemos que haya más flores en la mitad del desierto y que cada uno de nosotros pueda encontrarla finalmente.

Escena para no perderse: Absolutamente todas.

Mi recomendación: Es una historia bastante promedio para la calidad de la historia real, aún así vale la pena verla.

LIMITLESS

2011-07-21T16:51:00.001-07:00

Si todos tuviéramos acceso a una píldora que nos presionara a utilizar más allá del 20% del cerebro que normalmente se utiliza, la tomaríamos sin ninguna duda. La pregunta estaría aquí: ¿comprometería usted su futura salud por dichas raciones de genialidad?

Hay algo que debo agradecerle a la producción de este filme, entre otros muchos elementos y es el casting de Bradley Cooper y el de un poco agotado, pero siempre preciso, Robert de Niro.

Nada pude disfrutar más que la creación del personaje de Edward Morra, el escritor con problemas de creatividad, en la fase crítica de la inexistencia de la anhelada “musa” y su metamorfosis hacia su lado oscuro, un hombre temiblemente ególatra, que brilla a través de la adictiva pastilla NZT la cual produce una prodigiosa agudeza mental de la cual liberarse le resulta sino imposible, por lo menos insufrible.

Uno que otro ajuste en el guión no le habría caído mal a este thriller, pero como ya estamos acostumbrados a dichos desajustes en las historias terminamos creyéndola entera, sumándole, la carismática presencia de Cooper, agradeciendo, además, una edición y voz en off que cuenta en un ritmo in crescendo y tan vertiginoso, que asemeja a una anterior “Fight Club”, por lo cual no hace sino absorber al espectador y dejarlo sediento y estupefacto.

Neil Burger, su director, quien ya nos había dejado absortos con “El Ilusionista” regresa para que pidamos más minutos de esta droga, un poco más adictiva que la usual carga de NZT del protagonista, refleja además que tiene un pulso excelente para sacar el máximo provecho de sus actores, hasta dejarlos exhaustos, prácticamente rogando.

Burger, igualmente, maneja un exquisito talento técnico en acercamientos y alejamientos de la cámara que lo transfiguran a un excelente festín visual para demostrar la paranoia, en tanto en que ejemplifica magistralmente la forma en como el cerebro produce la creación de alucinaciones como el temible efecto secundario de la pastilla.G

Una unificación entre las múltiples inteligencias del cerebro, de las cuales actualmente se habla de siete clases, es la muestra que Burger junto a Cooper, De Niro y su equipo técnico nos han dejado para analizar, en cuanto como seríamos si utilizáramos todo o si fuera posible, un mayor porcentaje de lo que normalmente se conoce “utilizable”, y así, poder aprender idiomas en un día, aprender a tocar el piano en otro, son sólo un poco de la muestra de lo que podríamos hacer si una droga como NZT existiera.

Escena para no perderse: Absolutamente todas. Especial mención para la escena de las letras desplomando, no hay mejor forma de explicar la creatividad de un escritor!!!

Mi recomendación: No se pierda de esta exquisita pieza de arte.

FAST FIVE

2011-05-07T15:30:00.000-07:00

Con una amplia sonrisa y gran satisfacción salí de la sala de cine. Como gran seguidora a esta saga de acción, me remití a ir el día de su estreno. Un tráiler en el que la pesada bóveda de un banco es arrastrada por dos carros marca Dodge, -presuntamente- por todo Rio de Janeiro destruyendo todo a su paso, llamó mi atención.

Tenía un presentimiento de que no sería decepcionada. Y pasó más que solo eso. No sólo no fui decepcionada, sino que hubo varios elementos sorpresas para mí que no quise ahondar mucho en la búsqueda de imágenes o datos técnicos mientras su pre-producción.

Y cuando ingresamos al rápido de Five que ésta vez extravió el furioso, vemos el Cristo Redentor, símbolo art-déco inconfundible de la religiosidad en Brasil, y Justin Li, su director, hace gala de esta imagen reiteradamente para posicionar a su elenco multicultural en Rio de Janeiro, y los transporta hacia el lado sublime de la ciudad y, de la misma forma, los traslada hacia el punto deteriorado de la misma: las reconocidas favelas o asentamientos precarios en el cinturón de la miseria. Este contraste ya había sido resaltado en Ciudad de Dios o sin irnos tan lejos, en el filme animado Rio.

La icónica dupla equilibrada entre la fuerza y la dulzura de Toretto Y O’Conner, vuelve a brillar una vez más, con más fulgor que en las pasadas entregas. Ellos no necesitan excelsos momentos de actuación, porque el filme busca concentrarse en hacerle honor a su nombre a través de un elemento que se repite a sí mismo y no se desgasta: la adrenalina.

Y éste es precisamente uno de los motores de combustión –acaso el principal- que los enciende cada vez que se avistan los unos a los otros. Y ésta es la razón por la que sus seguidores hacen largas filas para poder verlos nuevamente, porque son la encarnación de la más pura libertad, de la manifestación de un ego creciente, la perenne búsqueda de la satisfacción propia por encima de todo y la creencia de que todo es posible en cuanto a extraer dinero de manera ilícita se refiere.

“Huir no es libertad”, es la consigna que invariablemente se repite a sí mismo Dominic Toretto -a través de la franquicia- cada vez que se le insta a irse para evitar su aprehensión. La primera entrada a escena de Toretto es vitoreada igualmente por hombres y mujeres, quien a pesar de ser un refugiado de la justicia es capaz de llegar a una sensiblería extrema sin derramar una lágrima.

Y para hacerle contraparte a Vin Diesel, no se necesita un agente especial analítico y sagaz, lo que se busca es un gigante que lo aplaste, aparece “The Rock”, o Dwayne Johnson, reconocido por su rol en El Rey Escorpión, quien finalmente cumple su papel de manera estricta en lo que es requerido: servirle de una ligera obstrucción en los planes de Toretto.

El ensamblaje actoral entre la diversa etnicidad del elenco que responde a la búsqueda de ampliar el target objetivo en el público, tanto en que éste tenga una cuota de representación en el filme tanto por raza como por edad, genera un equilibrio entre personalidades que crea una conexión con la audiencia en desmesuradas proporciones.

Como en todas las entregas de Fast, repite un estricto y seleccionado parque automotor como el actor más valioso, responsabilidad directa de Dennis McCarthy, -coordinador especial-. Un total de 200 de ellos destruidos que iban siendo reconstruidos en la noche para ser reutilizados en el día, según datos de producción.

Una cinematografía excelsa en Rio de Janeiro, junto a un, sino perfecto, por lo menos atractivo, ensamblaje actoral, un guión que responde estrictamente a lineamientos preestablecidos en esta franquicia, varias escenas cargadas de altas dosis de humor y brillantes secuencias de acción, muchas de ellas que contradicen toda ley física, y que aún así lo ignoramos, convierten a este filme en un espectáculo para todo ferviente seguidor de la saga.

Escena para no perderse: Absolutamente todas. Especial mención para el arrastre de la bóveda.

Mi recomendación: No se pierda de esta pieza de acción. Y quédese después de los créditos. Una sorpresa le aguarda!

AGUA PARA ELEFANTES

2011-05-01T17:28:00.000-07:00

Teniendo en cuenta que el amor es un elemento de gran poder atractivo en las historias, y, tal como James Cameron se aventurara años atrás a valerse de los personajes de Jack y Rose para mostrar el hundimiento del Titanic, Sara Gruen, la autora del libro Agua para elefantes propone explorar esta obra como un compendio de la crueldad ante los animales a través de una historia de amor.

Y precisamente, es así como me gustaría ver más este filme, cuando el amor es un pretexto para puntualizar otros elementos, porque la relación amorosa entre los personajes interpretados por Pattison y Witherspoon cae en profundas aguas abismales, muy a pesar de los reiterativos e infructuosos esfuerzos de ésta última por demostrarnos que son el uno para el otro.

Es probable que muchas mujeres se encuentren rendidas por los incipientes encantos de Pattison, -que se semejan a los inicios a otro actor quien empezó a relacionarse íntimamente con sus personajes de manera tardía-, pero es definitivo que el casting de éste fue un desastre para la producción entera. Que es probable que alcance altos niveles de audiencia? Por supuesto que si. Una cosa es la belleza y otra muy distinta el talento. Y la belleza en el negocio del cine Hollywoodense, tal como se viene probando en años de recaudación económica, es casi que indispensable.

Y como todo héroe necesita un villano, tenemos a Christoph Waltz quien una vez más prueba la riqueza exploratoria de sus personajes oscuros que no se repiten a si mismos, y quien logra, a pesar de ser el verdugo de crueldades extremas e inexcusables, que las ignoremos y hasta por poco, perdonarlo.

Las restringidas locaciones utilizadas no empobrecen a la historia, al contrario, le otorgan cierta familiaridad al espectador, cual si entráramos en una casa para instalarnos ahí, cuando, precisamente lo que se desea señalar es la integración entre los distintos habitantes de un circo. Dicha relación se engrana a la perfección.

Otro elemento que aporta al detrimento del filme es el total despilfarro en su belleza cinematográfica, evocando a través de la lente y el vestuario, entre muchos otros menesteres artísticos, el contraste entre la depresión de los años 30 y la búsqueda constante de la elegancia exterior a pesar del período, que al parecer era constante entre ciertas personas de la época.

Fallos como una posible adaptación del guión, de una historia que si bien logra establecer ciertas denuncias en contra de la crueldad ante los animales, no logra conmover del todo, sumado a una obvia falta de química entre los personajes principales, y una dirección de actores ausente, que es constante en todo el filme, hunden esta historia tanto como el Titanic, a la cual irónicamente parece haberle prestado su inicio.

Escena para no perderse: Todas donde esté la elefante y Waltz, por supuesto.

Mi recomendación: No vaya con las expectativas muy altas y no será decepcionado.

BIUTIFUL

2011-04-09T15:53:00.000-07:00

He salido de la sala pensando en que quería abrazar a Uxbal o a Bardem, ya no tenía idea si era el mismo, o si acaso era posible que en una anterior vida, este actor haya sido Uxbal.

Alejandro Gónzales Iñarritu, el director, nos viene acostumbrando a este tipo de historias en la que la pieza clave de la estructura de sus relatos se concentra en una conexión monolítica, y muy a pesar de su divorcio profesional con Guillermo Arriga –que a mi parecer es una de las catástrofes más grandes del cine actual-, Iñarritu logra en este filme mantener la usual interacción entre historias sin arruinar la principal.

Paralelamente, algunos de sus detractores tienden a señalar la extensa capacidad manipulativa de Iñarritu para mantener al espectador en una incesante angustia, y, extrañamente, ésta misma habilidad es la que lo ha posicionado como un director que sabe como apropiarse y destilar la verdadera agonía de la vida a través de sus imágenes.

Punto a favor. Bardem ha logrado sobrepasar las barreras de lo meramente ficticio y ha conseguido sumergirse de manera tan profunda, que es imposible diferenciar hasta donde llega él y donde comienzan sus personajes, y, a pesar de lo que se pudo haber pronosticado en lo que a su inclusión en el cine hollywoodense se refiere, éste talento no se ha visto desvirtuado en ningún momento.

Desde su complexión física, hasta la comunicación corporal que nos ofrece, en la que su personaje da pasos cortos demostrando una plena inseguridad con la vida, Bardem demuestra que tiene el absoluto control sobre su personaje y que no se le escapa hacia una posible sobreactuación ni tampoco le resta vida con una exploración mediocre.

Y vemos a Uxbal, y sufrimos con él, y lo acompañamos en una pluralidad de angustias, de ires y venires que marcan una vida llena de tragedias, y terminamos cuestionándole sus actitudes, sus errores que van enmarcados en una dicotomía moral que por conectarnos y amarlo, hace que se nos olviden sus crímenes y los pasemos por alto, como un acto altruista de perdonarlo a pesar de.

Uxbal es un personaje que poco se ve en la ficción, pero de la que estoy casi segura, podrá verse ampliamente en la realidad, luchando por lo inalcanzable, con una urgida programación mental de proteger y conservar su propia especie, sin importar los medios que se utilicen para ello.

En cuanto a fondo musical, reaparecen las cuerdas que hicieran famoso a Santaolalla en “21 gramos”, que se introducen para anunciar al enemigo, -esas etapas amargas de la vida-, en conjunto con una cinematografía de una amplia riqueza exploratoria, y una cámara en cinema verité que baila incesablemente al compás de Bardem.

La presencia de un alma compungida perennemente – la mía- a través de este filme que de Biutiful solo tiene el nombre, y que introduce de una manera sagaz ciertas dosis de horror en medio del drama con contados respiros, me obliga a recomendarlo muy a pesar de las aflicciones internas que pueda generar.

Porque una historia tan bien contada hace que sea imposible pensar que no es real.

Escena para no perderse: Todas.

Mi recomendación: Por su amplio metraje (casi las dos horas y media), y ciertas dosis de horror, si usted es una persona muy sensible, no la recomiendo para horas nocturnas.

LOS OJOS DE JULIA

2011-03-30T14:44:00.000-07:00

Dos horas de taquicardia seguidas más una posterior al filme fue lo que conseguí tras este visionado.

Y aún así, no pude dejar de verlo.

Mi curiosidad venía reafirmada con tres nombres asociados: Guillermo del Toro, Belén Rueda y Luis Homar. No podría escaparme de ellos ni aunque quisiera. Incluso la más férrea de mis voluntades no me lo permitiría.

Y así fue como ingresé al horror de Guillem Morales, su director, el culpable de las tres horas que experimenté con el corazón palpitando en un ritmo infrecuente, quien no se cansa en demostrar,- a través de un filme que se toma mucho más allá del metraje necesario-, que es posible poder experimentar el horror sin arrojar sangre a por doquier.

Penetrantes escenas cargadas de erotismo en medio del horror hacen que esté terriblemente decepcionada de no seguir viendo a Luis Homar quien tiene una aparición significativa en calidad, aunque disminuida en tiempo. Homar, impregnado siempre de ese inconfundible halo erótico que destila en cada una de sus miradas y diálogos, es el único capaz de brindarnos los contados respiros que la historia requiere.

Y precisamente, dichos respiros al ser casi nulos en una historia en la que los conflictos de Julia van ligados en una cadena casi interminable de infortunados sucesos, generan una alta tensión que muy lejos de ser contemplativa –salvo en contadas escenas-, engendran una adicción cual mefistofélica droga.

Una de las mejores escenas de iluminación que no había percibido en mucho tiempo, captó mi atención en la que la luz proviene de una cámara fotográfica antigua y que va intermitente junto a la desesperación del personaje central. Una escena que tendrá una invaluable dualidad en tanto que podrá ser apreciada por los amantes del arte, y sufrida de manera simultánea por el espectador común.

Una brillante composición técnica, en la que planos inusuales, hacen un festín visual de la amplia gama de posibilidades en las que la cámara pude presentarse en beneficio y no en detrimento de la historia, en la que se ocultan ciertos planos u objetos, porque precisamente le tememos a lo que no se ve.

Y si la fe es la certeza de lo que no se ve, entonces, Julia padece de una fe ciega -literal y no- en que puede encontrar al supuesto “asesino” de su hermana. El personaje de Julia cuestiona al espectador en tanto si es necesario o no repetir la historia de su hermana ya que puede que persiga un similar destino con la misma enfermedad degenerativa del sentido de la vista, que la convierte en presa fácil tanto de la realidad como de una potencial esquizofrenia.

Como algo muy personal hay un guiño a "Psicosis" de Hitchcock que me pareció excesivo e infructuoso, hace que la plausibilidad del guión decaiga invariablemente al final, aunque el filme sea salvado posteriormente por la habilidad del suspense de Morales para retomarla.

Diálogos que fluctúan entre el erotismo, la poesía y el horror; memorables actuaciones tanto de Belén Rueda como de Luis Homar, y muy a pesar de alguna sobreactuación de un secundario y un metraje más largo de lo necesario; una cinematografía de tonos grisáceos y oscuros, una dirección técnica que pulula horror y adicción al por doquier se convergen para posicionar a este filme como una joyita para el séptimo arte.

Una inconfundible muestra de cuando el cine comercial y el artístico se entremezclan para seducir a cualquier espectador. Y un gendarme imprescindible para señalar que brotar excesivas cantidades de sangre no es lo único que puede generar una taquicardia.

Escena para no perderse: No se preocupe, que no querrá perderse una.

Mi recomendación: si usted es propenso a problemas del corazón absténgase de su visionado.

“THE MECHANIC” O DE CÓMO JASON STATHAM SE LANZÓ DESDE EL PUENTE PUMAREJO.

2011-03-21T18:22:00.000-07:00

No sé si sentirme molesta o halagada. Este filme abre con una escena donde el protagonista, -que es un asesino a sueldo-, llega a Barranquilla, Colombia, ciudad donde vivo, a aniquilar a un supuesto jefe del cartel de droga, acto seguido corre a lanzarse de un puente, al cual increíblemente llega en cuestión de minutos, que presumo que es el Pumarejo.

Si esto no es risible en una historia, entonces, ¿qué lo es?

Precisamente en un taller de crítica al que asistí, se hablaba de los momentos no convencionales que no nos creemos cuando un filme presenta al lugar o situaciones relacionadas directamente con lugares que le son comunes a alguien.

Ese inicio presenta varios desequilibrios, entre el lugar que a leguas se nota no tiene nada que ver con la ciudad, hasta los guardaespaldas del supuesto Jefe del cartel que tienen presencia física de mexicanos. Incluso del hangar donde llega el avión privado del presunto narco, desconozco cuantos hangares habrá distintos a los del Aeropuerto Ernesto Cortissoz, pero dudo que sea tan fácil su aterrizaje.

Ahora, dejando a un lado estos hechos que se desvían de toda realidad que un productor podría haber averiguado, me limitaré a referirme a otros ítems.

Esta historia es un remake del año 1972 con Charles Bronson, en el que un “Mecánico” es un asesino a sueldo empleado por una organización delictiva en la que tiene “contratos” para aniquilar ciertos objetivos vía encargos personales.

No podría manifestar que tan inconexa o no sea la historia con su predecesora, lo que puedo aseverar es que tanto la presencia de Jason Statham en la pantalla grande como la de Ben Foster, no solo acaparará la atención de las mujeres. Statham, es poseedor de una alexitimia visual –le doy crédito a mi hermana porque es fanática de este actor y me guio a éste término-, que le hace merecedor a estar bien posicionado en el género de acción.

Ahora, hay una línea principal en la relación de maestro-aprendiz entre los personajes interpretados por Statham y Foster, que es la que termina sosteniendo el filme sin que se decaiga su fuerza narrativa, y que algunos críticos han tildado de “homo-erótica”, para mi es diferente a eso, es una relación que logra sostenerse entre la admiración Vs complejo de culpa, manteniendo una relación de equilibrio entre el autocontrol restringido (Statham) y la impulsividad e instinto asesino (Foster).

Una historia que si bien no le aporta nada nuevo al género, ni presenta escenas de acción muy impresionantes, pero que lleva consigo ciertos puntos de giro muy efectistas que cumplirán a cabalidad el propósito final del filme: un thriller palomitero que sobresale del resto debido a la apabullante presencia física tanto de Statham como de Foster y que se beneficia igualmente, de la sabiduría actoral de Donald Sutherland.

Escena para no perderse: Todas.

Mi recomendación: No se pierda este filme si es amante de la acción.

OF GODS AND MEN

2011-03-17T17:39:00.000-07:00

“Ustedes son dioses; son todos hijos del Altísimo. Pero morirán como simples mortales y caerán como cualquier otro gobernante”.
Salmo 82

Cada vez que veo un filme francés me quedo con una dual sensación: de felicidad y tristeza. Felicidad, porque este es el cine que más disfruto, y tristeza porque hace muchos años me prometí estudiar el idioma para poder verlo sin subtítulos, y todavía me lo debo.

Y precisamente hoy, esta sensación se me ha triplicado.

No hay mayor lucha interna que una decisión, más aún si esta elección viene motivada por el dilema moral representado acuciosamente entre la presión de la fe y un grupo islámico terrorista que impide que ocho monjes franceses sigan manteniendo una convivencia pacífica en un monasterio al ser secuestrados.

A pesar de la longitud extrema que este filme pudiera parecer ante sus espectadores, Xavier Beauvois, -su director-, parece que no tuviera prisa alguna en adelantarse a los hechos, busca incesantemente en narrar cada una de las acciones con la mayor paciencia del mundo, que se dividen entre los múltiples quehaceres de los monjes en el monasterio y los problemas que se les presentan en el exterior.

La cinematografía austera tanto del monasterio argeliano, como de lo que lo rodea, combina con el equilibrio de octeto de actores que si bien ostentan disímiles tipos de personalidad, no se dejan entrever tanto como la de los principales, Christian – el merovingio de Matrix,- y Luc.

Una restricción emocional colectiva de gran pureza logró captar mi mayor atención, en tanto que los ocho hombres respiran una superlativa religiosidad por donde se les mire. Casi que dan ganas de ir a confesarse con cualquiera de ellos.

Y es en Christian donde la historia refleja su mayor eco, quien se confirma como la mayor acepción de la fe. Ha sido el elegido para representar a sus colegas y realiza todo lo que un excelente líder debe: no despotrica ante la posición que se le ha brindado de manera unánime, protegiendo –inclusive con su propia vida- a sus “subalternos”, les deja decidir sobre su futuro, de manera simultánea los acompaña libremente en sus decisiones.

Mi mayor júbilo lo obtuve en la cena donde la pieza musical de “El lago de los cisnes” de Tchaikovsky hace su presencia, casi, casi que pensé que Natalie Portman iba a saltar encima de la mesa para alegrarles un poco la existencia ante un performance, a pesar de que estas ilusiones se me extraviaron, afirmo que esta escena sino hará soltar una cuantas lágrimas, por lo menos desarrollará un grave nudo en la garganta.

Muy a pesar de las limitadas locaciones, entre cánticos y posibles resquebrajamientos de la fe, este filme señala cuestionamientos de moral al tratar de equilibrar dos grupos que manejan fuerzas distintas, unos guiados a través de las armas y otros, con el poder de la oración.

Escena para no perderse: La cena con “El lago de los cisnes” de Tchaikovsky.

Mi recomendación: El tempo lento del filme puede que invite a un ulterior desánimo, tenga paciencia y espere su clímax. Será recompensado.

LOS COLORES DE LA MONTAÑA

2011-03-12T17:24:00.000-08:00

Puede que a Colombia le sea tan inherente la violencia, que muchos de sus ciudadanos elijamos por momentos desconectarnos de la realidad que se ve a través de los medios. Decidamos no leer, no ver noticieros, ni enterarnos a través de la web. Algunos porque nos duele en extremo el país y otros, porque simplemente hemos perdido la fe en él.

Y puede, que sea necesario que un filme nos toque la puerta, nos interrogue acerca del futuro que le estamos dejando a nuestros hijos, nietos, sobrinos y demás, y nos coloque el dedo en la llaga que infructuosamente pretendemos tapar con paños de agua tibia.

Tres niños, “Poca luz”, Manuel y Julián han extraviado un balón en la mitad de un campo minado, dicho objeto representa la única felicidad en medio de la zozobra que recogen de la cotidianeidad de los adultos, además de representar un hilo conductor a través de la historia que busca alejarlos de ahí: Manuel escucha un partido de fútbol en la radio tratando de evitar en un momento la realidad que le rodea.

Carlos César Arbeláez, su director, logra apartarse de la violencia misma para ofrecer una mirada que si bien no representa el conflicto armado de frente, nos introduce en este lado oblicuo de desplazamiento, paramilitarismo y fuerzas militares.

Una ópera prima y cine de autor se conjugan para subrayar una denuncia que no requiere de violencia explícita, ni de magnos efectos especiales y que claramente no vacila en implantarnos en el cerebro la idea que es preciso proteger las futuras generaciones del declive moral y resquebrajamiento de las leyes humanitarias internacionales en mitad de un conflicto armado.

Actores naturales enfocados a través de planos, en su mayoría abiertos, encuadres que buscan avistar el horror que experimentan los adultos día que pasa, que no requieren de manipulación por el excelente desempeño de los mismos, estos tres niños,-que parecen apropiados de un comercial de Benetton-, se introducirán en la piel hasta del ser más desviado en sensiblería, hurgarán hasta el más ínfimo corredor y allí se instalarán a sabiendas de que algún día se podrá transitar libremente a través del territorio colombiano.

Un pool de actuaciones equilibradas confirman la presencia de una excelsa dirección de actores a través de la lente de Arbelaez, sumado a una fotografía que resalta de manera exquisita la riqueza natural del país junto a un guión simplista en cuanto a que no se arriesga a ir más allá de lo necesario pero que finalmente cumple a cabalidad el objetivo de su director: mostrar un lado del conflicto a través de la inocencia infantil.

Escena para no perderse: Todas.

Mi recomendación: Apuéstele al cine colombiano esta vez y no se arrepentirá.

RANGO

2011-03-07T14:43:00.001-08:00

Los filmes animados dejaron de ser cosa de niños desde que los laboratorios Pixar introdujeron nuevas formas de narrativa con la que los adultos se sintieron igualmente atraídos.

Precisamente, uno de los elementos que más logró captar mi atención es que este filme, que si bien posee ciertos clichés que pueden funcionar en una historia de aventuras para infantes, también ostenta ciertos diálogos que no serán fácilmente captados por éstos mismos.

Industria Light & Magic es la compañía responsable de la creación del camaleón que debido a sus claras dotes actorales logra abrirse camino en un ambiente tan hostil como el lejano oeste. Gore Verbinski, su director, deja de navegar en las aguas de “Los Piratas del Caribe”, para trasladarse hacia un género que no se distrae en posicionar moralejas. Esta vez el personaje principal, un camaleón asustadizo, con altos valores morales, lucha por buscar su identidad y su puesto en la tierra, al verse enfrentado por un sinnúmero de obstáculos.

Un pool de personajes atípicos señalan las distintas facetas que se pueden explorar en el ser humano, la lechuza, por ejemplo, por ser un ave rapaz, le corresponde integrar un cuarteto de mariachis depresivas e irónicas en forma de narrador omnisciente quienes auguran invariablemente un temible destino para el camaleón.

Aún así, por momentos, creo que se insulta al público, -ni que decir de los niños que son más hábiles para captar este tipo de situaciones- en dichas narraciones de las lechuzas se enfocan en describir lo que se está viendo. Si una imagen te narra algo, ¿para qué aseverarlo nuevamente en el diálogo?

Lamentablemente en su versión en español no tendremos la oportunidad de escuchar la voz de Johhny Depp, igualmente el doblaje al español para animados es el único que celebro, debido a su primario público objetivo.

Arquetipos básicos del western como el indio, el alcalde, dos seres enfrentados a duelo, lenguaje corporal singularmente rudo, se traducen en todo un festín visual para los espectadores afines al género, más aún, un pseudo cameo de “El hombre sin nombre”, Clint Eastwood, quien le otorga un potente sentido de referencia al filme en medio de la fauna desértica, sumado a esto, un agudo llamado a la ecología, sobre el ahorro del agua, precisamente en una villa donde el abastecimiento del precioso líquido es tan escaso como las esperanzas de sus habitantes rodeados de un ambiente precario por donde se le mire.

Rango se introducirá en la piel del público general, sea amante del género animado o no, en la que un camaleón nos brindará la posibilidad de cambiar internamente tantas veces como sea posible. Una gran energía, ironía y elevadas dosis de humor prometen que este filme se verá en el apartado animado de los próximos óscares.

Escena para no perderse: Absolutamente todas

Mi recomendación: Diríjase a la sala con una inmensa cantidad de líquido para beber durante la función, es posible que debido a la temática y realismo desee beber compulsivamente.

CARLOS "EL CHACAL"

2011-03-03T06:26:00.000-08:00

Antes de ingresar al Teatro Adolfo Mejía, sabía de la biografía de “El Chacal” lo mismo que se de la vecina de enfrente de mi casa con la que nunca cruzo palabra.

Por momentos, aparecer virgen antes un discurso fílmico puede jugar en contra y otras veces, te ofrece la posibilidad de conocer alguien por capas, e irte apropiando poco a poco de cada uno de sus gestos y emociones tanto honestas como las brutalmente fingidas.

Uno de los elementos a los que más le temía era poder encontrar en el filme a un actor maduro que pudiese colocar sobre sus hombros el peso de tres horas, ya bastante había tenido con una proyección del día anterior en la que el actor principal luchaba entre su egocentrismo de lucir bien ante la cámara y poder recitar sus líneas de forma convincente.

Si bien por momentos Edgar Ramirez (Carlos) logró obtener este nivel que distingue a los grandes actores de los simples ejecutantes, en algunos otros se perdía con el fin de buscar la sonoridad de sus líneas en perfecto francés. Yo no diría que habla, sino que seduce en cinco idiomas y se torna en un perfecto títere de Olivier Assayas, su director, un francés que denota una fragilidad corpórea que traiciona la imagen que uno podría tener del que manejó los hilos de estos personajes que se salían a toda hora de sus cabales para luchar por sus ideales.

De una duración original de cinco horas -por ser construida inicialmente como una miniserie-, este largometraje ha sido reducido a una versión de 159 minutos que solo se sienten a partir de las dos horas. Dueño de un ritmo vertiginoso en el que no son necesarios efectos especiales de gran envergadura, este filme, abre un necesario espacio de discusión al “humanizar” a un hombre que es considerado como un despiadado terrorista internacional para darle cabida a Carlos, el padre de familia, el narcisista, y lo vemos sufrir, reir y llorar durante una amplia extensión de tiempo, que se nos olvidan sus crímenes y terminamos aplaudiendo su tierno e irónico sentido del humor.

Un desnudo frontal extenso en tiempo del personaje central llamará prontamente la atención de las féminas, mientras que con un recurso que podría ser tomado con morbo por los más moralistas otorga una mayor calidez y compenetración visual con el personaje. De ahí amamos a Carlos tanto que nos duele su crudo final.

Un pool de actuaciones equilibradas, un guión que si bien ha presentado polémicas debido a su inexactitud histórica pero que en su estructura narrativa funciona, este thriller geopolítico que concibo un poco más, un poco menos como un gran alter ego de Assayas, me deja con un exquisito sabor en la boca, sedienta de ver las cinco horas completas.

Más allá de toda concepción técnica, que es igualmente brillante, “Carlos” nos otorga un discurso fílmico lineal que por momentos puede que nos ahogue por la casi ilimitada cantidad de información de la biopic, podrá perder algunos espectadores poco avezados en captar datos de reconstrucciones históricas.

Apuntarse a desmenuzar esta historia basada en hechos reales y, al mismo tiempo deconstruir y reconstruir la imagen que se tiene de un “asesino” se convierte en el mayor logro de Assayas, aquel hombre menudo de voz nerviosa que nos engaña en imagen, responsable de que terminemos amando un hombre cuyos objetos del deseo se dividen entre el sexo, la nicotina y el terrorismo.

PREDICCIONES OSCARES FINALES 2011

2011-02-26T12:33:00.000-08:00

Las siguientes son mis predicciones para la gala de mañana. Están divididas entre lo que pienso que la academia eligirá y mi oscuro deseo para la misma categoría. Espero con ansias que mi oscuro deseo supere al posible consenso de los académicos.
¿Pero quien puede augurar la elección final de 6404 votantes?

Mejor Película
(Academia ) The King’s Speech

(Mi deseo oscuro) The Social Network

Mejor Director
(Academia )David Fincher - The Social Network

( Mi deseo oscuro) David Fincher - The Social Network

Mejor Actor
(Academia )Colin Firth – The King’s Speech

( Mi deseo oscuro)Colin Firth – The King’s Speech

Mejor Actriz
(Academia )Natalie Portman – Black Swan

( Mi deseo oscuro)Natalie Portman – Black Swan

Mejor Guión Original

(Academia )David Seidler- The king’s Speech

( Mi deseo oscuro) Christopher Nolan - Inception

Mejor Guión Adaptado

(Academia )Aaron Sorkin- The Social Network

( Mi deseo oscuro) Aaron Sorkin- The Social Network

Mejor Actor de Reparto

(Academia) Christian Bale – The Figther

(Mi deseo oscuro) Christian Bale- The Fighter

Mejor Actriz de Reparto

(Academia) Melissa Leo – The Fighter

(Mi deseo oscuro) Hailee Steinfield - True Grit

Mejor Película Extranjera

(Academia) In a better world

(Mi deseo oscuro) Biutiful

Mejor Película Animada

(Academia) Toy Story 3

(Mi deseo oscuro) How to train your dragon

Mejor Edición

(Academia)127 Hours

(Mi deseo oscuro) 127 Hours

Mejor Fotografía

(Academia) True Grit

(Mi deseo oscuro) Black Swan

Mejor Dirección Artística

(Academia) Inception

(Mi deseo oscuro) Inception

Mejor Vestuario

(Academia) The King’s Speech

(Mi deseo oscuro)Alice in Wonderland

Mejor Mezcla de Sonido

(Academia) The Social Network

(Mi deseo Oscuro) Inception

Mejor Edición de Sonido

(Academia) Inception

(Mi deseo oscuro) Inception

Mejor Partitura o banda sonora

(Academia) Trent Reznor- The Social Network

(Mi deseo oscuro) Trent reznor - The Social Network

Mejor Canción Original

(Academia) We belong together – Toy Story 3

(Mi oscuro deseo) I see the light (Tangled)

Mejor Maquillaje

(Academia) The Wolfman

(Mi oscuro deseo) The Wolfman

Mejores Efectos Visuales

(Academia) Inception

(Mi oscuro deseo) Inception

Mejor Documental

(Academia) Inside Job

(Mi oscuro deseo) Inside Job

CARANCHO

2011-02-21T16:56:00.000-08:00

Tenía que ver a Ricardo Darín nuevamente. Ya iba muy pendiente del próximo movimiento que haría en su trayectoria fílmica. Ir trasladándose por los costados, dejando atrás la línea recta de un mismo personaje es la opción más acertada en una carrera prolífica en la actuación, ejemplos de ellos me sobran, ya los comentaré más adelante.

Darín personifica ahora un anti-héroe en contraste con su personaje anterior, en "El Secreto de sus ojos". Un “carancho” se define como un ave rapaz, -casi siempre solitaria- que habita en Surámerica y se alimenta de carroña (carne de animales muertos). Precisamente a eso le apunta el director, Pablo Trapero, con una asociación precisa de los abogados que se especializan en nutrirse día a día de la muerte.

En este filme que se centra en las indemnizaciones generadas por los accidentes de tránsito que ocurren en Argentina, si bien lo que más logra destacarse es la actuación de Darín, -la cual se va depurando cada vez más como el buen vino-, no se podría aseverar lo mismo de su co- protagonista, Martina Gusmán, quien le resta fuerza a la historia debido a un fingido exceso de naturalidad que a veces raya en la alexitimia visual.

Darín se encuentra en el punto clímax de relación con el público, en el que le creeríamos cualquier cosa, tal como un prodigioso actor de tablas podría hacerlo.

Un guión que trabaja con una línea argumental simple, trágica y cruda que logra airosamente mantenerse a flote a pesar de sus pocas falencias. Su composición técnica -secuencias extensas y planos cerrados- está enmarcada a través de una estética visual precisa que supera a la historia misma.

Su director, no se enfrasca simplemente en presentar la denuncia social, sino que además le añade fragmentos más intensos a este thriller psicológico que no se distrae en señalar una carencia de los valores éticos en una oficina ilegal de cobro de indemnizaciones por accidente y un sistema de salud con la misma fragilidad de un hueso roto.

Puede que ‘Carancho’ no posea la fuerza narrativa que esperamos, debido un tempo lento que por momentos puede que invite al desanimo, pero sin duda su final con cualidades visiblemente europeas –en cuanto a su discurso fílmico-, nos deja un exquisito sinsabor en la boca, mientras le otorgamos a este filme con cara de documental la idea que el cine suramericano se encuentra en uno de sus mejores momentos.

Escena para no perderse: Su estremecedor final.

Mi recomendación: No deje que su pausado ritmo le distraiga de no seguir viéndola.

LAS 10 MEJORES PELICULAS DEL 2010

2011-02-05T18:36:00.000-08:00

Nota aclaratoria: Las seleccionadas son de gusto personal y por supuesto, transferible.

1. The Social Network
Para algunos ésta historia les puede sonar algo superficial, aunque tener en cuenta el inicio de una industria que genera miles de millones de dólares orquestado por David Fincher es un visionado que no se nos debe escapar. Fincher, quien nos ha acostumbrado a lados oscuros del ser humano –los más divertidos y a la vez complejos de explorar-, en filmes anteriores, maneja de manera excelsa una línea argumental muy simple que si hubiese sido tomada por otro director con menos atención hacia lo humano, la habría destrozado completamente.

2. The King’s Speech
Una de sus mayores ventajas es tener a un actor en el punto clímax de su carrera. De ahí parte hacia un trío actoral que raya en la perfección absurda, sumado a una dirección de arte exquisita. En cuanto a términos de diálogos, dar a conocer la amistad en la edad madura de dos hombres que fraternizan con dulzura, sabiduría y brutal honestidad directa hace que el público se derrita. Una línea argumental simple y restringida le otorga la calidez necesaria para que una película de época se haga muy digerible.

3. Inception
Un filme que tiene muchas lecturas en cuanto a términos de guión, que a primera vista discurre entre como discernir entre lo real y lo fantástico en los seres humanos. “El Origen” puso de moda a Freud nuevamente, hizo que pensáramos en implantar ideas en el subconsciente a través de equipos que sin tanta ciencia ficción, nos habrían parecido estúpidos y obsoletos. Girar una calle en 180 grados, un tren que ingresa en medio de la nada, la escalera Penrose son algunos de los detalles que más emocionan en igual proporción a sus perpetradores que a sus fanáticos. Un tremendo festín de lo visual como éste no podría ser ignorado por los expertos de la academia.

4. Shutter Island
Uno de los grandes maestros del thriller como Scorsese era imposible que no dejara rastro en esta lista, y que su cinematografía haya sido ignorada por la academia ha sido de los más grandes absurdos de este año. Una adaptación de la novela del mismo nombre de Dennis Lehane, responsable por títulos como “Gone baby gone” y “Mystic River”. Brillantes actuaciones de Sir Ben Kingsley, Mark Ruffalo y Dicaprio, sumado a un manejo milimétrico de sus detalles, que solo un experto en la materia podría conocer. Una unidad de lugar que ofrece pluralidades de opciones para explorar artísticamente como humanamente y juegos de la mente señalan a este filme como una de las obras maestras de este año.

5. Black Swan
Un orgasmo intelectual. Tan simple como eso. Brillar bajo la lente de Aronofsky, mostrando la delgada línea que reside maquiavélicamente entre la sanidad mental y las alucinaciones profundas, es la mejor carta de este filme para su guía hacia la academia. Darle un excesivo peso al personaje central puede que algunas veces juegue en contra, pero ésta es una maravillosa excepción. Simbologías recurrentes y un decisivo y tensionante ritmo in crescendo le confieren a su clímax la belleza única que el cine como arte nos puede brindar.

6. Winter’s Bone
Para ser honesta en los primeros 20 minutos de su visionado pensé que estaba viendo exactamente su titulo, “El hueso del invierno”, para quienes no están familiarizados con la jerga colombiana, un hueso vendría siendo algo de muy baja calidad. Luego, se observa a Lawrence, su protagonista, que no se pierde en el rol y lucha casi que infructuosamente por localizar a su padre. Casi que nos pierde por un momento hasta que entra Hawkes –personificando a su tio-, y de ahí nos perdemos en este invierno externo que no es más que la representación inequívoca del suspense interno de Ree. Para quienes hayan pasado por grandes pruebas en su vida y hayan salidos ilesos de ellas podrán comprender sabiamente a Ree y no juzgar sus decisiones.

7. The Ghost Writer
Personalmente adoro los filmes que introducen elementos desconocidos para el público general y logran aferrarse en el subconsciente humano. Un escritor fantasma señala precisamente a aquella persona que es seleccionada para escribir obras sin otorgarle el crédito propio. Polanski, uno de los grandes maestros del suspense gira su vara mágica y les saca el mayor provecho tanto a Mc Gregor como a Pierce Brosnan, quienes a pesar de que no son actores de carácter, brillan detrás de la cinematografía siniestra de su director.

8. Never let me go
Imagínese “The Island” en drama dibujada a través del pincel de Kazuo Ishiguro, -el mismo novelista japonés de “The Remains of the day”-, sumado a la brillante dirección de Mark Romanek. Un drama difícil de ver, de entender en todas sus complejidades debido a la impotencia que deja en el espectador. Personajes que son atrapados y manejados como marionetas sin libertad de pensamiento o de acción, guiados por la siempre precisa actuación de Carey Mulligan.

9. Blue Valentine
Que dos actores puedan mantener el hilo de una historia, sin que decaiga su fuerza narrativa durante casi dos horas, a partir de diálogos extensos, puede que no sea fácil para ver para el espectador común. Un ejemplo de como serían las historias románticas habituales, si todos tuviéramos la capacidad de soportar un drama con pocos respiros a bordo. Bonus extra: Williams y Gosling colocarán de moda las peleas de pareja.

10. 127 Hours
Ver a un hombre cortándose un brazo no es normalmente un ideal para mí. Sangre que corre no justificada en un guión siempre me parece un absurdo. Este no es el caso. Danny Boyle, su director, realza con gran similitud el infortunio que Aaron Ralston –en historia de la vida real- tuvo que pasar mientras caía accidentalmente bajo una roca de grandes proporciones. Su cinematografía y edición convierten a este filme en una excelente elección en lo que el séptimo arte tiene para ofrecer.

LAS 10 MEJORES ACTUACIONES DEL 2010

2011-01-26T15:41:00.000-08:00

Las siguientes opciones son preferencias a titulo personal.

1. Natalie Portman – Black Swan
La primera vez que vi este filme quedé perpleja. Además de Portman, era el ensamblaje actoral que encajaba perfectamente. Una de las mejores formas en que trabaja un actor es acción-respuesta, sino tienes quien te responda con la misma fuerza es difícil hacerlo por si mismo.
Natalie logra darle toda la tensión necesaria a “Nina”, su personaje, y otorgarle esa dualidad que todos tenemos en el interior pero que es difícil explorarla abiertamente. No todos queremos o podemos ser lo suficientemente buenos, ni se nos permite experimentar la oscuridad. Ayudada por ciertos efectos, y maravillosa dirección de Aronofsky, su director, “Nina” se convierte en el personaje emblema de que la dicotomía es posible y puede ser temiblemente asfixiante.

2. Christian Bale – The Fighter
Bale es otro en este rol. Sencillo como eso. Adiós Batman. Adiós belleza. Una de las mejores formas de ingresar en la piel de un personaje es olvidarse del ego propio y olvidarse de sí mismo. Bale abandera esta forma de posicionarse como un buen actor. A pesar de que el no es el rol principal se lleva todo el crédito. Bale no se convierte en el personaje, el ES el personaje.

“The Figther” es un filme muy blando en su estructura narrativa, pero Bale ha hecho este filme digno de ser visto, solo por él.

3. Carey Mulligan – Never let me go
Una de mis favoritas que fue olvidada por la academia de este año. Muy seguramente por la falta de promoción de su filme. Mulligan lleva consigo esa fuerza interna y sentido de la verdad que se ve en muy pocos actores. No tiene que hacer el más minimo esfuerzo para ingresar en un personaje. Ella simplemente aparece en escena y hace lo suyo. Dueña de una calidez y presencia actoral que hace recordar a las divas de los 40’s.

4. Colin Firth – The King’s Speech
Este año regresó por el Oscar que le robaron el año pasado con “A single man”, y muy seguramente se lo llevará. Su retrato del tartamudo rey Jorge VI, es sencillamente exquisito. Firth estuvo encontrando su puesto durante varios años y vaya que lo obtuvo! Puede transitar entre la rudeza y la ternura en cuestión de segundos. Ser protagonista de un dramedy con 12 nominaciones es su mejor aval para este año.

5. Marion Cotillard – Inception
Cotillard no necesita presentación. Después de “La Vie in Rose” a esta mujer todo le parecerá una completa estupidez. Dudo que haya en el globo terráqueo alguien mejor que esta mujer. Una de las mayores competencias de Meryl Streep. Creo que lo único que interviene en su actuación es su acento francés. Igual a la academia le parecerá exótica. Ella es la clase de mujer que ninguna otra odiará, sencillamente porque es la mejor en lo que hace, a pesar de su belleza, su talento es indiscutible.

6. Johnny Depp – Alice in Wonderland
Olvidado por los globos de Oro y la academia este año, uno de los actores más carismáticos que tiene la industria Hollywoodense decide embarcarse con la versión Burtonesca de “Alicia en el País de las Maravillas”.

El gran fetiche de Burton logra encarnar ávidamente al sombrerero loco. Ciertos halos depresivos en su personaje, le otorgan gran ironía a la comedia que representa en la hora del té. Investir un personaje legendario juega muchas veces en contra, pero logra salir muy bien airoso de ello.

7. Noomi Rapace – The Girl with the Dragon Tattoo
Nominada en los BAFTA, y olvidada por Hollywood, Rapace no ha tenido el recibimiento que debería. Tal vez si los acádemicos se dedicaran a leer la trilogía de Stieg Larsson, Rapace entraría sin pensarlo. Investir una chica con seria ausencia de inteligencia emocional no es nada sencillo. Es necesaria una restricción total del cuerpo y de las emociones para lograrlo. Rapace es “Lisbeth Salander” y desde ahora se me hará difícil verla encarnando otro rol.

8. Jesse Eisenberg – The Social Network
Sin palabras. Este chico es más que perfecto. Cualquiera que ha visto a Mark Zuckerberg en una entrevista sabe que parece su doble. No físicamente exacto, pero expresivamente si lo es. Encarnar un misántropo genio no debe ser nada fácil. Y Eisenberg lo hace tan naturalmente que convence profundamente.

9. Emma Stone – Easy A
Mi sopresa de este año. Este filme es malo y con ganas. Algo que no veía ni cuando era niña, pero la calidad interpretativa de Stone la hará dar grandes brincos en Hollywood. Por lo menos ya está en la próxima “Spiderman”. Su personaje de una joven adolescente descabellada es lo más sincero que he visto en comedia por mucho tiempo.

10. Ryan Gosling- Blue Valentine
Un digno sucesor de Ralph Phiennes. Desde que lo vi en “The Notebook”, -considerada uno de los filmes más románticos de todos los tiempos-, noté una inmensa fuerza actoral. A pesar de que su belleza se le interpone en el camino, y por momentos le encanta lucirse ante la cámara más que actuar, va por un excelente camino. “Blue Valentine” es su mejor ficha hasta el momento.

BLUE VALENTINE

2011-01-25T14:59:00.000-08:00

Apostarle a la reciprocidad en el amor a veces suele ser tan absurdo como ganarse la lotería. Pretender que este sentimiento o voluntad, o como le quieran llamar, esté presente por un tiempo determinado sin que la unión se vaya transformando suena descabellado.

Todos somos seres en constante cambio. Que en esencia somos los mismos, es cierto, pero las múltiples circunstancias que nos rodean día a día, nos modifican conductas, emociones y demás.
Blue Valentine le apuesta a eso, precisamente. Como una persona puede no ser la misma en unos años, el amor entre ésta y su compañero, va transformándose. A veces logra adaptarse, a veces no.

Este es el caso en el que el amor no se adaptó.

Ryan Gosling y Michelle Williams emprenden una labor casi quijotesca. Mantener dos horas en vilo al espectador a través de diálogos. Y logran salir maravillosamente airosos de ello. Para alguien quien aprecia la actuación y sus infinitas formas éste será un banquete de la expresión visual.

A pesar de la crudeza de sus escenas, Gosling le introduce al filme ciertos respiros necesarios, y desde ya parece ser un digno sucesor de Ralph Phiennes, lo cual acaparará la atención de las féminas. Un amante romántico y obsesivamente fiel. Otro de los motivos con el cual podrán deleitarse.

Y su director, Derek Cianfrance, hace uso de flashbacks intermitentes para contar el comienzo y el final, precisamente porque es tan difícil su visionado, que es necesario tratar de “agilizarlo” un poco, sin embargo, observar cambios entre el antes y el después de manera intermitente hace que se sienta más la degradación de la relación que transita desde lo más dulce hasta lo más agrio.

Un drama crudo en los tiempos postmodernos del amor que vale la pena ver por las actuaciones brillantes de Gosling y Williams.

Escena para no perderse: El motel azul.

Mi recomendación: En plena era de efectos digitales, este filme puede que no tenga la aprobación del espectador común. Si usted es uno de esos, hágase un favor y absténgase de su visionado.

FOR YOUR CONSIDERATION - Nostradamus 2011

2011-01-24T13:29:00.000-08:00

Esta es la lista de mis predicciones para las nominaciones de los Oscares 2011. Solo faltan 16
horas para conocer las nominaciones de la academia.
Ya veremos que tanto acerté...

Mejor Película

The Social Network
Black Swan
Inception
The King’s Speech
Never let me go
The Kids are alright
127 Hours
Toy Story 3
The Fighter
True Grit

Mejor Director

Darren Aronofsky - Black Swan
Christopher Nolan - Inception
David Fincher - The Social Network
Danny Boyle- 127 Hours
Tom Hooper -The King’s Speech

Mejor Actor

Ryan Gosling- Blue Valentine
James Franco- 127 Hours
Javier Bardem – Biutiful
Jesse Eisenberg – The Social Network
Colin Firth – The King’s Speech

Mejor Actriz

Natalie Portman – Black Swan
Michelle Williams- Blue Valentine
Carey Mulligan – Never Let me go
Annette Bening – The Kids are alright
Jennifer Lawrence- Winter’s Bone

Mejor Guión Original

Christopher Nolan – Inception
Darren Aronofsky – Black Swan
Lisa Cholodenko- The Kids are alright
Sofia Coppola – Somewhere
David Seidler- The king’s Speech

Mejor Guión Adaptado

Alex Garland- Never let me go
Aaron Sorkin- The Social Network
Ben Affleck- The Town
Joel and Ethan Cohen – True Grit
Simon Beaufoy- 127 Hours

Mejor Actor de Reparto

Vicent Cassel – Black Swan
Christian Bale – The Figther
Andrew Garfield – The Social Network
Geofrey Rush – The King’s Speech
Jeremy Renner – The Town

Mejor Actriz de Reparto

Melissa Leo – The Fighter
Mila Kunis- Black Swan
Helena Boham Carter – The King’s Speech
Marion Cotillard – Inception
Elle Fanning- Somewhere

Mejor Película Extranjera

Le Concert
Animal Kingdom
Biutiful
In a better world
I am love

Mejor Película Animada

Toy Story 3
How to train your Dragon
The Illusionist

Mejor Edición
The Social Network
Black Swan
Inception
The Fighter
The King’s Speech

Mejor Fotografía

Shutter Island
The Social Network
127 Hours
Inception
Black Swan

Mejor Dirección Artística

Shutter Island
The King’s speech
Inception
Alice in Wonderland
Burlesque

Mejor Vestuario

The King’s Speech
Alice in Wonderland
Burlesque
Black Swan
True Grit

Mejor Sonido

Inception
Tron Legacy
Black Swan
The Social Network
Scott pilgrim Vs The world

Mejor Edición de Sonido

Inception
Tron Legacy
Black Swan
The Social Network
Scott pilgrim Vs the world

Mejor Partitura o banda sonora

Trent Reznor- The Social Network
Hans zimmer – Inception
Danny Elfman – Alice in Wonderland
A.R Rahman – 127 Hours
John Powel – How to train your dragon

Mejor Maquillaje

Alice in Wonderland
The Wolfman
Splice

Mejores Efectos Visuales
Inception
Alice in Wonderland
Harry Potter and the deathly Hallows Part 1
Tron Legacy
Scott pilgrim Vs the world

Mejor Canción Original

You haven’t seen the last of me – Burlesque
I see the light – Tangled
If I rise- 127 Hours
We belong together – Toy Story 3
Shine- Waiting for Superman

THE KING’S SPEECH

2011-01-18T15:01:00.000-08:00

Quien haya mencionado que los tríos o menage a trois son desagradables, se equivoca. Ver compartir fluidos verbales entre tres grandes actores puede ser lo más parecido al éxtasis.

Ese ir y venir de diálogos se confluía estrictamente necesario en una época donde abunda más las tres dimensiones y todos sus efectos especiales, realimentarse del buen cine es siempre bienvenido.

Pensé que vería otra aburrida historia de época, de las miles que produce Hollywood. De esas donde toman dos o tres horas y tratan de condensar una historia de décadas, al final no se termina ni queriendo a los personajes porque no tuviste tiempo de apreciarlos lo suficiente, ni entendiendo de qué se trataba.

El que mucho abarca poco aprieta. Puede que suene a cliché barato, pero éste ha sido el éxito de este filme, que al manejar sólo un tema en específico, se ha convertido en algo más exquisito, más plausible y más digerible para la audiencia.

Así que si unimos a un director británico con experiencia para las historias de época (Tom Hooper), tres excelsos actores (Colin Firth, Helena Boham Carter y Geofrey Rush) y los mezclamos con una línea argumental muy simple, por lo tanto, más fácil de explotar, nos queda como resultado una simple y exquisita historia de un rey a quien se le hace imposible llevar a cabo un discurso por trastornos del habla.

Al no haber mayores distracciones como música, o efectos especiales, la mayor parte del peso del filme recae en la manera de contar la historia y en sus actores, y Colin Firth lo sabe. Por lo cual, ha logrado restringirse tanto a sí mismo, para luego poder sacar a flote al rey Jorge VI y explorar su personaje en tantas formas le sea posible, y lo ha terminado amoldando como una plastilina: he aquí el motivo por el cual se le ha hecho posible llevar consigo el Globo de Oro, la antesala de los Oscares.

La dirección simple y sin muchos aspavientos innecesarios de Hooper en cuanto a composición técnica es netamente teatral. Coloca a sus personajes y los deja interactuar entre ellos en un espacio sin movimientos absurdos de cámara. De igual forma, hace uso de recursos tan imperceptibles como colocar a los personajes caminar al unísono para dejar entrever que existe una gran cohesión emocional entre ellos.

Y Hooper convierte a un monarca en un hombre común, retraído, con leves impresiones infantiles y lo acerca a su público y lo coloca al lado de su controvertido y afable mentor, creando una fuerte amistad a través de la risa, la confianza, la nobleza y la verdad. Sir Michael Gambon (famoso por su rol de Dumbledore en la septología de Harry Potter), se incluye en este gran elenco y con su sola presencia de unos minutos puede investir al rey Jorge V de manera brillante.

Un dramedy austero y brillante que saca a relucir las mejores dotes actorales de este trío, que habla acerca de superar los demonios personales, -el conflicto mayor que un enemigo exterior- a través de un nada convencional mentor.

Con un globo de oro en las manos y 14 nominaciones BAFTA, ya veremos este filme bien posicionado en los Oscares.

Escena para no perderse: Absolutamente todas.

Mi recomendación: Véala tan pronto como pueda y podrá apreciar el buen cine.

EL TURISTA

2011-01-04T10:46:00.000-08:00

Si usted no reflexiona demasiado mientras ve este filme muy probablemente no se arruinará el único punto de giro que se le ofrece. ¡Así que no lo haga!

Dos nombres atraen la atención grandemente a este filme: Johnny Depp Y Angelina Jolie. Depp, obviamente por ser uno de los mejores actores de su década, quien en un momento dado arriesgó su carrera por ser un actor de carácter más que una cara bonita. Y vaya que lo logró. Y Jolie, simplemente por ser una femme fatale que no sabe actuar, aún así, su nombre es una garantía para las casas productoras para romper récords de taquilla. Y básicamente éste es un punto vital en Hollywood.

El globo de Oro y sus tres nominaciones han perfilado este filme como comedia más que como thriller, como se había dispuesto inicialmente, y es porque Depp le ofrece un tono burlón a su personaje, con reflejos momentáneos de Jack Sparrow.

Ahora, entremos en la comparación, que puede resultar odiosa, pero en estos casos de remake se hace necesaria.

“El Turista” es un remake de “Anthony Zimmer” un filme francés del 2005 protagonizado por Sophie Marceu, otra femme fatale originaria de Francia, quien no tiene que hacer grandes esfuerzos para serlo. A pesar de que ambos filmes poseen la misma línea argumental, finalmente la francesa es de una tonalidad más oscura tanto en su dirección, como actuaciones, puesta en escena y musicalización, con mayor intriga, suspense y acción.

Sinopsis extractada: “Frank Tupelo (Johnny Depp) es un turista americano que viaja a Italia para superar su última ruptura sentimental. Elise Wald (Angelina Jolie) es una misteriosa mujer que tiene una extraña misión: escoger, en el tren trayecto a Venecia, a un hombre y convertirle en su títere. El elegido no es otro que Frank, que verá su vida en peligro al unirse a esta mujer”.
“El Turista” vendría siendo una versión comercial y light para todo tipo de audiencia, con dos estrellas que llaman poderosamente la atención. Y que posee más fallas que aciertos, haciendo gala de una ausencia de acción perenne que nunca llega, con una falta de química entre los actores principales que a pesar de sus múltiples esfuerzos no es superada.

Pudo haber sido muchísimo mejor, yo le confiaría la falta de credibilidad hacia este filme a la adaptación, más que todo en la reescritura, donde se pierden muchos detalles de la historia original, que por hacerla más ágil, la terminaron haciendo más simple, a pesar de que presenta un final más resoluto sin tantos merodeos, un punto a favor.

Obviamente, Depp siempre es sobresaliente, aunque su personaje se ve demasiado restringido para mi gusto.

Un filme que no pasará a ser sino una buena opción para un domingo en la tarde, para seguir maravillándose de la sorprendente habilidad de expresión facial y corporal de la que Depp es dueño, para dejarse atrapar sólo un rato -si usted no fue tan hábil o tan idiota como para auto-dañarse el único punto de giro-.

Escena para no perderse: Ninguna en especial .

Mi Recomendación: No piense mucho aquí, relájese y disfrute!

NEVER LET ME GO (NUNCA ME DEJES IR)

2011-01-01T15:58:00.000-08:00

Hay un momento en que nada parece llegar realmente a mover fibras internas dentro de ti. Y parece que los sentimientos vinieran desde lo más profundo con ganas de salir a flote, pero es imposible exteriorizarlos. Eso sucede cuando el drama se apodera de nuestra vida durante un largo período.

Podría decir que fui algo engañada por el tráiler de este filme. Pensé que vería cualquier drama romántico de un par de jóvenes. Por eso y simplemente por eso, me fui en su búsqueda.
Pero, Oh sorpresa!, cuando me di cuenta del verdadero trasfondo de este thriller psicológico o drama, o ciencia ficción, la verdad es que no creo que encaje en un género en específico, más bien va por ahí navegando entre varios géneros.

Kazuo Ishiguro, el mismo novelista japonés de “The Remains of the day”, es uno de los responsables de haberme sentido con el corazón terriblemente lastimado después del visionado de este filme. Puede que la misma historia tenga momentos algo flojos e inverosímiles, tal vez haya sido un problema en la adaptación, pero finalmente los diálogos terminan por expresar cabalmente la frustración y total incapacidad de los personajes principales por cambiar el destino que se le ha impuesto de manera maquiavélica.

Y acompañando a su novelista encontramos la actuación pausada y simple, pero con gran fuerza interna y elegancia, cual diva del cine de la década del 40, Carey Mulligan, a quien llevo en mi lista de grandes actores después de haberla apreciado en “An Education”, es seguro que entrará a formar parte de la codiciada lista de nominadas al Oscar, estaría en una competencia segura con Natalie Portman. De igual forma Mark Romanek, su director, quien después de haberme decepcionado con “One hour photo”, me devuelve las ganas de volver a creer en él. Y por supuesto, un gran novelista era lo que necesitaba para complementarlo como director a gran escala.

Y tal vez haya quienes después de haber visto “The Island” la cual nos relata igualmente, de clones de humanos creados únicamente para servir como donantes de órganos, se sientan impedidos para apreciar algo parecido. Tal vez la lentitud de la narración visual de “Never let me go”, no esté orientada al espectador común.

Una excelsa dirección de arte, en la que una mujer mirando un árbol pueda ser concebida como la mejor de sus piezas, muy a pesar de la simpleza que aparenta, un buen ensamblaje actoral que si no llega a la perfección, llega con el equilibrio necesario para el relato de la historia sin trastabillar, ni ofrecer pausas innecesarias. Un suspense interno bien formado a pesar de que la acción externa sea casi nula, son los ingredientes que hacen de este filme un gran visionado.

Tengo la firme convicción que si nuestras vidas fueran narradas por Ishiguro junto a la dirección de Romanek, incluso funciones tan mecánicas como lavarnos los dientes o peinarnos el cabello estarían realzados a la categoría artística más excelsa que podría verse. Tal vez eso es lo que necesitamos finalmente, adorar incluso hasta nuestros momentos más simples. Porque cuando más se está consciente de que la belleza de lo simple, alejaremos el concepto de la muerte como algo certero, pero tardío.

Escena para no perderse: La entrega de los dibujos de Tommy a la directora de la escuela.

Mi recomendación: Si le gusta la simpleza en el arte, ésta es su opción.

BLACK SWAN

2010-12-20T14:58:00.000-08:00

Creo que es la primera vez que tengo un orgasmo intelectual después de ver un filme. Me había sucedido anteriormente con algunos libros particulares, de los cuales hablaré algún día, pero no hoy. Ciertamente no hoy.

Encontrar una joya como ésta en el cine Hollywoodense es verdaderamente inusual, tan inusual como es, que todavía no logro digerirla totalmente.

Y encontrar a un personaje como Nina en manos de un director como Darren Aronofsky me parece todavía más exquisito. Aronofsky abandera esa capacidad de elevar a un nivel profesamente artístico las tristezas más sublimes y las ansiedades más grotescas del ser humano.

Y es así como este director quien tuvo entre sus manos tanto el filme de culto, “Requiem for a dream”, como “The Wrestler”, nos ingresa en el mundo del ballet. Y nos muestra más que el glamour, más que la posible simpleza de ver una x cantidad de bailarines “saltar y dar piruetas”, nos invita a ir detrás del escenario, e ingresamos en la piel de la bailarina líder.

Y puede que la fragilidad de Nina (Natalie Portman) entorpezca la posibilidad de convertirse en el cisne negro, y su maestro, (Vicent Cassel) se lo señale de manera vehemente hasta crearle una psicosis profunda, y surja una relación de amor-odio entre ambos de la que le es muy difícil, sino imposible, desprenderse. Y puede que tanto el juego de la seducción de su maestro, como su obsesión de convertirse en la protagonista del cuerpo de ballet la lleven a sobrepasar la delgada línea entre la sanidad mental y las alucinaciones profundas.

La cualidad más excelsa del filme radica en las simbologías recurrentes. Comienza con la dirección de arte. Posicionando la dualidad del blanco y el negro, para representar a Odette y Odile, un lápiz labial rojo robado, necesario para entrar en el juego de la seducción, una urticaria en la piel, que refleja una transformación paulatina de Nina hacia el cisne negro, y otras más que no mencionaré.

Una aguda bifurcación emocional le espera a Nina, en que satisfacer tanto a si misma, como a su madre y el maestro, le presupone una excesiva confusión entre los dos lados de sí misma. El níveo y el oscuro. Porque representar los dos lados de la moneda para muchos de ustedes pueda representar un desafío y para otros, un simple despertar del ser.

La composición técnica brilla a través de cinema verité que habíamos visto en el sello de su director en “The Wrestler”, cámaras al hombro que persiguen tanto a Nina como al maestro, al cuerpo de ballet por doquier son necesarias para brindar una relación más intima con el espectador, va junto a una composición musical que no es amplia ni necesita serlo, porque precisamente se busca que la repetición del ballet ruso “El lago de los cisnes”, entre otras pocas reflejen la ansiedad de Nina por la búsqueda de la perfección de su rol.

Un thriller psicosexual que contagia la exquisita agonía que su personaje principal experimenta, y que va in crescendo conforme va avanzando el tiempo a través de la lente de Aronofsky. Con actuaciones soberbias de Vicent Cassel y Portman, encontramos a Cassel con un personaje de una gran riqueza exploratoria, y lo apreciamos como una máscara de mil colores, porque parece que no le tomara esfuerzo convertirse en un despiadado y seductor irresistible maestro en cuestión de segundos.

Es muy probable que arrastre con los globos de Oro, igualmente esperemos que llegue a los Oscares, que de seguro así será.

Escena para no perderse: Absolutamente todas. Especial mención para la conversión de Nina hacia el cisne negro.

Mi recomendación: No se pierda de esta exquisita pieza de arte.

THE AMERICAN

2010-12-17T11:01:00.000-08:00

“Dios no está interesado en mi, Padre”.

Muy pocas veces he tenido la oportunidad de conocer al tipo de hombre huraño, solitario, egocéntrico y reservado, y he sentido una conexión instantánea, pura y casi que enfermiza. Como si encontrara una reencarnación de James Dean en “Rebelde sin Causa” o un Kevin Spacey en “Belleza Americana” –su soledad era interna-.

Sin duda porque la soledad coloca a prueba los momentos más difíciles del ser. Sin duda, porque ésta alimenta el llamado de una intelectualidad más firme y consagrada.

Sin duda George Clooney también conoce el impacto que este tipo de personalidad genera en la posibilidad de relatar historias con gran profundidad. Ya lo habíamos visto en “Up in the air” y esta vez buscando quizás abrirse campo entre los guiones absurdos de Hollywood que por momentos rayan en la repetición absurda y continua que buscan engañar al espectador común, Clooney decide embarcarse en una historia que sabe más a Europa, donde le da alas a su personaje para encontrar en un cura y una prostituta la posibilidad de redimirse y rebelarse contra el sistema del que hasta el momento era partícipe. El crimen organizado internacional.

Y reconocemos a Italia, y puede que exista cierta evocación a clásicos como “El Padrino”, donde el personaje principal encuentra el amor quien a pesar de ejercer la profesión más vieja del mundo, se reconoce como una mujer suave y sumisa italiana protagonista recurrente de ciertas escenas de sexo explícito que no molestan.

Un thriller psicológico con escenas tan pausadas que por momentos invitan al aburrimiento total, con ausencia de acción externa, pero, -como sucede en estos casos-, con acciones internas que nos invitan a conocer al personaje principal, si no por lo menos a quererlo, a sentir una arraigada compasión por un despiadado asesino en el ocaso de su vida que busca finalmente la redención.

Un filme que no será altamente valorado por el común espectador, que seguramente se perderá en el olvido porque no ofrece nada más que la posibilidad de mostrar un aspecto más rudo e introspectivo en la actuación de Clooney. Confirmándose como el tipo de selección de historias cuando un actor quiere manifestarle a su público “Yo soy más que un galán”.

Escena para no perderse: El clímax de la historia.

Mi recomendación: Si a usted no le agradan las películas con una lentitud que raya en lo absurdo, ésta no es su opción.

CHLOE o Amanda Syfried Gone Wild

2010-12-15T12:38:00.000-08:00

Hay obsesiones sanas y hay enfermizas. He experimentado ambas, y después de mucho tiempo decidí quedarme con las primeras.

Hace unos meses tuve un pequeño debate acerca de la palabra Obsesión. Yo aclaraba que era mi palabra favorita y que precisamente mi obsesión mayor era el cine, entre otras que no cabe mencionar en este momento. Alguien me debatía con cierta vehemencia que logró molestarme, que dichas obsesiones siempre venían con un tinte negativo. Ninguno de los dos logró ganarla.

Pienso que el género de thriller sexual cuando llegó “Chloe” ya había presentado todo lo que había que ver. Alguien se obsesiona por otro, todo va bien al principio, luego no y todo empeora al final.

Si bien este filme muestra unas líneas argumentales novedosas como el lado lésbico obsesivo, no logra convencer del todo. Y tendría que confirmar que uno de los elementos para que no funcione es su protagonista principal, Amanda Syfried. A pesar de un estilo directivo de Atom Egoyan que se concentra profundamente en el erotismo, Syfried no parece llegar al punto necesario para ser considerada “la mala” del filme.

Me había animado desde que había observado su lado convincente, suave y tierno en “Cartas a Julieta”, pero presentarse al lado de grandes como Julianne Moore y Liam Neeson, puede representar un desafío muy exigente del que es difícil salir airosa. Ni siquiera toda la desnudez que mostró para este rol pudo salvarla.

Ahora, habría que ver que tan necesarias son las escenas de sexo explícito para este thriller. ¿Es que acaso Egoyan no confiaba la suficiente en el talento de su actriz principal que la hizo desvestirse durante casi todo el filme?

Es cierto que para los amantes del erotismo puro ésta será una exaltación clímax de los sentidos, donde el juego de un posible trío de personajes (Syfried, Neeson y Moore) que destila sexualidad a flor de piel dejará boquiabierto a más de uno. Egoyan logra llegar a este nivel con gran exquisitez. A pesar de este punto a su favor, el guión decae en repetirse a sí mismo invariablemente entre citas en el café, en el restaurante, sin ofrecer nada más allá de lo que no se había visto antes, aparte de fuertes escenas lésbicas y un punto de giro efectivo, cabe aclarar.

Sinopsis extractada: Catherine (Julianne Moore), una ginecóloga de éxito que lleva una vida acomodada, aunque monótona, junto a su marido David (Liam Neeson) y su hijo Michael (Max Thieriot), comienza a tener sospechas de que David la engaña. Tras conocer casualmente a Chloe (Amanda Seyfried), una joven y bella prostituta de lujo, decide contratarla para que seduzca a su marido y poner a prueba su fidelidad. Pero los relatos de los encuentros de Chloe con David no sólo prenden en Catherine la mecha de los celos, sino también una serie de deseos ocultos que la desconciertan. Atrapada en una telaraña de pasiones y sentimientos encontrados, Catherine descubrirá que en el peligroso juego de seducción de Chloe toda su familia está implicada.

Un Neeson, casi ausente, y Moore que repite roles de mujer abstraída y engañada, no lograron llenar mis expectativas para este filme a pesar de sus altas pretensiones sexuales.

Escena para no perderse: El punto de giro.

Mi recomendación: Por su alto contenido explícito sexual no llevar menores de edad. Alquílela en la comodidad de su hogar.

POPE JOAN

2010-12-09T10:51:00.000-08:00

La historia reclama haber tenido una mujer Papa. Tal confesión demanda un poder llamativo muy fuerte para mi. Una mujer ha alcanzado el más alto grado supremo al que puede aspirar un hombre en la carrera religiosa. Ahora no estaría de más preguntar si realmente existió o si ha sido producto de una imaginación frustrada de alguien.

El ascenso al poder de esta mujer se erigió a través de los años como una leyenda que no ha sido del todo confirmada. Donna Woolfolk, una escritora estadounidense se dio a la tarea de realizar un libro acerca de la misteriosa entrada de dicha mujer a esta sagrada posición.

No entrar en disquisiciones religiosas de ningún tipo es lo que debería proponerme firmemente, pero no es lo que hoy deseo. Tener una formación católica ha influido en que encuentre interesante este tipo de historias, aunque confieso no ser una ávida de lectora de la Biblia, sus preceptos viajan conmigo desde la niñez.

Mi profunda concepción de la religión católica y sus preceptos han sido resquebrajados por particulares en diferentes instancias, entre ellos escritores como Saramago con su obra “Caín” y Dan Brown, que a partir del “Código Da Vinci” –entre otros- relata como María Magdalena era la principal heredera de la iglesia católica. Reflexionar los cambios que dicha institución hubiese sufrido en caso de que una mujer fuera la líder, representarían toda una magia herética para el mundo.

Este es un filme que mantiene todas las claves perfectas para que pueda funcionar: una actriz prácticamente desconocida para Hollywood en el rol principal, un guión que evoluciona a medida que avanza la historia, un director alemán Sonke Wortman, puntos de giro que llaman la atención instantánea del espectador. 180 minutos que se pasan volando por el mantenimiento de una línea directiva no muy fuerte, ni muy oscura, que simplemente busca relatar una historia bien contada.

La misma casa productora del éxito de la gran novela de Umberto Eco, “El nombre de la Rosa”, se embarca en esta historia donde una mujer es llevada al trono del sumo pontífice de la tierra disfrazándose de hombre. Es relevante recalcar que en el siglo nueve a las mujeres les era prohibido aprehender alguna clase de conocimiento. Se decía que era “antinatural” y que se les “encogía el útero” y no podrían generar una descendencia.

Si no puedo aducir un ensamblaje actoral perfecto, por lo menos se asevera que la actuación principal es magistralmente llevada a cabo por Johanna Wokalek una alemana con rasgos claramente andróginos, seleccionada después de que Franka Potente declinara el rol. El resto de actuaciones le hacen el contrapeso, y aunque no representan una igualdad, por lo menos no le restan importancia a la principal.

La importancia de este film, más allá de toda concepción técnica, (la cual es igualmente brillante) reside en señalar los posibles espacios con minucias heréticas que los historiadores buscan ocultar a toda costa. ¿Qué tal si esta leyenda tuvo algo de real y dicha mujer fue eliminada del libro? ¿Será posible en un futuro la inclusión de una Papisa en la religión católica? ¿Qué pensaría el papado de todo esto?

Escena para no perderse: Los primeros años de vida de la Papisa Juana.

Mi recomendación: Para mayor esclarecimiento de esta historia busque la leyenda con anticipación y así podrá comprender la importancia de su línea argumental.

YOU WILL MEET A TALL DARK STRANGER (CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS)

2010-12-08T16:17:00.000-08:00

No soy fan de Woody Allen, nunca lo he sido. Esto no hace parte de una manera de juzgarlo, porque en realidad lo que hace o deja de hacer un artista en su vida personal no merece ser relacionado de manera negativa a su producción intelectual.

La verdad sea dicha. No me gusta ese hombre pequeño con cabellos desordenados que siempre parece atropellar palabras una tras otra cuando se expresa. Creo que se encuentra en un estado absurdo de negación del otro cuando lo hace. Como si solo quisiera darse a entender a sí mismo.

Así que la única manera en la que pueda enfrentarme a sus producciones es a través de sus actores. Si un actor de sus obras me llama la atención, ahí mismo voy corriendo a verlo.
Esta vez tenía un nombre. Naomi Watts. La mujer a la que le han robado el Oscar infinidades de veces.

En los círculos de Hollywood más selectos, ser una musa del Sr Allen es casi como ser una musa de Almódovar en España, la mujer escogida se convierte automáticamente en un preciado “objeto del deseo”, cual revista Vogue.

Sin más preámbulos y más chistes, este filme me parece un fiasco completo. Es aburrida, lineal, predecible y vacía. Con ausencia de puntos de giros que puedan maravillar al espectador más allá de lo común.

Una historia de dos matrimonios que se funden en vacíos y deciden que encontrar una nueva pareja es la solución a sus problemas, pareciera que pueda dar para tela de donde cortar, pero al final nos quedamos con ganas de encontrar algo más allá que lo que observamos en todas las telenovelas. Una profunda desazón y desconcierto.

El final es inconcluso. Creo que es una marca de su director, aún así, esta vez parece que le faltaron rollos por filmar, porque el filme le quedó por la mitad.

Puntos como la narración omnisciente de siempre, excelente elección de casting –que termina desaprovechando con Sir Anthony Hopkins, Josh Broslin Y Watts-, su infaltable humor negro y la elección de un color único – mi amado rojo- para vestir a su musa una y otra vez, convierten este filme sino en aceptable, un visionado que se puede dejar para un domingo en la tarde, cuando ya no haya más nada que ver.

Escena para no perderse: No hay.
Mi recomendación: Si quiere ver algo de Woody Allen, busque “Match Point” y no se arrepentirá.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE

2010-11-22T19:49:00.000-08:00

Si usted no tiene idea de que es Espectro Patronum, Petrificus Totales, Sectusempra o Adava Kedabra, ni para que sirven; tampoco tiene idea quien carajos es Dumbledore o Dolores Umbridge, mejor ni se acerque a ver la primera parte de esta septalogía porque quedará frio y no precisamente por el aire acondicionado de la sala.

Si a usted le da pena que lo vean en una sala en la que se va a observar al pequeño mago que vimos crecer y que ahora ni es pequeño, pero sigue siendo mago, no se preocupe de lo que piensen los demás, porque de vez en cuando hay que dar rienda suelta a la imaginación y poder creer que existe un mundo de magia alterno al mundanal actual y que el resto somos Muggles (personas que no tenemos conocimiento de magia).

Creo que la magia alguna vez nos pasó por la cabeza en la niñez, algunos querían volar como Superman –y no lo lograron-, y hay quienes como yo, soñaban con ser brujas en vez de princesas. Y soñaban con castillos mientras yo dormía al lado de un VHS y un libro de “Cómo leer el Tarot”.

Todos vimos crecer a Harry Potter y sus amigos durante estos años, yo los vi crecer en dos días gracias a una maratón, y mientras me introducía en ese mundo me preguntaba acerca de la genialidad de J.K Rowling, y que clase de mente se necesita para crear siete libros con una descripción detallada de tantos elementos que rayan en lo absurdo. Definitivamente quisiera conversar con la autora para saber que es lo que tiene en la cabeza.

En resumen, el ensamble actoral es perfecto, encabezado por la mística perfección del personaje de Voldemort interpretado por Ralph Phiennes, quien puede trasladarse de ser un amante turbado –como lo referenciamos comúnmente- hasta llegar a ser un malvado señor de la oscuridad con una precisión tan genial que raya en la perfección. De aquí en adelante las brillantes actuaciones de Radcliffe y de la siempre oscura, una de mis favoritas, Helena Boham Carter, a quien reconocemos además de su gusto por estas interpretaciones que se salen de lo común, por ser compañera sentimental de Tim Burton.

Esta versión viene sin la mítica escuela de Hogwartz, lo cual le brinda un carácter más libre a la narración, además del comienzo de etapa de adultez de Potter le brinda un mejor sabor y una mayor fluidez a ésta, además de que cuando el espectador ya llega a ver la séptima versión se encuentra tan enamorado de los personajes que es más fácil para él comprender sus acciones.

La dirección de arte es elevada a su máxima expresión con la oscuridad a la que nos tiene acostumbrados Andrew Ackland quien ha coloreado la imagen desde la primera versión de esta septalogía hasta el momento. De igual forma David Yates, su director general, hace un excelente trabajo al madurar la adaptación de la obra en las últimas cuatro versiones.

Este será un filme entretenido para el espectador desprevenido y para el fan acérrimo será una hermosa transición hacia la destrucción de Lord Voldemort, porque según la profecía, alguno de los dos deberá perecer al final, y como Rowling acabe a Potter se las verá mal con un montón de gente. Un filme que nos sigue demostrando la importancia de un mentor en tiempos tan oscuros como los actuales.

Escena para no perderse: La destrucción del tercer Horrocruz. Y todas donde aparece Voldermort.

Mi recomendación: Si ya se ha visto las anteriores sabrá que la duración es de promedio más de dos horas de cada versión, así que haga el paso por el baño antes de ingresar a la sala.

THE SOCIAL NETWORK o NO HACES 500 MILLONES DE AMIGOS SIN GANARTE ALGUNOS ENEMIGOS.

2010-11-20T13:55:00.000-08:00

Dicen por ahí que entre más “amigos” tenemos en Facebook menos poseemos en la que denominamos como “vida real”.

Desde que vi el anuncio de este filme supe que debía concentrarme en la historia de una página que ha absorbido muchas horas de mi vida. Lo confieso. He dejado el cigarrillo, renuncié a Formspring y Twitter, pero me es imposible dejar Facebook. Gracias Mark Zuckerberg, You Fucked my life!!!

Es interesante el inicio de este filme que da a entender que esta página comienza por la necesidad absurda que tenemos los seres humanos, las que denominamos las tres A’s: atención, aceptación, aprobación. Presentamos una lucha interna por ser escuchados, cuando no tenemos nada que hacer o nadie con quien hablar –físicamente-, recurrimos a una página en la que en la que nos reunimos varios seres que conocemos una vez en la vida y que probablemente no volveremos a ver.

Necesitamos que sepan de nosotros. Y este es el comienzo de Zuckerberg, a quien su elevado coeficiente intelectual le conduce a ser el multimillonario más joven de la historia, pero a quien al mismo tiempo su pobre inteligencia emocional no le proporciona lo necesario para ser ingresado en una fraternidad o club social en la Universidad de Harvard.

Y otra vez entra a debatir esta discusión por la inteligencia emocional y la racional. Un “cerebrito” de Harvard crea una red social. Y al final de no ser aceptado dentro de clubes crea una red de más de 500 millones de amigos. Dime, Daniel Goleman, ¿que pasó aquí?

Grosso modo, David Fincher, quien nos ha acostumbrado a lados oscuros del ser humano –los más divertidos y a la vez complejos de explorar-, en filmes como el Club de la Pelea, Seven, Zodiac, maneja de manera excelsa una línea argumental muy simple que si hubiese sido tomada por otro director con menos atención hacia lo humano, la habría destrozado completamente.
Además del manejo de la línea argumental, sumada a una composición musical de Trent Reznor muy selecta, que pareciera que es casi invisible, pero que le añade cierto sabor oscuro a la cinta, se destaca el ensamblaje actoral.

Excelentes interpretaciones, liderada por el brillante casting de Jesse Eisenberg, -Zombieland-, en el personaje principal que físicamente es muy parecido al original Zuckerberg, tanto en la expresión oral como en la corporal.

Un perfecto filme que tendrá muchos adeptos para tanto los militantes como los detractores de las redes sociales, mientras Fincher se anota varios puntos rasgando no solo la superficie sino uno de las tramas más atrayentes en medio del siglo XXI: cómo volvernos más sociales sin volvernos asociales. Uno de los grandes conceptos que parece resurgir una vez más desde que el filósofo canadiense Marshall McLuhan lo pronosticara en el concepto de Aldea Global.

Un filme que más que mostrar el nacimiento de una red social señala de manera cruda como la ambición llega a límites imaginables, y como lo que comienza como una idea sencilla llegó a reportar una fortuna para el joven Zuckerberg.

Escena para no perderse: la primera donde el personaje principal manifiesta la razón que lo motiva a crear Facebook.

Mi recomendación: La película puede ser algo extensa para quienes no están acostumbrados a las biografías. Así que limítese a disfrutar los diálogos y los personajes.

I'M STILL HERE

2010-11-13T13:38:00.000-08:00

No soy muy amiga de los documentales, a pesar de que existe una línea muy delgada entre la realidad y la ficción.

No obstante, era imposible para mi no ver un relato visual de los aconteceres de la vida de mi actor favorito, -después que decidiera alejarse de las cámaras de manera definitiva-, Joaquin Phoenix, a quien tengo el placer de observar desde hace alrededor de dos décadas.

Desde que supe que Phoenix iba a dejar la carrera de actuación me entristecí de una manera absurda. No tener la oportunidad de extender su filmografía me parecía un atropello contra el séptimo arte. Puedo pensar mil cosas ahora, pero lo que más se viene a la cabeza es que es muy probable que su depresión le haya explotado de manera tardía por el abrupto fallecimiento de su hermano cuando apenas tenía él, trece años de edad.

No vi, este documental, lo sufrí. Una hora y cuarenta y cinco minutos de una de las etapas más crudas de la carrera de Phoenix. Momentos que captan su más que obvia depresión aguda, -aunque no sé exactamente por lo que está atravesando-, se termina por confluir en una muestra del lado oscuro de Hollywood, ese que sólo nos quieren manifestar a través de alfombras rojas y sonrisas prefabricadas para las luces exteriores.

Es así como una de las más brillantes carreras de actuación parece que está presenciando su final. Y a mi parecer es absurdo que este documental haya acabado sin tener la posibilidad de otorgarle la verdadera ayuda que puede necesitar en esta etapa tan triste.

Joaquin respira un profundo desazón por su vida, este documental nos relata la forma en como Hollywood lo preparó para los roles que interpretó de tal forma en que ya no sabe quien es él mismo. Así que trata de reinventarse a sí mismo y se deja consumir hasta lo más bajo, hasta llegar a lo más puro en su vida. Y lloramos con él, nos reímos, incluso de su tristeza, pero al final solo le deseamos que alguien lo encamine hacia lo verdadero.

Mientras Phoenix continúa perenne en su etapa más cruda, el público se conforma con hacerle trampas, escudriñar de manera morbosa toda su vida, para así poder señalar hasta su más ínfimo error, porque solo de esta manera tendrá la posibilidad de no verse a si mismo.

Precisamente, quienes más tendemos a buscar errores en los demás, presentamos un profundo de temor de buscar en nosotros mismos. Y después nos jactamos de haber señalado miles de desaciertos en su vida, que no sabe cantar rap, que no sabe conducir su vida, y muchos más, y pensamos que reírnos de otro nos hace “grandes”, y sacamos a flote una cantidad excesiva de antivalores, cuando en realidad nos termina pudriendo el karma.

Creo que si todos hiciéramos un relato de nuestras vidas como éste, nos quedaríamos sin amigos, por lo menos sin los que aparentan serlos, así que nos quedaríamos sólo con los verdaderos.
Así que los insto a realizar documentales a cada uno de ustedes acerca de su propia vida, representando lo peor de si mismos.

Tal vez nos quedaremos sin “amigos” en Facebook, en Twitter, Tumblr o cualquiera de las redes sociales. O tal vez tendremos más, que sólo servirá para alimentar el morbo de los demás.

Si quiere descubrir sus verdaderos amigos, es una buena, aunque triste forma…

THE TOWN

2010-10-15T19:59:00.000-07:00

“El hombre es naturalmente bueno es la sociedad que lo corrompe” Jean Jacques Rousseau.

Indagar entre el bien y el mal no parece problema de la actualidad. Es un cuestionamiento que se viene gestando desde mucho antes de la era de Jesucristo. Indagar entre que nos hace vulnerables a llevar actos que van en contra del orden moral se encuentra ligado a una carga genética al interior del ser humano. Algunos se estarán señalando como seres altamente bondadosos e incorruptibles.

Mentira.

Varios estudios han demostrado que todos tenemos el mal incrustado en nuestro cerebro. Un amigo me preguntó hace poco la razón por la cual no veía cine gore, con algunos términos de más o menos precisión, le di a entender que no quería alimentar a mi asesino interior. Deseo que se distraiga o se nutra de informaciones más beneficiosas para él. Debo cuidar mi cerebro al máximo de estas distracciones inútiles que sólo me harán más vulnerable al mal.

Pero, ¿es posible llegar a ser “perfectos” en esa búsqueda de la bondad? Lo dudo mucho. La ciencia lo duda con mayor vehemencia.

Una ciudad en la que el robo de bancos se convierte en el pan de cada día, Boston, Estados Unidos, se hace relevante la pregunta, aquella misma que observé hoy en el ciclo actual de la Cinemateca del Caribe en la que se cuestiona: ¿dónde se origina el mal?

De una novela trasladada al cine del autor Chuck Hogan, “Príncipe de los ladrones”, Ben Affleck logra recuperarse de las anteriores propuestas visuales que nos había hecho, -sin incluir Gone Baby Gone, por supuesto-. Si bien Affleck no me termina de convencer como actor, como una opinión personal, debo expresar que no le veo talento para esto, - a pesar de los esfuerzos y la experiencia-, es mí deber dar a conocer que Affleck tiene todos los “cojones” necesarios para ser un excelente director de acción y/o thriller psicológico.

Con una dirección técnica temiblemente impecable, una banda sonora que ejerce una fuerza predominante en la acción tanto de los personajes, como de la escena misma, y un ensamblaje actoral que eleva el filme hacia otro nivel, ésta película logra llevar al espectador a una alta tensión de adrenalina.

Hay que aclarar que a pesar del ensamblaje, hay actuaciones que equilibran el peso de otras, como Jeremy Renner, a quien reconocemos por su nominación al Oscar por “The Hurt Locker”, un actor que venía cocinándose desde hace más de una década y a quien, finalmente –para beneplácito de todos sus espectadores-puede sustraérsele la mayor parte de su potencial. Acción que sólo excelentes directores como Kathryn Bigelow en su momento y Affleck, ahora, pueden lograr.

Mientras la veía, se me venían “flashes” de películas como “A dog day Afternoon” (1975) y su bellísima escena donde el personaje interpretado por Al Pacino grita a todo pulmón “Attica”, mientras roba un banco, u otra de mis favoritas, “Point of Break” (1991) una de las brillantes actuaciones en el haber del desaparecido Patrick Swayze. Si no las ha visto, ¿qué está esperando?

Otra pregunta que se me viene de manera incisiva al cerebro es: ¿por qué les aplaudí todas y cada una de las balas que salieron del arma de los ladrones de banco? Tal vez porque la historia misma se encargó de mostrármelos más como seres humanos con imperfecciones que como los “malos” del cuento.

Hoy deseo darle una respiración a mi cerebro y decirle que, finalmente, (SPOILER) los “malos” acabarán finalmente como el karma lo predice, algo como quien “a hierro mata, a hierro muere”. (FIN DEL SPOILER) Y tener el pleno conocimiento que existen armas más potentes de las que hace uso el ser humano que una bala.

Hoy he decidido escoger el camino más largo para llegar a donde me dirijo. Hoy, es tu turno para escoger que camino deseas escoger, pero recuerda: este no es el País de las Maravillas y tú no eres Alicia. Y cualquier camino que escojas no te conducirá, necesariamente, al mismo sitio.

L’ARNACOEUR // HEARTBREAKER

2010-10-11T19:13:00.000-07:00

Lo confieso. He visto una comedia romántica solo para entretenimiento en su más pura expresión.

Estuve claramente motivada en que fuera un filme francés, ya que como sabemos, el discurso fílmico de este país se ha caracterizado por la excelencia en este género debido a la facilidad expresiva que tienen sus actores sobre los de Hollywood.

Y no me he equivocado. Los franceses pueden hacer de cualquier trama simplista, un festín de la alegría visual. Y, aunque éste no sea el mejor ejemplo para destacar en la filmografía del país, sus recursos –los del filme- para facilitar esos “respiros” en el espectador son indiscutibles.

Es así como encontramos a un actor como Romain Duris quien tiene pocos roles principales conocidos, y de quien se observa igualmente, una suprema capacidad histriónica que es evidente. Un rostro del cual será difícil olvidarnos después de completar este visionado. Completando el casting, Vanesa Paradis, reconocida por ser entre otras características, novia de Johhny Depp, aunque ésta finalmente pase sin pena ni gloria en este filme.

Reconociendo a los actores, podemos pasar a lo que le confiero una gran importancia dentro de esta película, un guión que no es más que otro cliché del chico y chica se encuentran por azares del destino, el se enamora primero, ella no, luego ambos terminan por convencerse que son el uno para el otro.

Ciertos elementos diferenciadores, como el lenguaje, la versatilidad actoral del personaje principal y sus “secuaces”, llevan esta comedia sino a la mejor, por lo menos hacia un estatus medianamente bueno para la audiencia.

Según su director, Paul Chameil, la trama principal de la cinta: “narra las peripecias de un grupo de personas especializado en separar parejas por encargo, ya sea de familiares o amigos que creen que, principalmente las mujeres, no son felices o no están con el hombre adecuado. Todo les va bien hasta que el gancho masculino, interpretado por Roman, se enamora de la chica a la que encarna Paradis”.

El cine ha recreado la misma historia durante siglos y tal vez muchos espectadores al ver este filme no entrarán en disquisiciones filosóficas después de verla porque sencillamente su línea raya casi en lo común.

Hoy simplemente deseo recomendarla porque ya estaba harta de los dramas pesados, porque en la vida como en el cine, hay que darse de cuando en cuando un respiro en el que creamos en que incluso el amor, en pleno siglo XXI, - después ser un concepto temiblemente abstracto, viciado y prostituido- , todavía puede ser posible.

Escena para no perderse: El baile recreado por los actores principales en homenaje al filme Dirty Dancing, considerada una de las mejores películas románticas en el cine hollywoodense.

Mi recomendación: No espere mucho de este filme porque saldrá decepcionado. Solo relájese y disfrute.

Yo estoy en otro lugar. Pero tu, quien está leyendo esto, tu mereces lo mejor.

A SINGLE MAN

2010-10-04T12:11:00.000-07:00

Sexualidad.

Una palabra que, para algunos en pleno siglo XXI, todavía les resulta incómoda. Empezar a comprender por que una persona, en este caso un hombre, prefiere estar con alguien de su mismo sexo puede que resulte un claro disturbio e incluso llegar a ser rotulado como “anomalía”.

Y a pesar de que han concurrido más de cuatro décadas a partir de la escritura de esta novela, este tema todavía se confirma como un tabú en todas las generaciones actuales.

A partir de las experiencias que uno va a acumulando en el camino se da cuenta que la mejor manera de transitar por el mundo es evitar los juicios a priori y tratar de “colocarse en los zapatos del otro”.

Ignoramos las penurias de alguien que tenga que tomar la decisión de encaminar su sexualidad como una opción de vida diferente y radical.

Lo primero que atrajo mi atención a este filme fue la nominación de Colin Firth a mejor intérprete personificando un profesor universitario homosexual quien atraviesa una etapa muy triste en su vida debido al fallecimiento de su pareja.

Detenerme a observar un actor que, en una opinión muy personal, lo consideraba como agraciado físicamente pero, un simplón en términos de ejecución artística, hasta verlo elevarse hacia una interpretación muy sublime es una sensación felizmente absurda.

Detallar milimétricamente cada uno de sus gestos en los que se evidencia la insufrible depresión de la que es objeto, y los esfuerzos imposibles que tiene que hacer para realizar las tareas cotidianas es tratado con una ejecución muy precisa, ciento por ciento veraz. Logra mantenerse en el interior del personaje de un hombre de mediana edad a quien la soledad se le aparece como un ahogo, y a quien, su edad y vasto conocimiento de la vida le han generado una sensación de desconcierto y posible re-desubicación de su rol en el mundo.

Con una adaptación de la novela publicada por primera vez en el año 1964 por Christopher Isherwood que lleva el mismo nombre, su director y coguionista Tom Ford, reconocido por ser el principal diseñador de la casa de modas Gucci, muestra en su debut que es más que eso. Un artista que parece confirmarse desde ya, como la versión anglosajona de Pedro Almodóvar. Nada más hay que revisar el tráiler para darse cuenta de la influencia del estilo directivo del español en esta obra de arte.

Y aquí llegamos al punto clave de la cinta. La absolutamente impecable dirección de arte. Como era de esperarse de un artista de lo visual, se hace uso de una amplia gama de colorimetría entre ellos, el blanco y negro, los tonos tierra y los colores vivos como el azul connotado en el filme como el de la espiritualidad y, mi favorito, el rojo, para demostrar la ira y la lujuria. Llama mi atención poderosamente la exquisita precisión de los peinados, el vestuario y la ambientación en cuanto a términos de época, pero también en términos de significado. Estos elementos parecen cobrar vida y hablar por sí solos en cada una de las escenas.

Se determina entonces que Un hombre soltero se confluye como una pieza obsesiva y pueril que reposa sobre unos claros elementos estéticos, que se desarrolla en un día, con una trama muy líneal y pocos puntos de giro, con una dirección técnica y de actores que pudo haberse excedido hasta la locura de la perfección, pero que llega a un término medianamente bueno para la audiencia, en donde brilla sin límites la actuación de Colin Firth apoyada por Julianne Moore (quien nos asegura solo con su presencia que es posible la tristeza infinita al interior de la belleza exterior) y donde nunca podremos olvidar a aquella niña vestida de azul que se le aparece al personaje principal como un ángel que busca rescatarlo de su vida a punto de ser terminada.

MI BLOGOVERSARIO!!!

2010-09-22T17:38:00.000-07:00

La primera vez que se me dio la posibilidad de empezar a escribir en un blog, confieso que me parecía una empresa muy dificil de llevar a cabo.

Todavía me sigue pareciendo, pero con el tiempo, logré echar atrás todos esos demonios e inseguridades y este blog empezó a balbucear y hoy ha llegado a su primer año. Que lo descuidé durante los últimos meses, es muy cierto, aunque la cartelera no es que haya estado muy emocionante que digamos.

Así que es la hora de darme auto-bombos y felicitaciones porque logré llegar a un año escribiendo una de las cosas que más amo en la vida: El séptimo arte.

Porque el cine me vio crecer, porque entre mis juguetes favoritos de niña, estaba un VHS, mientras todos los niños aprendían a montar bicicleta y nadar (cosas que aprendí después de los 20), yo jugaba con un rebobinador de cintas y veía tres pelis por día hasta que tenía los ojos cuadrados y llorosos.

Sin más auto bombos y platillos, hoy le agradezco al de arriba que me haya dado la posibilidad de conocer tantas personas que comparten mi afición, yo me sentía extraña y diferente y con ustedes Blogger-cinéfilos comprendí que no soy la única obsesiva de este tema, que hay más, aunque estén lejos de mi fisicamente, no lo están en mi corazón.

Un abrazo y beso para MI!!! Felicitaciones a MI!!! (ya basta del egocentrismo exacerbado)

Gracias por leerme chicos!!!

LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA

2010-08-06T20:24:00.000-07:00

Hay momentos en que dudo de mi capacidad crítica.

Momentos como éste en el que me encuentro repitiendo uno o dos filmes.

Lo confieso.

Estoy enfermizamente obsesionada con ellos.

Por aquello de que mi subjetividad producto de mis falencias o virtudes de ser humana, interferirán o no, con mi discurso o con una simple visión mortal de alguien a quien le obsesionan las 24 imágenes por segundo que se me otorgan como el más exquisito de los manjares.

Estuve obsesionada con esta trilogía desde que observé los títulos que la componían en la librería. Y, aunque, no tuve la oportunidad de leerlos porque mi intriga y otras vicisitudes no me lo permitieron, hoy hacen parte de mi entrañable lista de libros por leer.

La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, ¿Qué carajos de título es éste para una novela de ficción? Y La reina en el palacio de las corrientes de aire.

Su carácter, (el del primer título), angustiante y temiblemente depresivo llamó extrañamente mi atención y el corazón me latía fuertemente, experimentando esas acuciosas “mariposas en el estómago”, como quien observa a la persona que le atrae. A mi me atraía fuertemente los títulos de una trilogía.

Soñar con un bidón de gasolina y una cerilla no es lo inmediatamente común en alguien. Así como soñar con una hacker andrógina bisexual que carece de cualquier inteligencia emocional posible, pero que ha sido dotada de una innegable inteligencia espacial, numérica, informativa y memoria fotográfica, tampoco sería lo común.

Lisbeth Salander no es un personaje común. De allí, a que llame tanto la atención. Aunque comprenderla grosso modo podría resultar frustrante para el espectador que raye en la normalidad, Salander es la representación perfecta de la importancia de la necesidad de una evolución natural en la infancia. Porque cualquier vacío que se tenga en esta etapa es inmodificable y quedará concentrado para toda la vida.

Se debe señalar que la perturbada conciencia y el corazón congelado de Salander son el eje central de esta trilogía que es complementada o “adornada” con situaciones de suspenso que la colocan en una prueba constante de la lucha por su supervivencia.

Aunque sería irresponsable hablar de una adaptación de estas tres entregas, por la ausencia de esta escritora de la lectura de la trilogía, (por lo cual me disculpo) podría aseverar que ambas poseen un guión que respeta su género, y, aunque la segunda parte no es sino una mera transición entre la primera y la tercera, es necesario su visionado. Asimismo, ésta última hace gala de un suspenso envidiable para cualquier director de corte de suspenso o thriller psicológico.

Hay que resaltar ampliamente el perfecto complejo actoral encabezado por los actores Noomi Rapace y Michael Nyqvist, éste último quien interpreta al editor general de la revista Millenium (con un decisivo carácter de periodismo investigativo punzante, que llega hacia las últimas consecuencias), refleja todo lo que un grande actor debe: el casamiento profundo con su personaje hasta cuando sea imposible distinguir a éste del actor quien lo interpreta. Además de revelar un profundo e hipnotizante compromiso con el avance del guión.

Si nos referimos al guión, se podrán observar algunas fallas estructurales de una ausencia de relación entre los personajes principales que le roba la fuerza que se nos revela en la primera entrega. Y que se recupera magistralmente en la última, además del manejo estupendo del suspense.

La dirección técnica se encuentra en una conjunción perfecta con el guión. Uso de los flashbacks son recurrentes para relatar la historia. Los planos utilizados enseñan una exquisita precisión.
Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión basado en los cimientos de la gratificante labor periodística, insuperable puesta en escena, hacen de estos filmes, si no puedo aseverar que sean o no una buena adaptación cinematográfica, por lo menos puedo concluir que representan todo un anti-estandarte en el trato hacia el género femenino y la búsqueda incensante de la paz.

Hoy, me encuentro debatiendo profundamente entre la inteligencia emocional y la racional. Gracias Stieg Larsson, donde quieras que estés por demostrarnos, además, la corrupción existente en las altas esferas del poder y por darnos a entender que el bien siempre derrotará al mal, sobre todas las cosas.
Gracias.

Escena para no perderse: Todas donde esté presente el personaje de Lisbeth Salander. El juicio y los últimos planos.

Mi recomendación: No lleve a menores de edad a ver estos filmes. Escenas sexuales explícitas puede que les resulte ofensiva.

CARTA A SARAMAGO

2010-06-19T22:27:00.000-07:00

Interrumpo la emisión cinéfila de mi blog para escribirte, porque lo admito, una lágrima se escapó de mis ojos el día de ayer, cuando escribía una nota acerca de la adaptación de tu libro Ensayo sobre la ceguera mientras había mucha gente a mi alrededor, y lamento decirte que me deshice rápidamente de ella, porque no sabía por qué sucedía.

Hoy, pensé en ti antes de irme a dormir. Y esta carta es para agradecerte profundamente que existieras. Que lucharas intensamente por cumplir tu Dharma o propósito final en la vida.

Empecé tu lectura como le sucede a las relaciones sentimentales de hoy en día, que comienzan por el final, y terminan precisamente, por el principio. Tu novela Caín llegó a mi como me sucede siempre, por azares extraños del destino. Y con ella, quise cuestionarme aquello a lo que más le temí: mi fe ciega en Dios. Porque para revisar algo tan abstracto hay que verlo desde varios puntos de vista.

Gracias profundas por ser mi mentor sin que lo hubieses intuido. Por enseñarme a ver más allá de la infructuosamente denominada “realidad”. Por dejarme saber que los signos de puntuación no eran tan necesarios para ti. Porque pudiste llegar a mi, aunque no habláramos el mismo idioma. Por enseñarme que los nombres que se les colocan a los personajes, no tiene ni mayor ni menor relevancia dentro de una novela. Por enseñarme que la sociedad necesita que se le remueva esa ceguera que no nos deja ver lo que realmente somos. Por dejarme saber que el lenguaje tiene más de las mil palabras que usamos usualmente. Por reírte a carcajadas de la absurda y temiblemente frágil condición humana. Y sobre todo, por dejarme llevar a cabo una concienzuda introspección hacia lo que consideraba como urgente y primario en vida, que realmente no lo es. Gracias finalmente, por abrirme los ojos.

Aún me quedan varios libros por leer, estoy en la mitad de tu Ensayo sobre la lucidez. Ya te haré saber mediante otra carta cómo me va…

¿Qué diablos de Dios es este quien te recibirá en las puertas del cielo, a pesar de que cuestionaste fuertemente su existencia?

Nos veremos algún día, pero no todavía. No todavía.

Mi más profunda admiración va para ti.

Abrazos,

Carolina.

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (¿Y a mi que carajos me importa eso?)

2010-05-02T11:25:00.000-07:00

Soy la siguiente en la fila.

-Buenas noches, por favor, me dirijo a la función de “Los hombres que no amaban a las mujeres”, solicito…

-¿Cuantos tiquetes?, pregunta la mujer detrás de la ventanilla.

-Uno, por favor, respondo de la manera más fría.

(Una sonrisa maliciosa y sarcástica se esconde detrás de la mirada de la mujer detrás de la ventanilla).

Si la mujer detrás de la ventanilla tuviera la menor idea en su cerebro cual es la sinopsis de este filme no habría hecho esa mirada. Si es usted una chica a la que le es indiferente el buen cine y espera ver un drama tonto para mujeres, muy girlie like, está equivocada. Entre mejor a ver “Dear John”. Y si usted es un hombre y no desea verlo por la misma razón, está igualmente equivocado.

Cuando escuché hablar de esta trilogía por primera vez, hace algunos meses, debo confesar que el titulo de esta primera entrega no me llamaba la atención en lo más mínimo, por aquello de la reciprocidad en las relaciones de cualquier tipo. Y así acontecieron los días sin que me interesara, hasta que escuché el titulo siguiente: “La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina”, tal vez algo depresivo para el gusto en general, muy llamativo para el mio.

Ahora, que el autor de dicha trilogía haya fallecido de una manera tan repentina y justo días después de hacer la entrega del tercer manuscrito de la serie, al parecer, alimenta el morbo de quienes le leen. Si me cuestionan si me lo ha alimentado a mi, la verdad dicho hecho me es indiferente. Con el objetivo de redondearles la historia puedo agregar que Stieg Larsson era un periodista y escritor sueco quien se interesaba firmemente por la investigación periodística, el racismo y el nazismo, entre otros temas.

Sería irresponsable de mi parte comentarles que ha sido o no una brillante adaptación cinematográfica, debido a que por azares del destino no tuve la oportunidad de leer el libro con antelación. Ahora al saber que las ultimas dos entregas han sido filmadas, procederé con gran cautela a revisar los próximos libros.

Cuando empiezo a ver un filme por primera vez, tengo en cuenta lo que extracté del manual del actor de Stanislavsky hace algunos años, así que me digo: “Trata de convencerme que esto me va a gustar”… Y se empieza desde el “No te creo nada, sígueme convenciendo…”.

Niels Arden Oplev, su director y el autor me han convencido.

Esta es la sinopsis que me regala mi amiga la wikipedia: “Hace 40 años, durante una reunión familiar en una isla, la joven Harriet Vanger desapareció sin dejar rastro. Aunque no se ha encontrado su cuerpo, su tío está convencido de que fue asesinada por alguien de su propia familia, así que decide contratar a dos personas para que investiguen el caso. Los elegidos son un desencantado periodista, Mikael Blomkvist, y una problemática hacker informática llamada Lisbeth Salander. Ambos descubrirán que el secreto del clan Vanger es más oscuro de lo que parece.”

Este filme aparece como la aguda y punzante representación de una crítica social claramente expuesta hacia lo que es oculto en la sociedad sueca, abusos del poder, además de señalar el daño sigiloso y extenuante que causa la violencia verbal, sexual y de todo tipo hacia el género femenino en la cual, además, la doble moral hace su presencia a través de una historia con tintes de crudeza.

Hay que resaltar ampliamente el perfecto complejo actoral encabezado por los actores Michael Nyqvist y Noomi Rapace, de quienes no sabía nada hasta el momento y que desde ya hacen parte de la lista de actores de los que estaré atenta, debido a su intensa capacidad hipnotizante y de gran sentido de la verdad (la de ambos). En especial llamó mi profunda atención el personaje de Lisbeth Salander, la hacker andrógina y perturbada mentalmente dotada de una impresionante calidad artística otorgada por Noomi Rapace. Solo por este personaje vale la pena observar el filme.

Si nos referimos al guión puede que existan algunas fallas estructurales que habrá que ser revisadas directamente del libro y que al más atento de los espectadores le sorprenderá, aún así, se convierte en una excelente propuesta de novela negra que no cae en puntos efectistas.
La dirección técnica se encuentra al servicio del guión, aunque lejos de brillar, realiza una perfecta complexión entre los close-up del drama, junto a los contados pero efectivos flashbacks, y sin necesidad de colosales efectos especiales llega a crear grandes dosis de tensión y estupefacción.

Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión basado en los cimientos de la poco gratificante labor periodística, insuperable puesta en escena, hacen de este filme, si no puedo aseverar que sea o no una buena adaptación cinematográfica, por lo menos puedo concluir que representa todo un anti-estandarte en el trato hacia el género femenino.

Escena para no perderse: Todas donde esté presente el personaje de Lisbeth Salander.

Mi recomendación: No lleve a menores de edad a ver este filme.

Puede que la aguda violencia sexual explícita les resulte ofensiva.

THE ROAD (O por que todavía en el mundo post apocalíptico habrá Coca-Cola)

2010-04-28T20:03:00.000-07:00

Así como los sueños y pesadillas que nos acompañan en la noche representan los miedos más profundos que tenemos en la psiquis y en el alma, de la misma manera el cine refleja, entre otros miles de sentimientos, esos miedos que nos trastornan la estabilidad emocional, y el más reciente se distingue por ser el miedo al exterminio de la raza humana.

El Armageddon, apocalipsis, o fin de la civilización, cuantas definiciones se le requiera otorgar a ese momento que consideramos como maquiavélico y de profundas disquisiciones escatológicas ha sido trasladado a la pantalla con una reiteración más ininterrumpida en este milenio de la que habíamos sido espectadores. Es necesario y contingente repetirlo: Tenemos miedo a que la raza humana tenga su fin.

Que la teoría maya nos haya cedido el terrible mensaje que esto que conocemos como vida no vaya más allá del 21 de diciembre de 2012, que quien sabe cuantas profecías existentes y desconocidas coexistan acerca de este fatídico evento. No tengo idea. Filmes como “Armageddon”, “2012”, “Wall E”, “The Day after tomorrow”, “Waterworld”, “I am legend”, “Last man on Earth” “12 monkeys” “Death Race”, “Mad Max” y una lista interminable, por solo nombrar algunas del cine pudiente hollywoodense, se aprovechan de aquellos miedos del hombre para conferirles una exploración minuciosa, tal vez demasiado desesperanzadora para mi gusto, aunque con una definitiva búsqueda de la conciencia social.

The Road, se configura así como otro filme a ser añadido a esa línea de denuncia ambientalista reducido a un thriller post apocalíptico que, si bien es cierto que gracias a la cruda, grisácea y angustiante cinematografía conferida por el español Javier Aguirresarobe, nos traslada fielmente a la descripción ambiental visionada por su autor, Cormac McCarthy, el filme está adherido de fallas que no lo permiten elevarse a una categoría más sublime.

Viggo Mortensen el actor principal de este filme, quien se encuentra en el momento de perfección de su talento en el que cualquier rol que tome lo encarnará más que fielmente, se convierte en el eje central de esta adaptación cinematográfica que aunque muchos críticos concuerdan en que presentarla como una gran pieza de arte a mi parecer sus fallas en la conexión con el espectador son temiblemente ineludibles a pesar de los continuos esfuerzos de Mortensen o del cameo de Robert Duvall, a quien no reconocí sino hasta después de los créditos.

A resaltar ampliamente se encuentran las crudas escenas de violencia tipo gore en el que el canibalismo hace su triste presencia. Escenas totalmente justificadas, pero como ya lo he expresado anteriormente, no de mi gusto.

Llamó mi atención de manera ofensiva la inclusión de la publicidad a la Coca-Cola. Después que se acaba con toda posibilidad de alimentación en el mundo, donde no existe ni el agua, el protagonista halla en un dispensador tal líquido precioso. Es indispensable cuestionarnos que tan pertinente sea esto para el espectador, a mi parecer le resta credibilidad al filme.

Una conjunción de fallas como la falta de personalidad y sello del director en conectar a sus actores con la audiencia, provoca que se desperdicie un excelente libro, soberbios actores y una más que exquisita dirección artística en algo que pudo haberse convertido como el mejor filme post apocalíptico. John Hillcoat tuvo todo a su favor pero al final nos hace entrega de algo que pudo ser y no fue.

Y lo único que me quedaron ganas fue de tomar Coca-Cola antes de que llegue el Armageddon.

CELDA 211

2010-04-25T21:59:00.000-07:00

¿Cómo puedo amar al “malo” de la película? ¿Es posible que ya no posea sentimientos humanos normales que me indiquen que debo, por valores morales, adorar al “bueno” y odiar al “malo”?

Aprendí a amar,-lo manifiesto en el sentido histriónico- a Luis Tosar desde que le vi en el film “Te doy mis ojos” (2003) de la directora española Iciar Bollaín. Su encarnación de un personaje que maltrata a su esposa físicamente debido a sus inseguridades como hombre machista, llamó mi atención. Manifestar lo más terrible de la condición humana a través de la interpretación, solo se consigue a través de una catarsis profunda y un talento del cual muy pocos poseen acceso.

Repitiendo o incluso, perfeccionando a través de una fuerza escénica compleja y sentido de la verdad profunda, Luis Tosar nos logra introducir en un recinto en el que se coloca a prueba la necesidad de sobrevivir a toda costa, donde las tensiones se agudizan y la vida se torna en un continuar absurdo.

Reencontrarse con el género señalado como “drama o thriller carcelario” puede que no se convierta en un atractivo para el espectador común que desee permanecer en un rato de ocio y simple diversión. Si nos remitimos a este género se debe conocer con su debida antelación que los espacios cerrados, claustrofóbicos como en esta instancia, la cárcel, generan como primera medida una lucha por la supervivencia humana. Dichos relatos generarán grandes dosis de violencia física, verbal, además de desasosiego y demás frustraciones.

Sinopsis extractada de mi amiga la Higuera.net: “El día en que comienza a trabajar en su nuevo destino como funcionario de prisiones, Juan (Alberto Ammann) se ve atrapado en un motín carcelario. Haciéndose pasar por un preso más, luchará para salvar su vida e intentar dar fin a la revuelta, liderada por el temido “Malamadre” (Luis Tosar). El joven tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino”.

Una construcción excelsa a partir de una imponente, memorable e hipnotizante interpretación central de Luis Tosar, un guión que sabe manejar las tensiones y doblega los puntos de giro a su antojo junto a una dirección técnica más purificada de lo que nos tiene acostumbrados el cine español. Un filme que defiende a capa y espada todos sus goyas recibidos y que además se cuestiona con firmeza por que no lo propusieron para los oscares…

Un Prophète (O a propósito del Michael Corleone francés)

2010-04-14T20:17:00.000-07:00

“El hombre nace naturalmente bueno es la sociedad lo que lo corrompe” Jean Jacques Rousseau.

Que la violencia no sea tan innata a la mujer, como lo es al hombre, me corresponde preguntarme porque esa violencia tan finamente expuesta en este filme atrajo mi atracción. Con sus debidas pinceladas francesas de una cruda narrativa visual, las imágenes de este filme aunque un poco extendidas –debido al largo del filme- son propias de un lirismo colérico que se absorbe a cada minuto.

Si alguna vez se preguntó que sería si Michael Corleone hubiese sido colocado en otras circunstancias, como por ejemplo, en una prisión francesa, con una mafia corsa en vez de una italiana, y sin una familia que lo respaldara. Jean Jacques Audiard –su director- le puede mostrar que le sucedería.

Evitar las comparaciones en este filme es totalmente ineludible dado que es necesario y contingente, indagar que sucedería en caso de que un hombre relativamente bueno, sea fuertemente presionado por las circunstancias a convertirse en un asesino y un correcto manipulador de situaciones a su favor. Como diríamos en términos colombianos, tal como le denominaban a un reconocido líder del cartel de la droga, podría aseverar que su protagonista se convierte en todo un “Ajedrecista”, tal como lo otorga esa conjunción perfecta entre preparación y sagacidad encuentra oportunidad.

Mi amiga la página Film Affinity les regala la sinopsis: “Un joven árabe (Tahar Rahim) de apenas 19 años ingresa en prisión para cumplir una pena de 6 años. Dentro la vida es dura, pero el joven despliega poco a poco un potente carisma capaz de hacer frente a los miembros de la mafia corsa de la prisión en intramuros.

Este filme alabado como el mejor del festival de Cannes, (Un profeta, profeta en su tierra) seleccionado candidato al Oscar 2010 en el apartado de película de habla no inglesa, eleva la dirección técnica a otra categoría en la que escenas largas, encuadres novedosos mezcladas con cámara al hombro y acercamientos se convierten en un exquisito plato para el paladar del espectador. La cámara se convierte en amiga, amante y enemiga del personaje principal, lo sacude hasta el extremo y lo ayuda a madurar.

Y aquí tocamos el momento más culminante de la historia en el que el proceso de maduración de Malik El Djebena -el protagonista- se asemeja al del más sublime de los vinos. Transmutarse de hombre casi inocente y puro, a calculador asesino y traficante nos muestra como las decisiones que tomamos en un momento nos pueden llevar hacia un camino o el otro. Ahora, pudo él haber tenido la oportunidad de escoger otro destino? Espero escuchar esa respuesta de ustedes. Los que no podrán perderse este ambicioso, claustrofóbico aunque sumamente provocador thriller de gansters.

Escena para no perderse: El tiroteo en la camioneta todoterreno.

Mi recomendación: No espere a que este filme lo transmitan en cinco años en los canales nacionales doblado al español. Respete el idioma original. Porque la voz propia de los actores tiene una fuerza única y transmite tanto como el lenguaje corporal. Después no diga “a mi no me pareció tan buena”…

SHUTTER ISLAND (Crítica)

2010-03-24T17:31:00.000-07:00

“Este lugar me hace pensar… ¿Qué es peor? Vivir como un monstruo o morir como un hombre decente?”.

Martin Scorsese lo ha logrado nuevamente. Con un estilo vivazmente expresionista que nos conduce a un exquisito thriller psicológico, su director hace gala de una de sus grandes obras, y, aunque en el futuro no será visionada como la mejor de su carrera, si como una brillante y excelsamente tensionante pieza de arte.

Es estrictamente necesario referirnos al escritor estadounidense Dennis Lehane, quien se presenta como la soberbia y fluida pluma de obras que han sido trasladadas de manera magistral al cine, a saber, “Gone baby gone”, y una de mis favoritas dirigidas por Clint Eastwood, la ya legendaria “Mystic River”. Es reconocido que Lehane dota a sus personajes de una dualidad circular (debido a la complejidad) y moral que les brinda un mayor despliegue de emociones y, por lo tanto, una mayor empatía para el lector/espectador. En Shutter Island nos confirma su cualidad de escritor de trazos firmes y diálogos intensos.

Aún así, debo mencionar que algunos espectadores en la red no han perdido el tiempo para señalar y acusar de plagio a Lehane, (el escritor) debido a la gran semejanza de la línea central por el libro adaptado de la misma forma al cine en 1983, “Los Renglones torcidos de Dios” del escritor español Torcuato Luca de Tena.

Aún así, con esta posible no identificación del verdadero autor, Scorsese nos presenta en su film una sublime atmósfera onírica junto a la más selecta estilización visual coloreada principalmente por el rojo de la sangre, enardecida a través de la cinematografía de Robert Richardson quien ha trabajado para “Kill Bill Vol. 1 y 2” y “The Aviator”.

Si de referencias anteriores hay que elucubrar nos beneficiamos de la mítica “One flew over the Cuckoo’s Nest” (1975), y de Quills (2001) en la que la unidad de lugar se repite. Una institución mental, en un tiempo anterior de la reforma psiquiátrica donde los procedimientos para las enfermedades mentales eran intensamente cuestionados, aunque, para nuestra fortuna no eliminados en su totalidad.

Sinopsis extractada de Wikipedia : “En 1954, los agentes judiciales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son enviados a una institución mental para criminales situada en Shutter Island, con el fin de buscar a Rachel Solando, una psicópata que ha escapado misteriosamente de su celda. Una vez dentro, conocen al doctor John Cawley, la cabeza visible de la institución, quien no está dispuesto a colaborar con los agentes. Una tormenta los deja atrapados en la isla, y un caos entre internos empeora la situación. A lo largo de la cinta, las circunstancias en el interior de la isla hacen renacer los recuerdos y los conflictos internos del protagonista central, en donde el suponía que llevaban ahí a los internos para hacer experimentos con ellos.”

Del casting se desprende directamente Di Caprio, del cual, debo admitir que no soy una admiradora profunda. No obstante, puedo asegurar que nos ofrece una interpretación con un elevado sentido de fe y verdad. Este actor comienza ya a rendir los frutos de su vasta y aunque, no muy alabada experiencia.

Mark Ruffalo, líder de una aguda sobriedad interpretativa magnificada con su tono característico de voz pausado, abre paso de manera humilde para que el protagonista, Di Caprio, pueda brillar y de la misma forma establecer una estrecha relación entre ambos. Pocos actores reflejan esa valentía de alejarse del spotlight y Ruffalo es uno de ellos.

Sir Ben Kingsley, a quien le profeso una profunda admiración, (reverencia para él), después de haberlo visionado en Elegy como el taciturno, obsesivo y provocador amante de Penélope Cruz, gira 360 grados y nos ofrece una actuación con características pausadamente más siniestras. Se configuran sus expresiones visuales como temiblemente exquisitas. Resulta imposible no poder leer cada una de sus miradas.

Jackie Earle Harley, (Watchmen), a pesar de su corta aparición, nos confirma una vez más por que su posible encasillamiento de roles oscuros no es más que la combinación de su rostro con fisonomía malévola y su facilidad innata para la comprensión profunda psicológica de los personajes que encarna.

Uno de los elementos más brillantes, que en si parece ser otro personaje más de la historia, está determinado bajo la composición musical muy a lo Hitchcock, que refleja esa particularidad terrorífica y angustiante en sus obras.

Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión con un eje central seductor y puntos de giros emocionantes e inesperados, insuperable puesta en escena, hacen de este film un MUST-SEE en su lista de películas por ver en este mes. Eso sí, tenga muy pendiente el camino de regreso a su hogar.

Ahí se las dejo.

http://campus.usal.es/~revistamedicinacine/Vol_3/3.2/esp.3.2.pdf/manicomios.pdf
http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo#Cine

EDGE OF DARKNESS

2010-03-24T10:12:00.001-07:00

Debido a una extraña y casi inusual naturaleza sumamente inquisitiva que me caracteriza, me encontré tratando de inferir en algún momento cómo sería el sentimiento que se tiene hacia un hijo. Y, aunque haya podido vivenciarlo de forma invertida, e incluso percibirlo, no sabría que haría en caso de que tuviera una pérdida de esa magnitud.

Perder a un hijo o una hija. Nótese que el término “perder” podría ser denotado simplemente como la huida física de este miembro a cualquier x lugar del mundo. Pero, ¿y si ese hijo, falleciera? ¿Y si dicha persona que usted creó con el mayor esfuerzo y amor que alguna vez imaginó posible, fuera asesinado? ¿Qué haría? ¿Sería usted benevolente con el infractor, o, en el peor de los casos, sería usted capaz de lo inimaginable para llevar a cabo una temible venganza?

Este eje central ya había sido brillantemente capturada y explorada en el film “Taken” (2008), o, en una línea muy parecida, con un guardaespaldas que es salvado del infierno en que se le había convertido su vida hasta que aparece en escena una niña a la cual le comienza a profesar un gran cariño en “Man on Fire” (Veáse en este blog un escrito inspirado por el film) " A propósito de las Llamas" (2004). Ambas altamente recomendadas.

Beneficiarse de una fórmula de la que se han obtenido excelentes resultados con anterioridad, puede o, muy fácilmente conducir un éxito o un fracaso. En el más deprimente de los casos, ser considerado como una mala imitación de la original.

No hay mayor pecado que desperdiciar por completo a un complejo de actores con los cuales se puede obtener una calidad suprema de pureza intimista y natural, como es el caso del veterano Mel Gibson, quien regresa delante de cámaras después de una ausencia de ocho años. Así mismo, desperdiciar a Ray Winstone, (Jedburg) obligándolo a una monotonía que raya en el aburrimiento, termina confluyéndose como insoportable. La ausencia de dirección de actores es cruelmente palpable. Los antagonistas están restringidos a un estereotipo tan común, que en vez de desviar la historia para que el espectador indague por su cuenta, te remarcan una y otra vez su clara incapacidad para sorprender.

Edge of Darkness, es la adaptación de una miniserie de Londres que se benefició de un éxito rotundo en el año 1985, dirigida por el mismo director del film, Martin Campbell, (Casino Royale). Si el traslado a la gran pantalla hubiese tenido cabida antes de que llegaran los films anteriormente mencionados, éste habría sido un éxito. Lamentablemente, para superar una línea que ha sido virtuosamente explorada con anterioridad, se ofrece como necesario un replanteamiento de la historia.

Esta es la sinopsis extractada literalmente: “Thomas Craven (Mel Gibson) es un veterano detective de homicidios del distrito de policía de Boston y un padre viudo. Cuando su única hija, Emma (Bojada Novakovic) de 24 años, es asesinada en las escaleras de su casa, todo el mundo supone que él era el objetivo. Pero él pronto sospecha lo contrario, y se embarca en la misión de averiguar la vida secreta de su hija y de su asesinato. Su investigación le lleva a un peligroso y engañoso mundo de encubrimientos corporativos, connivencia gubernamental y asesinato—y a un misterioso agente del gobierno, Darius Jedburgh (Ray Winstone), que ha sido enviado para eliminar las pruebas. La solitaria búsqueda de Craven de respuestas sobre la muerte de su hija se convierte en una odisea de descubrimiento emocional y redención.”

En referencia al guión, si bien es cierto que ofrece algunas escenas contadas sorpresivas, auxiliadas éstas por la crudeza visual narrativa, los puntos de giro son prácticamente inexistentes.

Se podría resumir como un thriller medianamente elaborado, con algunos toques sorpresivos, que ofrece una buena, aunque desgastada actuación central de Gibson.

Mi recomendación, si usted ha visto las mencionadas anteriormente, sólo remítase a ésta si es un admirador del trabajo de Gibson. Si no, déjela pasar.

TOP OF MIND (In movies) The Sequel...

2010-03-22T11:15:00.000-07:00

Me han extendido este meme de Top of Mind desde el blog de Jorge Moreno, Más Cine, un blog que se caracteriza por lo puntual y ágil en sus apreciaciones cinematográficas. No me queda más que agradecerle ésta invitación. He decidido que sea continuado por quien decida hacerlo.

Espero que la lista sea de su agrado.

Las reglas son las mismas.
1. Decir quién te lo propuso.
2. Poner tus favoritas y no las que pensamos que son las mejores.
3. Proponer a tres bloggeros para que lo sigan.

Película sobre el Holocausto: Shindler's list.
Película más sobrevalorada: -Slumdog Millionaire
Película mexicana: Amores Perros
Película española: Hable con Ella
Película Gay: Mi segunda Piel
Película de Pedro Almodóvar: Carne Trémula
Película de Martin Scorsese: Casino y Ranging Bull
Película de Quentin Tarantino: Kill Bill 1 y 2 , Inglourious Basterds
Película de Tim Burton: Edward Scissorhands, Alice in Wonderland
Película de Alejandro González Iñárritu: 21 grams
Película de Clint Eastwood: Million Dollar Baby
Película basada en un libro: El Perfume de Patrick Suskind!!!
Película Latinoamericana: El Secreto de sus Ojos
Película con el mejor final: Dog Day Afternoon
Película de Meryl Streep: Sophie's Choice, Kramer Vs Kramer.
Película de Kate Winslet: The Reader, The Life of David Gale.
Película con revueltas estudiantiles: Ondskan (Evil), La sociedad de los poetas Muertos.
Película de Johnny Depp: Ed Wood
Película que batallaste en entenderle: Requiem for a dream.
Película que no te cansas de ver: Closer
Película animada que no te cansas de ver: Ice's Age
Película de drogas: Requiem for a dream
Película de catástrofes: Titanic
Película de vampiros: -------
Película que te gusta mucho y a la mayoría no: Eternal Sunshine of the spotless mind.
Película con la mejor música: Amelie y La Vie in Rose
Película de extraterrestres: District 9
Película que ganó el Oscar injustamente: Slumdog Millionaire
Película que debió estar nominada al Oscar principal: 500 days of Summer
Película basada en una banda o cantante: La Vie in rose
Película con duelo de actuaciones: The Doubt

Actriz injustamente oscareada: Julia Roberts
Actor injustamente oscareado: ---------
Actriz sin Oscar que merece uno ya: Naomi Watts
Actor sin Oscar que merece uno ya: Viggo Mortensen
Actriz de tu país: Flora Martinez
Actor de tu país: Robinson Diaz
Actriz: Cate Blanchett, Kate Winslet,Meryl Streep, Naomi Watts.
Actor: Al Pacino, Robert de Niro (Nadie ha llegado al nivel actoral de lo que ambos hacian cuando estaban en sus 30... ) Viggo Mortensen, Joaquin Phoenix.
Director: Martin Scorsese, Tim Burton, Iñarritu.
Personaje animado: Rogger Rabit

500 DAYS OF SUMMER

2010-03-19T20:19:00.000-07:00

“.. Summer sólo amaba dos cosas: la primera era su oscura y larga cabellera, la segunda era lo fácil que la cortaba sin sentir nada”.

Pregúntese si desea continuar.

Esta es la historia de una chica que escribe impresiones acerca de los films que observa. Pero deberá saber con anterioridad, que ésta no es una crítica…

Como aquel viejo amor o desamor al que a pesar de todos los infructuosos y desgastantes esfuerzos nunca pudimos entender. Del que no tuvimos la oportunidad de desarmar a través de un poema escrito con el alma y desgastado en la mente. De la misma forma existen films que se nos introducen con tanta fuerza en el alma que tratar siquiera de narrar por que nos gusta o disgusta es como tratar de decir el nombre de quien nos hemos enamorado sin que se nos dibuje una sonrisa en los labios. Absurdamente inevitable.

Summer es una chica igual a todas. Tom es un chico igual a todos.

No se engañe tan fácil. Si la anterior premisa fuese cierta, aquí no habría historia. ¿Qué sería de la vida sin la sal de la vida necesaria?

Como fiel creyente de que las personas existentes o preexistentes en la vida de cada quien tienen que cumplir un rol específico. Ya sea como el Ying- y el Yang, nos proveerá de algo positivo o de algo negativo.

A veces involucrarse tanto, puede ser dañino. Involucrarse de cualquier forma posible. Esta vez he decidido dejar que mi objetividad se vaya a la basura. (Sólo por hoy).

Podría mencionar que la estructura narrativa visual es brillantemente inusual, que en una escena crucial se asemeja a “Sliding Doors” (1992) por la división en la pantalla de una misma realidad y posibles duales destinos, que los diálogos aparecen puntuales y precisos, que la historia es exquisita… podría, podría, podría, yo podría, pero no lo deseo.

Porque más que todo ésta es una historia de personajes. De una chica que posee cualidades de chico, quien controla la relación, para quien sentir se le convierte en un privilegio que no puede alcanzar, para quien el amor es un convenio malogrado e inservible. Y de un chico que descompone minuciosamente todo lo que la chica menciona y lo revisa de tantas formas posibles, y lo analiza con sus amigos, y lo mastica y lo duerme, y lo sufre, y lo escupe y lo vuelve a tragar tan fuerte, que se le convierte en una obsesión insufrible.

Oh-oh!!! Esta es una historia de obsesiones. Ya lo entiendo.

Yo podría hablar de Tom y Summer toda la madrugada… Podría, podría, podría, yo podría, pero no lo deseo.

Le extiendo la visita a mi obsesión.

Esta es una historia de una chica que conoce un chico.

Pero deberá saber con anterioridad que no es una historia de amor.

MY TOP OF MIND (En films)

2010-03-16T14:06:00.000-07:00

Pabela desde La Cinerata, un blog que a mi parecer es VIP, debido a la intrepidez e inteligencia de sus escritos y noticias y su suprema obsesión por el cine (lo cual tenemos en común), me ha ofrecido este meme, el cual, además de representarle todo un gran reto a mi memoria, me honra de sobremanera que haya pensado en mi para su respuesta.

No me resta más que agradecerle la extensión de este juego que apela, además de mi agilidad mental, a una clara definición de mis gustos ya sean éstos ocultos en lo más profundo de mi subconsciente o en lo más claro de mi superficialidad buscada.

Los films aqui expuestos serán los primeros que vienen a mi memoria. No significa que menosprecie de ninguna forma a las millones de películas existentes.

Les recomiendo ampliamente a Pabela y La Cinerata.

He añadido la categoría del cine Neo-Noir y Spaghetti Western, que son dos derivaciones...
Espero lo disfruten...

Reglas:

1)Decir quien los ha nominado a este juego (HECHO)
2)Rellenar los huecos a continuación con la película que más te guste de cada género.
3)Nominar al número de personas que quieras, o cuyos gustos más te interese, para que hagan lo mismo en sus blogs (al final de la lista)

Mejor Película de Acción: The Fast and Furious (Tokyo Drift)

Mejor Película de Aventuras: The Lord of the Rings (3 Partes)

Mejor Película Bélica: The Hurt Locker/ Saving Private Ryan

Mejor Película Biográfica: Ed Wood (Tim Burton)/La Vie in Rose (Marion Cotillard)/The Queen/Juana la loca/Cleopatra.

Mejor Película Cómica: Modern Times, The Great Dictator (Charles Chaplin)/Tootsie/Tropic Thunder.

Mejor Película de Ciencia Ficción: The Fifth Element/Avatar

Mejor Película Deportiva: Jerry Maguire

Mejor Película Dramática: 21 Grams /Mystic River/Kramer Vs Kramer/Midnight Cowboy/Hotel Rwanda/Carlito's Way (Que no se note que esta es una de mis categorías predilectas)...

Mejor Película de Gangsters: El Padrino (Además que está entre mis mejores 10)/Goodfellas

Mejor Película Histórica: Ben Hur/Hotel Rwanda/Elizabeth

Mejor Película Independiente: La vida sin mi/Elegy (Ambas de Isabel Coixet)/Dancer in the Dark

Mejor Película de Juicios: JFK (Kevin Costner)

Mejor Película Musical: Moulin Rouge

Mejor Película Basada en un Comic o Novela Gráfica: Watchmen/The Dark Night

Mejor Película basada en Obra de Teatro: Romeo y Julieta (Baz Luhrman)/Hamlet/La Soga

Mejor Película Romántica: Casablanca/The Graduate (This is for you Mrs Robinson...) /Great Expectations/Eternal Sunshine of the Spotless Mind /500 Days of Summer.

Mejor Película de Terror: Alien/The Silence of the Lamb

Mejor Película Thriller: Dog Day Afternoon (Dirigida por Sidney Lumet) Excelente!!!/Zodiac

Mejor Película Cine Negro o Noir: El Halcón Maltés

Mejor Pelicula Cine Neo-Noir: The Untouchables /Reservoir Dogs

Mejor Película Western: Unforgiven

Mejor Película Spaghetti Western: Inglourious Basterds!!!

Mejor Película Animada: Up (Una aventura de Altura)/Madagascar/Shrek

Elijo todo aquel que desee continuar esta lista.

ALICE IN WONDERLAND

2010-03-09T12:47:00.000-08:00

Hoy me levanté pensando en seis cosas imposibles antes del desayuno:

1. Podré hacer esta reseña.

2. Ella se ha levantado de la cama, me dice que no debo lavar mi cabello de noche una vez más. Mi libro tiene un final feliz.

3. Tengo un doctorado en lenguaje HTML.

4. Alguien ha colocado una arroba de dulces “Nerds” en la puerta de mi casa.

5. El país de las Maravillas verdaderamente existe.

6. Me he robado la poción, el pastel y la llave y estoy a punto de entrar.

Enuncia un refrán popular que conocer es querer, o incluso, amar. Y yo me cuestiono, profunda y de manera casi aturdida y perturbable, ¿Será entonces, posible poder llegar a querer o a amar a alguien que no conoces, pero de quien te llegan noticias graduales o reconoces su labor?

Amo a Tim Burton.

No tengo más nada que agregar.

¿Podrá mi amor hacia su locura bien conducida viciar mi objetividad en esta reseña? Les prometo que haré mi mejor esfuerzo para que esto no suceda.

Recrear el país de las maravillas, ese país que conocí igualmente a la edad de Alicia, fue el objetivo principal que Tim Burton y la productora Disney se trazaron. Para comenzar a distinguir que tanto se encuentra de Burton en la obra, y que tanto resta de la versión original, me remití a cerrar los ojos y recordar aquellas impresiones que se me quedaron prendidas en un rincón del alma que por escondidas, no olvidadas en la niñez. En aquella etapa donde soñar se nos vuelve tan absurdamente cotidiano como respirar y creer que verdaderamente existen lugares como “El país del Nunca-Jamás”.

Charles Ludwig Dogson, mejor conocido como Lewis Carrol, era un matématico, profesor en la universidad de Oxford, a quien se le atribuye la autoría de este relato, quien residía en la época victoriana. Le dedica a una de sus alumnas de nombre Alice, este cuento que refleja una crítica a aquella época, con toques intensos paródicos, metáforas ocultas, y de un humor lógico, y tal vez, de carácter más adulto que infantil, tal como apreciamos en “El Principito” de Antoine de Saint-Exúpery.

Y es por ella razón que los personajes principales de esta obra se les adjudiquen valores especiales. Para adentrarnos se hace necesaria una aproximación a sus significados. (Extractado literalmente de páginas Web, mencionadas al final) a saber:

 “La reina de corazones simboliza el poder político al que Lewis critica presentándola como caprichosa y autoritaria. Es decir, es una critica a la monarquia de la epoca victoriana, y más exactamente a la reina Victoria. Representa al absolutismo monárquico, el uso indiscriminado del poder, una crueldad desmedida en sus actitudes.

 Los naipes representan a la corte o los lacayos de la reina, siempre atentos a sus caprichos.

 El conejo blanco, perseguido por el reloj, atormentado por el tiempo, simboliza burlonamente al hombre que vive obsesionado por los minutos. El autor refleja las prisas de la vida moderna.
En la cultura popular, el Conejo Blanco se ha convertido en un símbolo, donde seguir al Conejo Blanco describe el acto de seguir a algo o a alguien ciegamente, y cuya persecución desemboca en aventuras y descubrimientos. Esta metáfora ha sido utilizada numerosas veces en la literatura, el teatro, el cine y la televisión. Esto se puede ver en películas como Matrix, o Donnie Darko.

 La oruga. A primera vista, es como la antítesis del conejo: relajada, aprovechando una rica tarde en compañía de un cigarro y esperando que la vida simplemente pase.

 El gato de Cheshire: tiene el papel simbólico de ser una especie de consejero o maestro espiritual, que representa la voz de su conciencia, el "Maestro Interior" de Alicia.”

Este film apareció ante mis ojos como exuberante en su dirección artística, evocando una colorimetría absurdamente perfecta, con medidas exactas de saturación e intensidad. Lo anterior adjudicado tanto a su ambientación, como a vestuario y maquillaje, en este último aspecto, llamó poderosamente mi atención los pálidos rostros de los personajes. Sello netamente burtoniano dirigido por su notable influencia del expresionismo alemán. Sean atentos al “fade out” de la ultima aparición en cámara del Sombrerero Loco y observarán la clara transición de colores a blanco y negro. Sencillamente exquisito.

La música, rotundamente burtoniana, es elevada mágicamente a través del reconocido compositor Danny Elfman, quien entre sus labores más recientes incluye, “The Wolfman”, “Terminator Salvation”, “Milk”, y, en compañía con Burton: “Nightmare Before Christmas”, “Charlie and the Chocolate Factory” y una lista interminable de confirmados éxitos. Elfman, le otorga a las cintas de Burton como siempre, esa particularidad angustiante, oscuramente estilizada y a la vez, sombría y grotesca.

No obstante, si nos remitimos al apartado del guión, y aquí llegamos a un lugar muy importante, (elaborado por Linda Woolverton), le veremos claras fallas como la ausencia de un guión estructurado y lineal que nos ofrezca una adentramiento mayor al film, una mayor relación entre espectador e historia, por lo tanto, identificación y compenetración con sus personajes. La coherencia narrativa que brinda la adaptación es casi nula, se aprecian escenas con un carácter unitario, y simultáneamente ausencias de transiciones que motiven a un seguimiento lineal. Aún así, a pesar de sus escenas predictivas, algunas permiten el asombro y la risa abierta, aún así esta es la versión de Burton y de quienes lo conocen, quien esperaría que su adaptación sea tan fiel al libro?
Las actuaciones más que precisas y puntuales, son ampliamente divertidas, ya que permiten una acertada exploración de cada personaje. El estar investidos en personajes míticos como los de Carrol, en vez de cohibirlos, les impulsa a una creación exquisita. A resaltar, como siempre el actor fetiche de Burton, Johnny Depp como El Sombrerero Loco, quien con una combinación entre Jack Sparrow y otros oscuros personajes le otorga al sombrerero un toque más depresivo y sombrío por momentos. Mia Wasikowska, la joven promesa australiana que recuerda a una Gwineth Paltrow con 20 años menos. Helena Boham Carter, a quien parece favorecerle su compenetración emocional entre ella y Burton, (su esposa) su interpretación es dual, a pesar de suponer un odio al espectador, termina por simpatizar. Todos éstos manipulados físicamente por CGI.

Y podría seguirles hablando del film, solo que ahora por confusión, me he tomado la poción para empequeñecer y estoy en el teclado brincando de letra en letra para terminar. Estoy exhausta y no encuentro el pastel.

Adiós “País de las Maravillas”... Mi gato se acaba de tragar la llave.

http://es.wikipedia.org/wiki/Colorimetr%C3%ADa
http://es.wikipedia.org/wiki/Duquesa_(Alicia_en_el_pa%C3%ADs_de_las_maravillas)
http://es.wikipedia.org/wiki/Gato_de_Cheshire
http://www.elkraken.com/Esp/R-alicia-esp.htm

LA SOLEDAD QUE NO TUVO LECTURA

2010-03-04T08:55:00.000-08:00

¿Cómo se hacen los éxitos en el cine? Es cuestión de reunir un par de excelentes actores, un guión que sea un knock out y un director que sepa encauzar estos elementos y los “guie” al éxito… ¿No me cree todavía?

Pues está en lo cierto. No me crea ni poquito. Si esto fuera así de sencillo, no existirían los filmes de baja, de promedio calidad o de ínfima, incluso. Creo que como en todo arte la explicación es muy simple: MAGIA. Porque si fuera tan sencillo como reunir ingredientes y mezclarlos, yo sería la mejor chef del mundo sin hacer ningún esfuerzo.

Existe algo en Kate Winslet que siempre mueve, es como ver la mejor amiga o la hermana en la pantalla grande. Existe algo temiblemente constante y sempiterno en su forma de actuar que nos acerca simplemente a ella, sin notarlo. No coexiste esa cortina de hierro entre “súper estrella” y espectador a la que siempre tememos. Creo que fue lo mismo que me hizo ver Titanic más de 13 veces, o Eterno resplandor de una mente sin recuerdos más de diez.

Presumo además, que es la única actriz capaz de que sintamos una profunda compasión por una mujer que trabajó como guardia de la SS, según la wikipedia: “Las Waffen-SS eran el cuerpo de combate de élite de las Schutzstaffel (más conocidas como las SS, o escuadras de protección). Dirigidas por el Reichsführer-SS Heinrich Himmler, las Waffen-SS participaron en la Segunda Guerra Mundial. Comenzaron como unidad de protección y choque de la dirección del Partido Nazi, hasta convertirse en una fuerza de combate de 950.000 soldados aproximadamente…”.

Si le agregamos además a esta historia a Ralph Fiennes, quien con su sola presencia nos puede remitir al más temido capitán de las SS (en la Lista de Shindler, dato curioso), o, como más nos simpatiza, como la encarnación del perfecto amante: con una extrema sensiblería, absurdamente incondicional, visiblemente perturbado y taciturno. Así como lo percibí por vez primera en el Paciente Inglés (1996).

Fue así como Stephen Daldry, quien ya había dirigido a Nicole Kidman hacia su primer y único Oscar por Las Horas(2002), pudo guiar a dos grandes actores a roles que parecieran que hubieran anhelado ser escogidos por el azar o un juego, muy favorable del destino.
Para aproximarse al lector entendamos su sinopsis: “Cuando cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, Michael Berg (David Kross) un joven de 15 años, es rescatado por Hanna (Kate Winslet), una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado idilio hasta que Hanna desaparece inesperadamente.

Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de un horrible crimen y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que considera aún más vergonzoso que el asesinato.”

Hanna, se convierte así, en una excusa para ver el lado humano de la historia nazi. Y lo más bizarro es que llego a simpatizar profundamente con su personaje, a pesar de lo que defiende. A pesar de que haya sido culpable de los asesinatos ocurridos en los campos de concentración de Auschwitz. Pienso que ésta aseveración mía me convierte en parte “metafísicamente” culpable como enunciaría el existencialista Karl Jaspers, ya que todos somos solidariamente responsables por cada injusticia en el mundo. Puede encontrar esta definición en el ensayo “El Caso de la culpabilidad alemana”, libro que es mencionado por el profesor de leyes del joven Berg en el film.

Muchos filmes y representaciones teatrales se han hecho con la mirada hacia aquel momento de la historia. El Holocausto. Porque al fin y al cabo para terminar entendiendo un hecho tan absurdo es importante revisarlo desde varios puntos de vista: La Lista de Shindler, La vida es Bella, Bastardos sin Gloria, La Caída, El Pianista, y la lista es interminable. Cada uno de ellos con una visión determinante y puntual, aunque ninguno termina por explicar la temible conducta de la supuesta “raza superior”. Muchos críticos afirman que esta no es una historia de la guerra, que simplemente es una historia de amor con un trasfondo nazista. Pero es que no es lo mismo enamorarse de una mujer x en el mundo a enamorarse de una mujer que perteneció a la guardia nazista.

A pesar de mis fuertes convicciones morales acerca del bien y del mal, si Hanna existiera o hubiese existido, rezaría por ella. Porque finalmente termina siendo una temible victima de sus decisiones. Porque huir constantemente del amor nos suele jugar una mala pasada y tenemos que convivir con un temible holocausto en el alma. Y para ello no habrá libros que acallen esa voz acuciosa interna de dolor. Si tenemos algo de suerte encontraremos un lector para que nos ayude a divagar en otros lugares mientras se cumple una larga condena en nombre del amor que dejamos atrás. Alguien como usted o como yo. Un lector a fin de cuentas.

PRECIOUS

2010-03-01T09:36:00.000-08:00

Permanecí inamovible, casi congelada y con un inenarrable e inquietante dolor en el alma. Después de haber extendido la vista de este film durante muchos días. Tuve que hacerlo con el fin de completar la lista de las diez películas nominadas al Oscar en la categoría de mejor película. Podría vencer a “The Hurt Locker” o a “Avatar”, fue la aseveración más contundente que pude darme. Y con seis nominaciones. Había que verla.

Lo primero que vino a mi mente cuando la terminé de ver fue: “esta es la Bailarina en la Oscuridad de Oprah Winfrey” productora ejecutiva de la cinta, y de Lee Daniels, su director, quien ya había elevado a través de sus productora independiente a “Monster’s Ball” a otra categoría en el año 2001.

Iniciar a dilucidar la denuncia social claramente expuesta por su director y el complejo de producción en su totalidad, sin que la subjetividad no intervenga es casi imposible. Mo’nique, quien ha obtenido varios premios internacionales por su absorbente y poderosamente creíble rol, mencionó a una entrevista a Ellen Degeneres que el film estaba recreado tan fielmente a la historia original, que “la gente pensaba que era un documental”. Lo que más impresiona de Mo’nique radica en el hecho de que sea una comediante muy reconocida en su país, y el tener la posibilidad de introducirse en la piel de un personaje de manera tan devota que respire el más profundo hastío y odio, por donde se le mire, es un objetivo al que todo actor en un rol de su naturaleza quisiera alcanzar.

¿Cómo es posible que una comediante pueda llegar a tal nivel? Lo que se desconoce es que el inicio de la actuación viene con sobreactuaciones inseparables y es allí donde la comedia hace su labor, al final de tanto sobreactuar se llega a un nivel donde el desempeño actoral se torna más equilibrado, más íntimo, más personal y sobre todo, más puro.

Sinopsis extractada: “Precious Jones tiene dieciséis años, es negra y casi analfabeta, y espera su segundo hijo. El primero lo tuvo a los doce años, y el padre de ambos es su propio padre. Vive en Harlem, en la ruinosa Lenox Avenue, el reino de los invisibles, de los sin voz, con su madre, una reclusa obesa y cruel que mira la televisión sin cesar, devora la comida que Precious le prepara y la somete a los más denigrantes abusos. Forzada a abandonar la escuela a causa de su embarazo -y el último y precario vínculo que la ligaba al mundo-, Precious acaba en un instituto para casos desesperados.”

A resaltar ampliamente se encuentran las crudas escenas de violencia sexual explicita y verbal de la que “Precious” es objeto, de igual forma, la perfecta transición de los flashbacks, de la vida real y cruda que lleva hacia la perfecta vida imaginaria motivan al film, sino a ser más digerible, por lo menos a brindarnos la posibilidad de pequeños respiros para poder tener el coraje de seguir siendo un vil, pasivo y resignado espectador de todos los horrores que sus verdugos le perpetran, sin otorgarnos la posibilidad de entrar a esa pantalla y acabar con las temibles injusticias.

La importancia de este film, más allá de toda concepción técnica, (la cual es igualmente brillante) reside en señalar el daño sigiloso y extenuante que causa la disfunción familiar en la psiquis de la niñez o de la juventud. Porque finalmente, así como un edificio es fuerte por las primeras bases que se le colocan, de igual forma, un ser humano necesita de esas bases, para elevar su propio edificio.

Excelentes interpretaciones, brillante dirección, un guión basado en la vida real, insuperable puesta en escena, hacen de este film sumados a las interpretaciones pausadas y sorprendentes de Mariah Carey y Lenny Kravitz, (quienes terminan por ejercer un rol de “pequeñas hadas madrinas” en la vida de la protagonista), un film altamente recomendado para ver. No obstante, asegúrese de que está listo para embarcarse en una historia que lo dejará extenuado, aunque con la clara resolución de mantener una sonrisa abierta de aquí en adelante, porque los problemas de cada quien parecerán un David al lado de tremendo Goliat.

NINE

2010-02-22T17:22:00.000-08:00

Enfrentarse a una crisis creativa es muy parecido a presenciar el advenimiento de un milimétrico deceso del alma. Es por ella razón que uno de los más recordados directores en la historia del cine italiano, Federico Fellini, le dedicara a uno de sus films, con un definitivo sabor autobiográfico (el Octavo y medio en su filmografía, de allí su nombre) las principales dificultades que un artista debe atravesar en el difícil y poco alabado, extenuante proceso creativo.

Rob Marshall es el director encargado para sumarle un 0,5 a ese 8,5 de Fellini y hacer un Nueve. Aunque parece haberle sucedido algo similar a lo que le sucedió a Guido Contini: tuvo todo a su servicio, el equipo de producción dispuesto, los actores, la ambientación y aún así, no nos hizo el nueve, ni el diez que esperábamos.

Sinopsis: “Habiendo alcanzado la edad de cuarenta años, el director Guido Contini (Daniel Day-Lewis) se enfrenta a una crisis de mediana edad que está ahogando su creatividad y que lo llevó a una serie de complicadas relaciones románticas. Mientras lucha para completar su última película, se ve obligado a equilibrar las numerosas mujeres de formación en su vida, incluyendo su esposa (Marion Cotillard), su amante (Penelope Cruz), su musa de la estrella de cine (Nicole Kidman), su confidente (Judi Dench), una periodista de moda americana (Kate Hudson), la puta de su juventud (Stacy Ferguson), y su madre (Sophia Loren).”
Iniciar a dilucidar por qué un film que se beneficia de toda la fórmula exacta para funcionar completamente no lo logra, no es simple. Tenemos un director que ha triunfado anteriormente en un musical: Chicago, que tuvo en el 2002 13 nominaciones al Oscar, de los cuales se apoderó de seis. Repitiendo se encuentra el director artístico de la misma: John Myre. Agreguemos, una línea central de un film italiano considerado como uno de los mejores diez de su historia. Además de un casting que cualquier director envidiaría: Daniel Day-Lewis, Nicole Kidman, Sophia Loren, Marion Cotillard, Judi Dench, Penelope Cruz, Stacy Ferguson y Kate Hudson, seis de ellos, oscarizados. ¿Qué más se podría pedir?

Daniel Day Lewis por momentos (al principio) ofrece una actuación simple, equilibrada, aún así, de muy baja calidad para quienes hemos tenido el placer de verle en obras anteriores.

Nicole Kidman, en un rol muy corto, preciso aunque puntual. Sale airosa. A Sophia Loren ni la vemos, ni la sentimos, finalmente su aparición termina siendo lo mismo que representa en el film: fantasmal, sin generar ningún tipo de recordación. Judi Dench, es perfecta, actúa como el salvavidas de Guido, la vi muy sincera y apropiada de su rol. A Penélope Cruz la encontré repitiendo el mismo papel que le dio el Oscar el año pasado. No hizo más ni menos. (A variar por el show musical). Y Kate Hudson, simple pero correcta. Vale destacar enormemente entre todos a Marion Cotillard, quien debería beneficiarse de la nominación al Oscar. Su presencia escénica es una de las más fuertes, no tanto por su belleza o carisma, sino por la enorme credibilidad que despierta.

El punto más importante para resaltar en este film, sin el cual es imposible que existiera la ambientación necesaria, es para la dirección artística, llevada a cabo brillantemente por John Myre, a quien le debemos la extraordinaria y cautivante estética visual con la que nos ha trasladado fielmente a otras épocas u otros países en obras como Elizabeth (1998), Chicago (2002), Memoirs of a Geisha (2005). Si tuviera que calificar el film basada en este apartado solamente, sería no sólo de diez, sino de once. Gracias a Miyer, Italia está por doquier, y es imposible quejarse.

A destacar además, están: los números musicales, “Take it all” representado por Cotillard, “Be Italian” de Fergie y “Cinema Italiano” de Hudson. Si usted es amante del género musical, vale la pena ver esta cinta por estas interpretaciones solamente. En la dirección técnica, el apartado fotografico en blanco y negro que nos remite a un homenaje al Ocho Y medio.

Aún así, el film queda crudo. Falla que el tiempo no sea suficiente para cada estrella para brillar por sí sola. Falla que no exista una fuerte compenetración entre la estrella principal y cualquiera de las musas. Falla el acento italiano fingido de Lewis. Falla encasillar a Penélope Cruz con el mismo papel de femme fatale. Falla la poca profundización en los diálogos, lo cual es muy extraño porque provienen de Anthony Minghella (The English Patient). Falla finalmente que salgamos del cine esperando ver un “nueve” que nos devuelva con una sonrisota a nuestra cotidianeidad, pero lo único que hace es darnos un cuatro o un cuatro y medio.

THE WOLFMAN

2010-02-18T11:39:00.000-08:00

“Incluso un hombre que es puro en corazón y dice sus rezos en la noche puede convertirse en un lobo cuando la belladona florece y la luna de otoño brille.”

Para iniciar la comprensión del por que a alguien se le ocurriría hacer un film acerca de un hombre que se convierte en lobo, el cual es llamado a esta transformación cada vez que la luna llena aparece, es necesario comenzar esta reseña con la denotación de Licantropía.

“La licantropía en la mitología es la habilidad o poder que tiene un ser humano para transformarse en lobo o en licántropo.” Si usted desea profundizar en el tema busque a mi amiga la Wikipedia, allí encontrará todos los mitos que transitan acerca de esta extraña metamorfosis.

Aún me pregunto si será posible encontrar un hombre-lobo o un lobo –hombre. A través de Discovery Channel he visto episodios de la vida real que parecerían material para una novela de ciencia ficción. Así que me imagino, que el hombre lobo existirá. Todo es posible.

Así, el inigualable y casi perfecto, séptimo arte nos entrega visiones fantásticas (digo fantásticas por los efectos especiales y maquillaje, no por la realidad del hecho como tal), de una vasta representación de humanos mutantes, transformados en, a saber: Drácula (El más famoso de los vampiros humano). Frankenstein (Hombre-monstruo reconstruido). Y a ellos llegarían actores para representarlos como los legendarios Boris Karloff, Bela Lugosi Y Lon Chaney Jr, éste último personificaría en 1941 al Hombre Lobo.

¿Quién podría ser un mejor hombre lobo que Benicio del Toro en el 2010? Con un rostro que inspira una inmensa melancolía y soledad, de pesares agudos, ojeras profundas cual insomnio de varios días, propietario de una inteligencia y apropiación de un personaje como ningún otro, sumando sus raíces latinas, (lo cual le añade un carácter más visceral), todo lo anterior se confabula como un plus para que Del Toro se destacase entre el actor común y regular de Hollywood.

Aún así, el film no funciona, aunque hace gala de un gran despliegue de efectos visuales, parecidos al comienzo del hombre araña (2002) El hombre lobo no solo camina, corre, sino que también salta edificios por doquier. Aún así, el guión no es lo suficientemente estructurado para importarnos lo que le ocurre al personaje principal, ni al resto. Aunque es un remake del original, hay historias que al ser representadas siete décadas después pierden la habilidad de despertar en el espectador sentimientos de empatía con los personajes, o lo peor de todo, una empatía en general.

Sir Anthony Hopkins brilla como la figura paternal fuerte y casi indestructible, y Emily Blunt ofrece una actuación simple pero correcta (la bella damisela en peligro) ambos, no podría estar mejor. No obstante, al guión le hacen falta más subtramas y puntos de giro que nos haga vibrar con la historia. Y nos terminan por entregar una complexión de efectos especiales y actuaciones brillantes pero sin nada que los justifiquen.

Que la dirección artística de la época victoriana sea excelentemente traducida a través de los claros oscuros que nos ofrecen, que el maquillaje del lobo sea brillante, gracias a Rick Baker, que las escenas gore no sean desagradables y sean necesarias para relatar la historia, que la dirección sea aceptablemente entretenida como lo había hecho Joe Johnston en “Jumanji” y la tercera entrega de “Jurasic Park”, aún así el espectador que se enfrente a ver “El hombre Lobo”, sabrá que lo que más podrá apreciar serán efectos especiales, no espere demasiado porque saldrá muy defraudado.

THE BLIND SIDE

2010-02-11T10:11:00.001-08:00

Desmitificar a Sandra Bullock como actriz exclusiva para el género cómico no parecía tarea fácil de llevar a cabo, no obstante parece ubicarse en un excelente camino. Aunque de allí, a que se le permita ganar el codiciado Oscar debido a su interpretación, lo veo muy lejos. Digo, que lo veo lejos no por el hecho de que se lo darán o no. Simplemente no parece merecerlo.

Bullock se encontró con una historia original de Michael Lewis "The Blind Side: Evolution of the Game," el guión adaptado le pertenece a John Lee Hancock, (quien al mismo tiempo la dirige), en el que puede demostrar todo lo que ha aprendido durante su carrera. Aún así no sé por que mencionan que está en un rol dramático, cuando en realidad parece cómico con ligeras pinceladas dramáticas, Bullock, tiene a su favor haber logrado ser la primera actriz que sobrepasa los 200 millones de dólares con este film solamente en la taquilla estadounidense, lo cual la hace favorita entre el gremio de productores. Este será un factor más decisivo en la obtención de la estatuilla dorada que su interpretación misma.

Aún así, “The Blind Side” representa, hasta ahora lo mejor en su filmografía, debido a su llamativo, singular y casi innato don para la comedia, sin olvidar el corto, aunque sincero y puntual rol secundario en “Crash”.

John Lee Hancock parece ser el director que Bullock necesitaba para que le conllevara hacia una definitiva transición de comedia a drama, y de la misma forma, se viera guiada a una mayor comprensión del la utilización en el lenguaje corporal, aún así, todavía falla en que le creamos su lenguaje facial, cuando de escenas dramáticas se trata.

Bullock carga el mayor peso de la historia, el resto del casting es demasiado simple, al punto que parece de relleno, reflejan la unidimensionalidad que le resta los necesarios sinsabores de la realidad humana. Incluso Quinto Aaron (Michael Oher) no llega a un nivel medianamente aceptable.

Esta es la sinopsis: “Proveniente de una familia desunida, Oher es un joven afro-americano que encuentra un nuevo hogar con una familia económicamente sólida blanca dispuesta a prestarle el apoyo que necesita para desarrollar su potencial para triunfar como jugador de football americano como también en los demás aspectos de su vida. De igual manera Oher afectará la vida de los miembros de la familia Touhy quienes atravesarán también por experiencias de descubrimiento personal. El cambio de ambiente significa también nuevos desafíos que el joven habrá de vencer. Oher se esfuerza por dar lo máximo de si mismo como jugador de football y también como estudiante y junto con el respaldo de su familia adoptiva alcanzará convertirse en uno de los mejores jugadores de todos los tiempos.”

La historia en general funciona, debido a la necesidad de exaltación de valores al interior de la sociedad norteamericana, entre los que se encuentra la solidaridad y templanza. Es importante dar a entender igualmente una nueva opción para la sociedad actual, donde el célebre y resquebrajado “sálvese quien pueda” se encuentra a la orden del día.

Muy diferente a lo que esperaba, “The Blind Side” es un drama light con ligeros toques cómicos (que se deben a Sandra Bullock), que se beneficia de ser una historia de la vida real y que responde a ciertos valores. Aún así, el film pudo haber manejado una mayor profundidad en cuanto a las actuaciones secundarias y el guión. "The Blind Side" pudo haberse convertido en un film más poderoso e inolvidable, solo termina por ser ligeramente entretenido y simplista.

EL SECRETO DE SUS OJOS

2010-02-06T14:59:00.000-08:00

“Escribir es un proceso doloroso que requiere un gran esfuerzo y noches sin dormir. Además de la amenaza del bloqueo del escritor, queda siempre una sensación de fracaso inevitable. Nada de lo que escribimos es lo que queríamos.” Octavio Paz.

Escribir es como enamorarse. Un proceso igualmente doloroso. No se extrañen entonces, que ambas acciones sean representadas con la misma ejecución brillante por el aclamado actor argentino, Ricardo Darín. De quien, por cierto, igualmente, he tratado inútilmente de evitar obsesionarme de la naturalista y acuciosamente hipnotizante calidad actoral que le caracteriza de manera innata y/o obtenida a través de la experiencia.

Lo acepto. Es primera vez que le advierto, que le aprecio y le digiero. Darín, gracias por tu inmensa capacidad de identificación y tu exquisita capacidad de introducirte en la piel de Benjamín Espósito.

Y así va la sinopsis: “Benjamín Espósito, secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires, está a punto de retirarse y decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Su obsesión con el brutal asesinato ocurrido en 1975 lo lleva a revivir aquellos años, trayendo al presente no sólo la violencia del crimen y de su perpetrador, sino también una profunda historia de amor con su compañera de trabajo, a quien ha deseado y amado fervorosamente y en silencio durante años. La novela que escribe Espósito nos hace recorrer los años 70, cuando en Argentina se vivían épocas turbulentas, el aire estaba enrarecido y nada era necesariamente lo que parecía ser.”

El Secreto de sus ojos, podría ser señalada, entonces, como fiel representante del cine noir. Un punzante y angustiante drama criminal con un profundo sentido nihilista, debido a la recalcitrante aparición de la negación de un principio ético, viva característica del sistema burocrático latinoamericano.

Dentro de lo más atrayente de este film, se encuentra, sin duda alguna, el intachable ensamblaje en el casting, (ya que si falla una pieza, muchas veces falla todo), aunque Pablo Rago decae en unos niveles en las escenas finales, aún así, el resto de su actuación le sigue salvando. Dicho engranaje es bien logrado por su director Juan José Campanella, quien ha sido reconocido anteriormente como un excelente director de actores.

Campanella ya había guiado a su anterior film, El Hijo de la Novia (2001), a una nominación al Oscar en categoría de mejor película de lengua extranjera, para este año presenta El Secreto de sus Ojos en la misma categoría, justo en un punto de maduración que se deja entrever en la inmejorable calidad tanto técnica, como artística e interpretativa de cada uno de sus componentes derivándose hasta en el más ínfimo de sus detalles.

Con una co-escritura junto a Eduardo Sacheri, Campanella nos brinda un guión estructurado que funciona perfectamente en sus flashbacks, con riqueza de diálogos precisos y ágiles, sin olvidarnos de las liricas puntuales que lejos de empalagar, le brindan una fuerza atractiva y fácilmente identificativa para cualquier espectador.

Su dirección técnica es el factor que mas ha llamado la atención a sus espectadores y críticos, debido a la complejidad de la misma para una producción latinoamericana, cámaras aéreas, junto a técnicas de cinema verité, conjunto de sombras y luces, imágenes en barrido que invitan al desespero, (especial mención la escena del estadio) se manejan espléndidamente al servicio del guión. Este conjunto se convierte en un festín para alguien que desee apreciar la técnica en toda su variedad y esplendor.

Invariablemente no existe otro elemento dentro de la gestualidad corporal que hable más que los ojos. Si creamos un hábito de observación profunda podremos avistar mucho más de lo que creeríamos exponencialmente imposible. Los ojos no mienten, a menos de que estemos ante el mejor de los actores. Los ojos revelan e invitan a una reflexión propia, nos indican una carencia o abundancia. Por algo la química entre dos personas comienza en un ”click” no sonoro. Esperemos que seamos lo suficientemente hábiles para reconocer ese momento. Y poder descifrar así, El secreto de sus Ojos.

THE HURT LOCKER

2010-02-04T12:28:00.000-08:00

"La adrenalina de la batalla es a menudo una adicción potente y letal, porque la guerra es una droga." Chris Hedges. The New York Time.

De manera muy sempiterna me he encontrado a mi misma cuestionándome, todavía sin respuesta satisfactoria alguna, (sin ánimos de ser señalada como machista o feminista) ¿Por qué a los hombres les atrae más la violencia? ¿Por qué las mujeres en su gran mayoría continúan en la resistencia de entrar en guerra? ¿Existe el gen de la violencia en el ser humano? ¿Y si es afirmativo, que tan influyente y/o excluyente emergerá éste en el genoma humano?

Según el profesor Pierre Roubertoux, especialista en neurociencias del Centro Nacional de la Investigación Científica (CNRS) de Francia, “No existe un único gen que intervenga en el comportamiento. Hasta el momento se han localizado unos 20 fragmentos de ADN implicados en la conducta violenta. Y la lista podría extenderse".

La primera vez que escuché acerca de este film, le comenté a alguien que estaba realmente interesada por, precisamente, la visión femenina de la guerra. A decir verdad, esperaba un tratamiento diferente, definitivamente más suave. Aunque, me dio gusto encontrarme repitiendo una y otra vez, la primera escena de la gran explosión. Afirmo que las escenas de acción aparecen claramente más detalladas sin restarle la adrenalina y poder visual que merecen. Por alguna razón Bigelow está entre una de las tres mujeres nominadas al Oscar en la categoría de Dirección en sus 82 años de historia. Y por alguna razón ha sido la única mujer ganadora del premio de Sindicato de directores, del cual se dice, en los últimos seis años ha sido un presagio para el ganador en la misma categoría del Oscar.

Teniendo en cuenta que su directora Kathryn Bigelow exhibe una obsesión por el género thriller (el cual se presenta como exclusivo entre los directores de género masculino). Films como Point of Break (1991) o Strange Days (1995) marcaron un hito especial en la historia del cine en el cual una mujer (su directora) se atrevía a remarcar ampliamente historia de héroes que manejaban obsesiones u adicciones por estilos de vidas particulares.

Porque cada historia de guerra, acción o thriller que merezca ser mencionada necesita un héroe con el cual podamos sentirnos íntimamente relacionados y/o identificados. Esta vez hace su aparición un actor casi desconocido para Hollywood, Jeremy Renner, (28 weeks later, The assasination of Jesse James), quien esta vez logra seducir ampliamente como el poco ortodoxo y controvertido Sargento James.

Presumo que no debería ser comparado con otros films de guerra dado que abarca una historia con un eje central muy simple y repetitivo, aunque con un exquisito poder de tensión que se siente en cada fibra del cuerpo. Se convierte esta simple historia lineal en un plato de mayor exquisitez debido a la profundidad con la que se puede experimentar la observación pormenorizada de un escuadrón de desactivación de explosivos del ejército de los Estados Unidos durante la guerra de Iraq.

Uno de los factores más relevantes es la ausencia de elementos persistentes en esta clase de historias a decir, como, el patriotismo exacerbado o el cuestionamiento de si la presencia militar de los Estados Unidos en el área es legitima o injustificada, lo cual la coloca en un extremo diferente. No es la simpatía por el deber cumplido lo que maneja al actor principal, lo que lo guía se termina confluyendo simplemente en su terrible adicción por desactivar explosivos.

La dirección técnica es brillantemente ejecutada a través de cámaras rápidas y al hombro, muy estilo cinema verité convergiendo así con la historia escrita por Mark Boal, su guionista, un periodista de guerra que resume sus estadías cercanas a un escuadrón durante la guerra de Iraq. Por momentos parece que estuviéramos presenciando las situaciones sino a través de los ojos de un corresponsal, como un punzante y angustiante documental.

Dicha visión femenina que buscaba (de la directora) está dada en la paciencia con la que maneja una aproximación más puntual y acertada en los sentimientos de los protagonistas del escuadrón, lo que los lleva finalmente a una reflexión más profunda de su existencia, tal como lo perpetra cualquier situación de extrema resilencia en el ser humano.

Como bonus extra, aparecen los cameos de alto nivel de Evangeline Lilly (Lost), Guy Pearce y Ralph Phiennes (el mejor de todas), otorgándole al film un mayor poder atractivo.
Bigelow tendrá así que competir ante la superproducción de su ex esposo James Cameron, aunque si tenemos en cuenta el sorprendente triunfo de “Slumdog Millionaire” sobre “The Curious Case of Benjamin Button” del año pasado, es muy posible que este año The Hurt Locker se lleve consigo a casa la gran estatuilla dorada.

Hoy me percibo entre la extraña y dubitativa opción de ser un Avatar o un desactivador de bombas con la mayor adrenalina del caso.

Ahora continuaré mi existencia como el sargento James, sorteando explosiones de un lado y del otro. Porque en eso consiste la vida. La importancia radicará en como terminaré enfrentando las situaciones a posteriori resultantes de haber cortado un cable o el otro.